音樂的分類和解釋
柒月
按聲部和聲部狀況:1.單聲部音樂--只有一個旋律的樂曲如無伴奏的獨唱、獨奏、齊唱等；2.複調音樂--是在和諧的前提下,幾個曲調參差進入,它們既相互配合又獨立發展的一種樂曲,複調音樂在巴赫手中,達到了高度完美的境界。3.主調音樂--是指一個聲部演奏主旋律，其餘聲部用和聲給主旋律陪伴奏的一種音樂。海頓是主要代表人物。
按音樂的性質：1.純音樂--是完全靠音樂語言，而不是借用任何標題來表達作品的內容。它也有曲名，如"第一奏鳴曲"等，但著只是指音樂的體裁，並不表明樂曲的內容。欣賞者自己準備聆聽的樂曲的作曲家所處的年代、經歷、世界觀以及樂曲產生的背景等，有個大概的瞭解。2。標題音樂--是根據一定的主題構思並用標題暗示中心內容的器樂曲。常取材于文學、戲劇、歷史、民間傳說或現實生活。它們用詳細的文字說明全曲及每一樂章的特性。可以說，標題音樂是音樂的文學化。標題是作曲家預先指示的一個方向，以幫助欣賞者去聯想，並沒有任何局限的作用。3。輕音樂--指輕快活潑、通俗動聽、結構短小的音樂，是與嚴肅的古典音樂相對而言的。欣賞輕音樂不需嚴肅的思考和理智活動，它只給人以美的享受，陶冶人的情操。4。爵士音樂--是一種通俗的舞曲性質的音樂。是從美國黑人中興起的，這種音樂沒有固定的樂譜，每個樂手都即興演奏，保持著大致的"默契"。即興性一直成為爵士音樂的一大特點。可以認為，爵士音樂是美國音樂文化的精髓。
01.什麼是trip-hop？
trip-hop是英倫／歐洲跳舞音樂的一種，它的名字來源是"
trip＋ hip hop"＝
trip-hop"，因為它發源自英國的bristol,因此最早時稱作"bristol
hip-hop".。由於把把hip-hop（其實很多音樂都是架構在hip-hop上的***不知啥是hip-hop的去看看跳街舞的人,
他們多半是用hip-hop音樂來跳的.）節奏變慢(有時很慢很慢),加入一些迷幻的味道,如很陰沉,肥厚的bass,輕微但迷幻的
合成音效,或是些唱片的取樣,有時可能連唱片的雜音都會被"故意"取樣進去.所謂"
trip"，指迷幻，氤氳的藥物「旅程」，所以，
trip-hop是種慢板的迷幻的、有
jazz感覺的、迷糊的、帶點 hip hop節奏的 break
beat音樂。它雖然隸屬跳舞音樂類，但其迷幻迷糊特色已令它跳一般跳舞音樂所有的明確節拍特色相去很遠。
外國 trip-hop代表人物：
trip-hop中公認的鐵三角ortishead, tricky, massive attack.
mandalay moloko coldcut
02.什麼是world music？
world
music是西方角度觀點的辭彙，意思指非英、美及西方民歌
/流行曲的音樂，通常指發展中地區或落後地區的傳統音樂，例如非洲及南亞洲地區的音樂，有些地區如拉丁美洲的音樂，則能普及到自成一種類型。今天大家說的
world
music通常是指與西方音樂混和了風格的、改良了的傳統地區音樂。非洲的
king sunny ade，東歐的don
byron，中國的朱哲琴，巴基斯坦的 nusrat fatehali
kahn等是西方樂迷較熟悉的 world music樂手。
03.什麼是new age？
new
age是種寧靜、安逸、閑息的音樂，純音樂作品占的比重較多，有歌唱的占較少。
new age可以是純
acoustic(即以傳統自發聲樂器演奏)的，也可以是很電子化的，重點是營造出大自然平靜的氣氛或宇宙浩瀚的感覺，洗滌聽者的心靈，令人心平氣和。
new age很多時與音樂治療有關，不少new
age音樂說可以治病，也有不少與打坐冥想有關，這與
new age思潮哲學有莫大關係。 new
age音樂通常被目為頗為中產階級的音樂， windham
hill是最具代表性的 new age唱片公司。 new age代表樂手有
enya， george winston， william ackerman， yanni， kitaro等等。
04.什麼是dream-pop？
dream-pop是種"夢"般的流行曲，它有一種迷離的氣氛，多*synthesizers（電子合成器）造成，加了echo效果的電結他也是重要的成分，歌唱部分往往很
'breathy'即呼吸聲重，歌詞也往往有夢般的詩意色彩。代表樂隊有
cocteau twins， lisa germano， st.etienne， this mortal coil， my
bloody valentine， mazzy star和 dead can dance等。
05.什麼是classical pop ？
classical
pop是指帶古典響樂味道的流行曲，多用弦樂伴奏的歌曲都可列入此類，例如
the beatles的 "eleanorrigby"就是。澳洲樂隊 crowded
house的一些作品也可列入此類。如果說 classical
pop，則是指經典的流行曲。
06.什麼是acappella ？
acappella是指沒有樂器伴奏的歌曲，但凡純以人聲唱的歌都是
acappella，不過今天我們說
acappella通常是指有多重和唱的那種唱法，連樂器伴奏都由人聲唱出。
acappella的相反是
umental，即純音樂樂曲，任何類型的歌曲都可以以
acappella形式唱出。香港人最熟悉的 acappella歌曲是 "so
much in love"，香港 acappella樂隊有姬聲雅士等。
07.什麼是bossa nova？
在"謎"新專輯中傳達了了許多自然的、哲學的觀念。這個觀念的主題就是"為什么"。《冥界之外》是"謎"一首經典的單曲。通過克裏圖的聲音鋪墊首一種不可抵擋的聖歌迭句和有力的旋律。
bossa nova是種帶 jazz味道的巴西音樂，
1950年代作曲家 antonio carlos
jobim將巴西音樂節奏與美國西岸 cool
jazz混合而成，柔和、舒服、輕鬆、懶洋洋、浪漫乃特色。每兩個
bar的第 1,4,7,11,14拍為重拍。歌手 joao
gilberto的純厚歌聲是 jobim音樂的出色拍檔，
50年代中期傳入美國後大受歡迎，其他著名 bossa
nova樂手有 charlie byrd,stan getz和 astrud
gilberto等，最著名的歌曲為 "the girlfrom ipanema"。 ossa
nova於 60年代最流行，其餘年代亦不斷有捧場者。
08.什麼是post rock?
post-rock是九十年代中期冒起的一種實驗性、前衛搖滾樂，多帶催眠感覺，風格取自ambient、free-form
jazz、avant
garde及電子音樂。代表樂隊有tortoise，他們視他們的音樂不是歌，而是不斷改變、晚晚新鮮的作品，大部分post-rock樂隊都反主流音樂，也反indie-rock，不過也有些比較pop，如stereolab等。
post-rock 樂隊例子還有cul de sac、ui、flying saucer
attack、the high llamas、mogwai、trans am等。
09.什麼是britpop？
britpop雖有個" pop"字，但其實是
rock的一種，源於九十年代英倫，中文可譯為"英式搖滾"，這是英倫樂壇對美國
grunge潮的一個回應，主要是以樂隊形式出現。不過，
britpop風格其實十分廣泛，如 oasis是結他搖滾樂隊，
blur則pop很多，而pulp則接近glam
rook及跳舞風格，不過他們都被列作 britpop。
英國 britpop代表人物： oasis blur suede pulp radiohead
10.什麼是dub?
dub可說是將歌聲抽離只剩下音樂的reggae(瑞格，也有稱之為雷鬼,一種很有節拍性
,唱腔特別的南美黑人音樂)。而將dub運用在
電子樂上,則是將部份歌聲抽離,將bass和鼓聲加重,並且加入大量的echo(回音)等效果。這種技術常在現場表演時,將歌曲重新混音(remix)呈現。像massive
attack 的專輯protection便由mad
professor從trip-hop音樂混音成了dub版本。
11.什麼是electro?
早在70年代末,80年代初,那時還沒有house,techno***這類玩意兒,電子音樂也較不盛行,只有electro這類電子音樂而已.
electro可說是純粹以電子合成器(synthesizer,長得有點像keyboard)來發聲的音樂,通常蠻輕柔的,且常使用roland公司的鼓機(drum
machine)tr-808來發鼓聲。德國的kraftwerk樂團可算是代表。
現在的electro音色比以前明亮,透明許多。後來一些dj利用electro變形成了一種hip-hop樂,被稱作old
school。現在的fatboy
slim(流線胖小子)也融合了一些electro和old
school在音樂中。
12.什麼是jungle?
jungle就是drum'n'bass的前身。jungle的速度比drum'n'bass快很多,而且節拍更為
複雜,比較強悍,有時會搭配一些rap,不像drum'n'bass會融合一些jazz,soul等元素,聽起來比較柔，連"搖滾變色龍"
david bowie現在都搞起jungle了。
13.什麼是drum'n'bass?
對某些人來說,drum'n'bass的音樂可能很煩,因為drum'n'bass很注重在節奏上玩花樣,還有bass的表現,
像是很快很快,複雜的碎拍,以及運用各種不同的電子鼓,或是取樣而來的鼓聲。因此drum'n'bass也是breakbeat的一種，4hero為drum'n'bass的知名樂團
14.什麼是big-beat?
"大節拍",把brit-hop變得更快,節奏更重,更有搖滾的味道,可說是將brit-hop改良後,
更成熟的一種曲風,你可以想像一下又重又碎,又有點快的節拍是什麼樣子。如the
prodigy,the chemical brothers, fat boy slim即是big
beat的"大角。
15.什麼是brit-hop ?
把黑人hip-hop的節奏加快鼓聲加重,配合些許電吉他,bass,有搖滾樂的味道,
如the chemical brothers的曲風即是。
16.什麼是break beat ?
不像house的拍子boom-boom-boom-boom那麼規律,而是以破碎的節拍呈現,像是切分拍。如在兩拍中加入小碎鼓,等等,breakbeat只是一
個總稱而已,有很多種音樂都屬breakbeat,如以下的brit-hop,big-beat,和黑人的hip-hop便是一種。
17.什麼是psychedelic trance ?
又名goa
trance,發源於印度的一個小島上。goa即為這小島的名字
,旋律常帶有印度風味，這類trance的特徵,就是很重視旋律,音符之間的細微變化,且常有重疊的旋律,和高亢的tb-303聲音出現，有點ambient的味道。
18.什麼是trance ?
迷幻舞曲,由techno演變而來,聽了會讓你有"出神"的感覺,但還是保有舞曲的律動
,很注重bass的表現
,某些聽了會有"催眠"的效果，拍子也是以4/4拍為主。
19.什麼是ambient ？
聽起來起伏不大,但其實一直在做改變,像是長時間的音效,
或是漸進式的音樂編排等等,常會營造出有層次的空間感,所以被稱為"情境音樂",
且常對於生活周遭的聲音做取樣,如人聲,汽車聲,甚至是其他音樂的旋律***等等。為70年代的brian
eno所創,是一種很"高深"的電子音樂.後來ambient也有分支,如ambient
house, ambient
techno***等等,相信大家從字面上就能瞭解,其實在很多種音樂中都會有ambient的影子,甚至某些古典樂中
也有ambient的味道。
20.什麼是techno ？
technology,
即表示"高科技舞曲"啦!利用電腦,合成器合成,做出一些特殊音效,這種音樂常常是許多音效組合起來的.
techno的節拍也是4/4拍,但速度較house快,且聽起來具重複性,較強硬,較機械化,所以某些人稱techno為"工業噪音",但某些還是會注重旋律的.
techno起源於美國底特律,有三名dj: derrick may,kevin
saunderson juan
atkins嘗試將電子樂與黑人音樂結合,而產生了detroit
techno. detroit techno通常較平緩,
不像一般的techno那樣強勁,可說是現代techno的起源。
21.什麼是electrophonic music？何謂electrophonic
music(電子音樂)?隨著時代的演進,音樂家有了更多製作音樂的方法.所謂電子音樂,就是以電子合成器,音樂軟體,電腦等所產生的電子聲響來製作音樂.電子音樂範圍廣泛,生活周遭常常能聽到,在電影配樂,廣告配樂,甚至某些國語流行歌中都有用到,不過以電子舞曲為最.很多人認為電子樂是一種冷冰冰,沒有感情的音樂.其實電子樂也可融入rock,
jazz甚至blues等多種元素而充滿情感的。
電子音樂的類型也是多種多樣的，包括house
、techno、ambient、trance、psychedelic trance、 breakbeat、
brit-hop、 big-beat、 trip-hop、drum'n'bass、
jungle、electro、dub、chill out、 minimalism。
22.什麼是民歌 (folk)？
民歌(folk)原本是指每個民族的傳統歌曲，每個民族的先民都有他們自原始
/古代已有的歌曲，這些歌絕大部分都不知道誰是作者，而以口頭傳播，一傳十十傳百，一代傳一代的傳下去至今。不過今天我們所說的民歌
(folk)，大都是指流行曲年代的民歌
(folk)，所指的是主要以木結他為伴奏樂器，以自然坦率方式歌唱，唱出大家純樸生活感受的那種歌曲。美國民歌手
woody
guthrie在五十年代的唱片可說是最早的民歌唱片錄音，所以普遍被認定是現代民歌
(folk)的祖師。之後 pete seeger、 the
weavers繼續推動這類音樂，六十年代越戰，反戰民歌手如
bob dylan,joan baez,peter,paul and
mary等成為時代的呼聲。後民歌向
pop,rock及都市化發展， bob dylan發明了 folkrock, simon &
garfunkel發展出中產口味的都市 folk
pop，風行一時。八十年代 suzanne vega,tracychapman等
+走出一種更富現在都市感覺的 urban folk(城市) /
contemporary(當代) folk路線。民歌
(folk)在英國、香港等樂壇也發展出不同的面貌。民歌
(folk近年較新的發展是與 new age結合 (如 enya)，及與 trip
hop結合(如 beth orton)。
23.什麼是 chamber pop？
chamber
pop是指典雅、高貴、精緻的一種流行樂，它有一定的古典音樂感覺。
chamber
music一詞來自古典音樂，中文叫"室內樂"，是種小組弦樂演奏曲式，氣氛高雅。
chamber pop於九十年代興起，是對當時的 lo-fi及
grunge的一種反應，強調優美的旋律、精緻的配樂、乾淨的錄音，每每多用弦樂、管樂製造巴羅克時代的音樂感覺。
外國代表樂隊有 the divine comedy， rialto， eric
matthews及 balle & sebastian等.
24.什麼是 synth pop？
synth pop中的 " synth"，即 synthesizer，顧名思義，
synth pop就是"由 sythesizrs炮製出來的流行樂"，當然除
synthesizers外還會用上其他電子樂器如電腦及鼓機等等。
synth
pop於八十年代初期開始流行，至八十年代中開始沉寂，當年在香港也曾掀起過一陣熱潮。
synth
pop的特點是科技感強，有時會頗冰冷，歌曲多是"三分鐘流行曲"
(3-minutes pop)，很多時 synth pop樂手會作入時打扮。
synth pop代表組合： depeche mode、 human league、 duran
duran、 omd、 gary numan
25.什麼是 orchestra ？
orchestra就是管弦樂團，它分成四部分：
1弦樂，包括小提琴、大提琴等， 2銅管樂 3木管樂和
4敲擊樂四組。弦樂組每種樂器有多人演奏 (豎琴除外
)，四組演奏者由一人統籌兼領導，他就是樂團的指揮。
orchestra於17世紀出現，到
18世紀因海頓和莫札特的作品而清楚地建立模式。
19世紀加入了些新樂器，樂團人數加大。
orchestra是西方古典 /正統音樂的正宗。西方流行
/搖滾樂也經常運用
orchestra的部分或全部團員協助演出。
26.什麼是 gangsta rap？
gangsta rap是 rap的一種，以
rap的內容多與都市罪案有關，充滿暴力、色欲感受，這是反映現實的一種音樂路向。
gangsta
rap於八十年代末期在美國興起，音樂rap中的強悍尖銳派，在美國大受歡迎，唱片銷路甚高。而不少
gangsta
rap樂手本身真正"參與"現實中各式罪案，部分更因而入獄甚至*亡，可說是真正反映現實兼令人觸目驚心的樂種。
gangsta rap化表組合： ice-t、 ice cube、 dr. dre、 snoop
doggy dogg、 2 pac、 geto boys .
27.什麼是house？
house是於八十年代沿自 disco發展出來的跳舞音樂。
這是芝加哥的dj玩出的音樂,他們將德國電子樂團kraftwerk的一張唱片和電子鼓(drum
machine)規律的節奏
及黑人藍調歌聲混音在一起,house就產生啦~一般翻譯為"浩室"舞曲,為電子舞曲最基本的型式,4/4拍的節奏,
一拍一個鼓聲,配上簡單的旋律,常有高亢的女聲歌唱.
disco流行後，一些dj將它改變，有心將disco變得較為不商業化，
bass和鼓變得更深沈，很多時變成了純音樂作品，即使有歌唱部分也多數是由跳舞女歌手唱的簡短句子，往往沒有明確歌詞。漸漸的，有人加入了latin(拉丁)、
reggae(瑞格源在西印度群島)、 rap(說唱)或
jazz(爵士)等元素，至八十年代後期，
house沖出地下範圍，成為芝加哥、紐約及倫敦流行榜的寵兒。
28.什麼是 r&b？
r&b的全名是 rhythm &
blues，一般譯作"節奏布魯斯"。廣義上，
r&b可視為"黑人的流行音樂"，它源於黑人的blues音樂，是現今西行流行樂和搖滾樂的基礎，billboard雜誌曾介定
r&b為所有黑人音樂，除了 jazz和blues之外，都可列作
r&b，可見
r&b的範圍是多麼的廣泛。近年黑人音樂圈大為盛行的
hip hop和 rap都源於 r&b，並且同時保存著不少 r&b成分。
29.迪斯可（disco）
discotheque的簡稱，原意為唱片舞會，起先是指黑人在夜總會按錄音跳舞的音樂，70年代實際上成了對任何時新的舞蹈音樂的統稱。與搖滾相比，它的特點是強勁的、不分輕重的、像節拍器一樣作響的4/4拍子，歌詞和曲調簡單。1977年，因澳大利亞流行音樂小組"比吉斯"（bee
gees）的電影錄音《週末狂熱》在美國掀起迪斯可熱。迪斯可經常在錄音室進行音響合成，製成唱片，但終因節奏單調、風格雷同，于80年代初逐漸被其他節奏不那麼顯著、速度稍慢的流行舞曲所代替。
30.朋克（punk）
70年代中期發展起來的一種搖滾樂，或稱"朋克搖滾"（punk
rock），80年代初擴展到全美國。朋克針對搖滾樂的反抗性減弱這一情況，以一種故意與比較文明的搖滾樂相對立的面目出現。它繼承了搖滾樂開始時的反叛精神，蔑視一切傳統，蔑視、宗教、教育機構等等，但卻是用一種更加頹廢的方式，極端無主義的言行表現出來。他們的唱詞淫狠、粗魯；在舞臺上尖叫、跺腳、鬥毆；音樂上與硬搖滾比較接近，音響極大，音色濃烈渾厚。代表性樂隊有"性手槍"（***
pistols）、"撞擊"（the clash）等。
70年代末，從朋克中分離出一支比較能被人接受的、也更帶點藝術性的新品種，叫"新浪潮"（new
wave）。
31.索爾（soul）
亦稱"靈歌"。1969年，"公告牌"用"索爾"來代替原來對"節奏布魯斯"的稱呼。它是由布魯斯、搖滾樂與黑人福音歌混合而成的一種黑人流行音樂，演唱時較少演奏樂器。索爾的著名歌手有詹姆斯·布朗（james
brown）、查理斯（ray charles）、雷丁（ons
redding）、史蒂夫·旺德（stevle
wonder）、普林斯（prince）等。
32.雷鬼（reggae）
起源於牙買加，70年代中期傳入美國。它把非洲、拉丁美洲節奏和類似非洲流行的那種呼應式的歌唱法，與強勁的、有推動力的搖滾樂音響相結合。
33.說唱（rap）
黑人俚語，相當於"談話"（talking），產自紐約貧困黑人聚居區。它以在機械的節奏聲的背景下，快速地訴說一連串押韻的詩句為特徵。這種形式來源之一是過去電臺節目主持人在介紹唱片時所用的一種快速的、押韻的行話性的語言。萊普的歌詞幽默、風趣，常帶諷刺性，80年代尤其受到黑人歡迎。最有代表性的樂隊是"公開的敵人"（public
enemy）。萊普有時也稱"希普－霍普"（hip－hop）。實際上，希普－霍普的含義更寬，泛指當時紐約街頭文化的各種成分，除萊普外，還有：（萊普經常採用的）用手把放在唱機轉盤上的唱片前後移動，發出有節奏的刮擦聲；唱片播放員（dj）在轉換唱片拼接唱片音樂片斷時，聽不出中斷痕跡的技法；霹靂舞等等。
34.波普（pop）
一種具有強烈節拍的現代流行音樂。一般認為，流行音樂有廣義和狹義之分，這裏的"波普"是指狹義的流行音樂，如
70、80年代著名歌手羅斯（diana ross）、裏奇（lionel
richie）、惠特妮·休斯頓（whitney
houston）、麥當娜（madonna）、邁克爾·傑克遜（michael
jackson）、普林斯（prince）、珍妮特·傑克遜（janet
jackson）等人演唱的很多歌曲。
35.藝術搖滾（art rock）
於70年代後流行，主要在歐洲，英國人領頭，如"穆迪布魯斯"（moody
blues）樂隊，但在美國也有影響。藝術搖滾把搖滾與古典音樂結合起來，利用電子設備演奏如李斯特、德彪西等作曲家的作品，又稱"進步搖滾"
柒月
遠古時期
中華民族音樂的蒙昧時期早于華夏族的始祖神軒轅黃帝兩千餘年。據今六千七百年至七千餘年的新石器時代，先民們可能已經可以燒制陶塤，挖制骨哨。這些原始的樂器無可置疑地告訴人們，當時的人類已經具備對樂音的審美能力。遠古的音樂文化根據古代文獻記載具有歌、舞、樂互相結合的特點。葛天氏氏族中的所謂“三人操牛尾，投足以歌八闋”的樂舞就是最好的說明。當時，人們所歌詠的內容，諸如“敬天常”、“奮五穀”、“總禽獸之極”反映了先民們對農業、畜牧業以及天地自然規律的認識。這些歌、舞、樂互為一體的原始樂舞還與原始氏族的圖騰崇拜想聯繫。例如黃帝氏族曾以雲為圖騰，他的樂舞就叫做《雲門》。關於原始的歌曲形式，可見《呂氏春秋》所記塗山氏之女所作的“候人歌”。這首歌的歌詞僅只“候人兮猗”一句，而只有“候人”二字有實意。這便是音樂的萌芽，是一種孕而未化的語言
夏、商時期
夏商兩代是奴隸制社會時期。從古典文獻記載來看，這時的樂舞已經漸漸脫離原始氏族樂舞為氏族共有的特點，它們更多地為奴隸主所佔有。從內容上看，它們漸漸離開了原始的圖騰崇拜，轉而為對征服自然的人的頌歌。例如夏禹治水，造福人民，於是便出現了歌頌夏禹的樂舞《大夏》。夏桀無道，商湯伐之，於是便有了歌頌商湯伐桀的樂舞《大蠖》。商代巫風盛行，於是出現了專司祭祀的巫（女巫）和覡（男巫）。他們為奴隸主所豢養，在行祭時舞蹈、歌唱，是最早以音樂為職業的人。奴隸主以樂舞來祭祀天帝、祖先，同時又以樂舞來放縱自身的享受。他們死後還要以樂人殉葬，這種殘酷的殉殺制度一方面暴露了奴隸主的殘酷統治，而在客觀上也反映出生產力較原始時代的進步，從而使音樂文化具備了迅速發展的條件。據史料記載，在夏代已經有用鱷魚皮蒙制的鼉鼓。商代已經發現有木腔蟒皮鼓和雙鳥饕餮紋銅鼓，以及製作精良的脫胎于石樺犁的石磐。青銅時代影響所及，商代還出現了編鐘、編鐃樂器，它們大多為三枚一組。各類打擊樂器的出現體現了樂器史上打擊樂器發展在前的特點。始于西元前五千餘年的體鳴樂器陶塤從當時的單音孔、二音孔發展到五音孔，它已可以發出十二個半音的音列。根據陶塤發音推斷，我國民族音樂思維的基礎五聲音階出現在新石器時代的晚期，而七聲至少在商、殷時已經出現。
西周、東周時期
西周和東周是奴隸制社會由盛到衰，封建制社會因素日趨增長的歷史時期。西周時期宮廷首先建立了完備的禮樂制度。在宴享娛樂中不同地位的官員規定有不同的地位、舞隊的編制。總結前歷代史詩性質的典章樂舞，可以看到所謂“六代樂舞”，即黃帝時的《雲門》，堯時的《咸池》，舜時的《韶》，禹時的《大夏》，商時的《大蠖》，周時的《大武》。周代還有采風制度，，收集民歌，以觀風俗、察民情。賴于此，保留下大量的民歌，經春秋時孔子的刪定，形成了我國第一部詩歌總集－－《詩經》。它收有自西周初到春秋中葉五百多年的入樂詩歌一共三百零五篇。《詩經》中最優秀的部分是“風”。它們是流傳於以河南省為中心，包括附近數省的十五國民歌。此外還有文人創作的“大雅”、“小雅”，以及史詩性的祭祀歌曲“頌”這幾種體裁。就其流傳下來的的文字分析，《詩經》中的歌曲以可概括為十種曲式結構。作為歌曲尾部的高潮部分，已有專門的名稱“亂”。在《詩經》成書前後，著名的愛國詩人屈原根據楚地的祭祀歌曲編成《九歌》，具有濃重的楚文化特徵。至此，兩種不同不同音樂風格的作品南北交相輝映成趣。周代時期民間音樂生活涉及社會生活的十幾個側面，十分活躍。世傳伯牙彈琴，鐘子期知音的故事即始於此時。這反映出演奏技術、作曲技術以及人們欣賞水準的提高。古琴演奏中，琴人還總結出“得之于心，方能應之於器”的演奏心理感受。著名的歌唱樂人秦青的歌唱據記載能夠“聲振林木，響遏飛雲”。更有民間歌女韓娥，歌後“餘音饒梁，三日不絕”。這些都是聲樂技術上的高度成就。周代音樂文化高度發達的成就還可以一九七八年湖北隨縣出土的戰國曾侯乙墓葬中的古樂器為重要標誌。這座可以和埃及金字塔媲美的地下音樂寶庫提供了當時宮廷禮樂制度的模式，這裏出土的八種一百二十四件樂器，按照周代的“八音”樂器分類法（金、石、絲、竹、匏、土、革、木）幾乎各類樂器應有盡有。其中最為重要的六十四件編鐘樂器，分上、中、下三層編列，總重量達五千餘公斤，總音域可達五個八度。由於這套編鐘具有商周編鐘一鐘發兩音的特性，其中部音區十二個半音齊備，可以旋宮轉調，從而證實了先秦文獻關於旋宮記載的可靠。曾侯乙墓鐘、磐樂器上還有銘文，內容為各諸侯國之間的樂律理論，反映著周代樂律學的高度成就。在周代，十二律的理論已經確立。五聲階名（宮、商、角、徵、羽）也已經確立。這時，人們已經知道五聲或七聲音階中以宮音為主，宮音位置改變就叫旋宮，這樣就可以達到轉調的效果。律學上突出的成就見於《管子－地員篇》所記載的“三分損益法”。就是以宮音的弦長為基礎，增加三分之一（益一），得到宮音下方的純四度徵音；徵音的弦長減去三分之一（損一），得到徵音上方的純五度商音；以次繼續推算就得到五聲音階各音的弦長。按照此法算全八度內十二個半音（十二律）的弦長，就構成了“三分損益律制”。這種律制由於是以自然的五度音程相生而成，每一次相生而成的音均較十二平均律的五度微高，這樣相生十二次得不到始發律的高八度音，造成所謂“黃鐘不能還原”，給旋宮轉調造成不便。但這種充分體現單音音樂旋律美感的律制一直延續至今。
秦、漢時期
秦漢時開始出現“樂府”。它繼承了周代對采風制度，搜集、整理改變民間音樂，業績終了大量樂工在宴享、郊祀、朝賀等場合演奏。這些用作演唱的歌詞，被稱為樂府詩。樂府，後來又被引申為泛指各種入樂或不入樂的歌詞，甚至一些戲曲和氣越也都稱之為樂府。漢代主要的歌曲形式是相和歌。它從最初的“一人唱，三人和”的清唱，漸次發展為有絲、竹樂器伴奏的“相和大麯”，並且具“豔--趨--亂”的曲體結構，它對隋唐時的歌舞大麯由著重要影響。漢代在西北邊疆興起了鼓吹樂。它以不同編制的吹管樂器和打擊樂器構成多種鼓吹形式，如橫吹、騎吹、黃門鼓吹等等。它們或在馬上演奏，或在行進中演奏，用於軍樂禮儀、宮廷宴飲以及民間娛樂。今日尚存的民間吹打樂，當有漢代鼓吹的遺緒。在漢代還有“百戲”出現，它是將歌舞、雜技、角抵（相撲）合在一起表演的節目。漢代律學上的成就是京房以三分損益的方法將八度音程華劃為六十律。這種理論在音樂實踐上雖無意義，但體現了律學思維的精微性。從理論上達到了五十三平均律的效果。
三國、兩晉、南北朝時期
由相和歌發展起來的清商樂在北方得到曹魏政權的重視，設置清商署。兩晉之交的戰亂使清商樂流入南方，與南方的吳歌、西曲融合。在北魏時，這種南北融合的清商樂又回到北方，從而成為流傳全國的重要樂種。漢代以來，隨著絲綢之路的暢通，西域諸國的歌曲以開始傳入內地。北涼時呂光將在隋唐燕樂中佔有重要位置的龜茲（今新疆庫車）樂帶到內地。由此可見當時各族人民在音樂上的交流已經十分普及了。這時，傳統音樂文化的代表性樂器古琴趨於成熟，這主要表現為：在漢代已經出現了題解琴曲標題的古琴專著《琴操》。三國時著名的琴家嵇康在其所著《琴操》一書中有“徽以中山之玉”的記載。這說明當時的人們已經知道古琴上徽位泛音的產生。當時，出現了一大批文人琴家相繼出現，如嵇康、阮籍等，《廣陵散》（《聶政刺秦王》）、《猗蘭操》、《酒狂》等一批著名曲目問世。南北朝末年還盛行一種有故事情節，有角色和化妝表演，載歌載舞，同時兼有伴唱和管弦伴奏的歌舞戲。這已經是一種小型的雛形戲曲。這一時期律學上的重要成就，包括晉代荀瑁找到管樂器的“管口校正數”。南朝宋何承天在三分損益法上，以等差迭加的辦法，創立了十分接近十二平均律的新律。他的努力初步解決了三分損益律黃鐘不能還原的難題。
隋、唐時期
隋唐兩代，政權統一。特別是唐代，政治穩定，經濟興旺，統治者奉行開放政策，勇於吸收外城文化，加上魏晉以來已經孕育著的各族音樂文化融合打基礎，終於萌發了以歌舞音樂為主要標誌的音樂藝術的全面發展的高峰。唐代宮廷宴享的音樂，稱作“燕樂”。隋、唐時期的七步樂、九部樂就屬於燕樂。它們分別是各族以及部分外國的民間音樂，主要有清商樂（漢族）、西涼（今甘肅）樂、高昌（今吐魯番）樂、龜茲（今庫車）樂、康國（今俄國薩馬爾漢）樂、安國（今俄國布哈拉）樂、天（今印度）樂、高麗（今朝鮮）樂等。其中龜茲樂、西涼樂更為重要。燕樂還分為坐部伎和立部伎演奏，根據白居易的《立部伎》詩，坐部伎的演奏員水準高於立部伎。風靡一時的唐代歌舞大麯是燕樂中獨樹一幟的奇葩。它繼承了相和大麯的傳統，融會了九部樂中各族音樂的精華，形成了散序－－中序或拍序－－破或舞遍的結構形式。見於《教坊錄》著錄的唐大麯曲名共有46個，其中《霓裳羽衣舞》以其為著名的皇帝音樂家唐玄宗所作，又兼有清雅的法曲風格，為世所稱道。著名詩人白居易寫有描繪該大麯演出過程的生動詩篇《霓裳羽衣舞歌》。唐代音樂文化的繁榮還表現為有一系列音樂教育的機構，如教坊、梨園、大樂署、鼓吹署以及專門教習幼童的梨園別教園。這些機構以嚴密的考績，造就著一批批才華出眾的音樂家。文學史上堪稱一絕的唐詩在當時是可以入樂歌唱的。當時歌伎曾以能歌名家詩為快；詩人也以自己的詩作入樂後流傳之廣來衡量自己的寫作水準。在唐代的樂隊中，琵琶是主要樂器之一。它已經與今日的琵琶形制相差無幾。現在福建南曲和日本的琵琶，在形制上和演奏方法上還保留著唐琵琶的某些特點。受到龜茲音樂理論的影響，唐代出現了八十四調，燕樂二十八調的樂學理論。唐代曹柔還創立了減字譜的古琴記譜法，一直沿用至近代。
宋、金、元時期
宋、金、元時期音樂文化的發展以市民音樂的勃興為重要標誌，較隋唐音樂得到更為深入的發展。隨著都市商品經濟的繁榮，適應市民階層文化生活的遊藝場“瓦舍”、“勾欄”應運而生。在“瓦舍”、“勾欄”中人們可以聽到叫聲、嘌唱、小唱、唱賺等藝術歌曲的演唱；也可以看到說唱類音樂種類崖詞、陶真、鼓子詞、諸宮調，以及雜劇、院本的表演；可謂爭奇鬥豔、百花齊放。這當中唱賺中的纏令、纏達兩種曲式結構對後世戲曲以及器樂的曲式結構有著一定的影響。而鼓子詞則影響到後世的說唱音樂鼓詞。諸宮調是這一時期成熟起來的大型說唱曲種。其中歌唱占了較重的分量。承隋唐曲子詞發展的遺緒，宋代詞調音樂獲得了空前的發展。這種長短句的歌唱文學體裁可以分為引、慢、近、拍、令等等詞牌形式。在填詞的手法上已經有了“攤破”、“減字”、“偷聲”等。南宋薑夔是既會作詞，有能依詞度曲的著名詞家、音樂家。他有十七首自度曲和一首減字譜的琴歌《古怨》傳世。這些作品多表達了作者關懷祖國人民的心情，描繪出清幽悲涼的意境，如《揚州慢》、《鬲溪梅令》、《杏花天影》等等。宋代的古琴音樂以郭楚望的代表作《瀟湘水雲》開古琴流派之先河。作品表現了作者愛戀祖國山河的盎然意趣。在弓絃樂器的發展長河中，宋代出現了“馬尾胡琴”的記載。到了元代，民族樂器三弦的出現值得注意。在樂學理論上宋代出現了燕樂音階的記載。同時，早期的工尺譜譜式也在張炎《詞源》和沈括的《夢溪筆談》中出現。近代通行的一種工尺譜直接導源於此時。宋代還是我國戲曲趨於成熟的時代。它的標誌是南宋時南戲的出現。南戲又稱溫州雜劇、永嘉雜劇，其音樂豐富而自然。最初時一些民間小調，演唱時可以不受宮調的限制。後來發展為曲牌體戲曲音樂時，還出現了組織不同曲牌的若干樂句構成一種新曲牌的“集曲”形式。南戲在演唱形式上已有獨唱、對唱、合唱等多種。傳世的三種南戲劇本《張協狀元》等見於《永樂大麯》。戲曲藝術在元代出現了以元雜劇為代表的高峰。元雜劇的興盛最初在北方，漸次向南方發展，與南方戲曲發生交融。代表性的元雜劇作家有關漢卿、馬致遠、鄭光祖、白樸，另外還有王實甫、喬吉甫，世稱六大家。典型作品如關漢卿的《竇娥冤》，《單刀會》，王實甫的《西廂記》。元雜劇有嚴格的結構，即每部作品由四折（幕）一楔子（序幕或者過場）構成。一折內限用同一宮調，一韻到底，常由一個角色（末或旦）主唱，這些規則，有時也有突破，如王實甫的《西廂記》達五本二十折。元雜劇對南方戲曲的影響，造成南戲（元明之際叫做傳奇）的進一步成熟。出現了一系列典型劇作，如《拜月庭》、《琵琶記》等等。這些劇本經歷代流傳，至今仍在上演。當時南北曲的風格已經初步確立，以七聲音階為主的北曲沉雄；以五聲音階為主的南曲柔婉。隨著元代戲曲藝術的發展，出現了最早的總結戲曲演唱理論的專著，即燕南之庵的《唱論》，而周德清的《中原音韻》則是北曲最早的韻書，他把北方語言分為十九個韻部，
並且把字調分為陰平、陽平、上聲、去聲四種。這對後世音韻學的研究以及戲曲說唱音樂的發展均有很大的影響。
明、清時期
由於明清社會已經具有資本主義經濟因素的萌芽，市民階層日益壯大，音樂文化的發展更具有世俗化的特點明代的民間小曲內容豐富，雖然良莠不齊，但其影響之廣，已經達到“不問男女”，“人人習之”的程度。由此，私人收集編輯，刊刻小曲成風，而且從民歌小曲到唱本，戲文，琴曲均有私人刊本問世。如馮夢龍編輯的《山歌》，朱權編輯的最早的琴曲《神奇秘譜》等。明清時期說唱音樂異彩紛呈。其中南方的彈詞，北方的鼓詞，以及牌子曲，琴書，道情類的說唱曲種更為重要。南方秀麗的彈詞以蘇州彈詞影響最大。在清代，蘇州出現了以陳遇乾為代表的蒼涼雄勁的陳調；以馬如飛為代表的爽直酣暢的馬調；以俞秀山為代表的秀麗柔婉的俞調這三個重要流派。以後又繁衍出許多新的流派。北方的鼓詞以山東大鼓，冀中的木板大鼓、西河大鼓、京韻大鼓較為重要。而牌子曲類的說唱有單弦，河南大調曲子等；琴書類說唱有山東琴書，四川揚琴等；道情類說唱有浙江道情，陝西道情，湖北漁鼓等，少數民族也出現了一些說唱曲如蒙古說書、白族的大本曲。明清時期歌舞音樂在各族人民中有較大的發展，如漢族的各種秧歌，維吾爾族的木卡姆，藏族的囊瑪，壯族的銅鼓舞，傣族的孔雀舞，彝族的跳月，苗族的蘆笙舞等等。以聲腔的流布為特點，明清戲曲音樂出現了新的發展高峰。明初四大聲腔有海鹽、余姚、弋陽、昆山諸腔，其中的昆山腔經由江蘇太倉魏良甫等人的改革，以曲調細膩流暢，發音講究字頭、字腹、字尾而贏得人們的
喜愛。昆山腔又經過南北曲的匯流，形成了一時為戲曲之冠的昆劇。最早的昆劇劇碼是明梁辰魚的《浣紗記》，其餘重要的劇碼如明湯顯祖的《牡丹亭》、清洪升的《長生殿》等。弋陽腔以其靈活多變的特點對各地的方言小戲發生重要影響，使得各地小戲日益增多，如各種高腔戲。明末清初，北方以陝西西秦腔為代表的梆子腔得到很快的發展，它影響到山西的蒲州梆子、陝西的同州梆子、河北梆子、河南梆子。這種高亢、豪爽的梆子腔在北方各省經久不衰。晚清，由西皮和二黃兩種基本曲調構成的皮黃腔，在北京初步形成，由此，產生了影響遍及全國的京劇。明清時期，器樂的發展表現為民間出現了多種器樂合奏的形式。如北京的智化寺管樂，河北吹歌，江南絲竹，十番鑼鼓等等。明代的《平沙落雁》、清代的《流水》等琴曲以及一批豐富的琴歌《陽關三疊》、《胡茄十八拍》等廣為流傳。琵琶樂曲自元末明初有《海青拿天鵝》以及《十面埋伏》等名曲問世，至清代還出現了華秋萍編輯的最早的《琵琶譜》。明代末葉，著名的樂律學家朱載育計算出十二平均律的相鄰兩個律（半音）間的長度比值，精確到二十五位元數字，這一律學上的成就在世界上是首創。
近現代時期
這一時期始自清代末葉的鴉片戰爭，在歷經一系列反帝反封建的農民革命，戊戌變法、辛亥革命、“五四運動”，以及中國共產黨領導下的新民主主義革命，這一百多年來，音樂文化的發展交織著傳統音樂和歐洲傳入的西洋音樂，但音樂文化的發展是以民主，科學為主要潮流的。傳統音樂首先以革命民歌的發展為以熱潮，如反映太平天國革命的《洪秀全起義》，抗議沙俄入侵的《迫遷歌》，“五四”時期痛斥軍閥出賣祖國鎮壓百姓的城市小調《堅持到底》，《苦百姓》等，在紅色根據地，邊區，解放區，革命歌曲更具有優秀的傳統，如《天心順》，《繡金匾》等。戲曲音樂中京劇的形成影響及於全國，出現了程長庚、譚鑫培以及後來的梅蘭芳、程硯秋、周信芳等一代名優。各種地方小戲、評劇、越劇、楚劇等也獲得了較快的發展，民族器樂則以民間出現各種器樂演奏的社團為特點，如“天韻社”，“大同樂會”等等。這反映出民族器樂的發展有著深厚的民間活動基礎。這種民族音樂民間活動的特點造就出許多卓越的民間藝人，其中華彥鈞（瞎子阿炳）就是傑出的代表。此外，各種琴譜、琵琶譜的編定、出版也多了起來。西洋音樂的傳入中國雖可以上溯到元、明時期，但作為一種文化形態影響於中國應當是清末民初的學堂民歌運動。當時一些要求效法歐美，富國強兵的維新派知識份子宣導了這一運動，如梁啟超、沈心工、李書同等。學堂樂歌作為學生音樂教材，以宣傳愛國反帝，擁護共和，以及學習歐美科學文明為內容，如《中國男兒》，《體操－兵操》等，這些樂歌又不僅流傳於學校，而且廣泛影響到社
會各界。這些樂歌多借用外來曲調填詞，也有少數根據本國曲調填詞，還有少數創作曲調。在“五四”新文化運動的影響下，我國開始興起了傳播西洋音樂，改進國樂的音樂活動，並建立了一些音樂社團，如“北大音樂研究社”、“中華美育社”、“國樂改進社”。而專業音樂教育最初就是在這些音樂社團的基礎上建立的。二十世紀二十年代，肖友梅又在上海創建國立音樂院，這是正規專業音樂教育的開始。肖友梅嘔心嚦血，畢生獻給了我國早期專業音樂教育事業。“五四”時期，著名的語言學家、作曲家趙元任是我國早期專業音樂創作的代表人物之一，他注意民族語言音調同歌曲音調的結合，善於吸收傳統音樂中的營養，寫出了《賣布謠》，《教我如何不想他》等流傳至今的作品。民族音樂家劉天華則從學習西洋音樂中探索改進國樂的道路，創辦了“國樂改進社”，寫出了《光明行》、《空山鳥語》、《病中吟》等二胡獨奏曲，並且把二胡納入專業音樂教育課程。黎錦暉創作了大量的兒童歌舞劇，如《小小畫家》、《麻雀與小孩》以及歌舞表演劇《可憐的秋香》等，這些作品也是我國新歌劇創作的的早期探索。王光祈作為我國第一代音樂學家，在中國音樂史學以及比較音樂學上具有開創性的貢獻。三十年代著名的音樂教育家，作曲家黃自對專業音樂教育的鞏固和提高做了大量工作。他培養出一批專業音樂工作者如劉雪庵，江定仙，賀綠汀等，他創作的《玫瑰三願》、《南鄉子》等藝術歌曲仍然迴響在今天的音樂會舞臺上。他還寫出了我國第一部清唱劇《長恨歌》。這一時期，專業音樂的發展以歌曲為主要體裁，器樂曲相對來說較為薄弱。但在器樂作品民族化方面也出現了一些較好的作品，如賀綠汀的鋼琴曲《牧童短笛》，瞿維的鋼琴曲《花鼓》，馬思聰的小提琴曲《內蒙組曲》，馬可的管弦樂曲《陝北組曲》，民族器樂曲如《春江花月夜》，以及華彥鈞的《二泉映月》。
柒月
中世紀
基督教的精神重視內心生活，所以對音樂的發展很有利。音樂很早就開始在基督教教堂裏發揮作用了。聖保羅告誡埃弗瑟斯人：“你要唱聖歌、讚美詩和宗教歌曲，在自己心裏對主唱出和創造出美妙的音樂。”教堂音樂接受了希臘人、希伯萊人和敘利亞人的影響。把不斷發展的聖詠及時集中到有組織的禮拜儀式中逐漸成為必要的了。六世紀末，教皇格裏高利一世改革了基督教的音樂，所以習慣上把這些與格裏高利一世的名字聯繫在一起，他的在位期從590年到604年。格裏高利聖詠（也叫做無伴奏齊唱樂）從希臘和希伯萊音樂而來，它也只有單一的旋律線。換言之，它是單聲音樂的織體，沒有和聲與對位。它的自由流動的聲樂旋律精妙地配合了拉丁文歌詞的抑揚頓挫。格裏高利聖詠的旋律沒有規則的重音，它所表現出來的可以叫作音樂中的散文節奏，或叫自由體節奏，這不同與我們在二拍子或三拍子有規律的出現重音的音樂中碰到的那種韻律詩節奏。在羅曼風格時期（約850－1150），西方音樂史上出現了極為重要的發展：複調音樂作為最重要的音樂風格而出現。這個發展與繪畫中的透視科學的發展大約是同時出現的，這樣，具有深度的聽覺和視覺一起進入了歐洲文化，這必然產生出一些非常有意義的作品。這一發展形成于哥特時代（約1
150－1450）。這個時期裏，封建宮廷音樂家和行吟詩人的藝術使世俗音樂繁榮起來。更重要的，在這個時期裏建起了有唱詩班和管風琴的大教堂。建築術的進展，使宏偉大廈的建設成為可能，在音樂中也產生了相應的東西。對位法的新科學達到了技巧的高峰。精通音樂的藝術家大部是僧侶和教士，他們掌握了通過不同的對位元手段來構成大型音樂作品的藝術。在這時候，他們的主要興趣放在音樂因素的結構性結合上，這就解釋了“作曲家”(composer)一詞是從拉丁文componere(放到一起)派生來的，哥特時代後期有創造力的音樂家認為自己首先是一個建築能手。
文藝復興
從十一世紀末到十三世紀末，歐洲發生了十字軍東征事件。這一歷史事件對於東西方文化交流起了巨大推動作用，在音樂方面則表現為遊吟詩人、游吟歌手、抒情歌手等人物的出現。他們使用的是類似豎琴的小型手琴或古提琴族內的樂器，他們的演唱涉及情歌、敍事詩式的故事、自然的讚美詩以及宗
教和道德等方面的內容。從十三世紀中後期到十四世紀，哥特風格的藝術在北歐悄然興起，並明顯地表現於建築方面。在音樂中，哥特風格雖然沒有形
成代表一個時代的形式，但在起始於奧幹努姆的複調形式中，卻相當明確地表現出哥特風格的特徵。在十三世紀的經文歌中，除了莊嚴的葛列格里聖詠的固定旋律外，還有採用舞蹈和愛情歌曲的旋律，配以不同歌詞和拍子共同歌唱的形式。十四世紀下半葉，歐洲的社會意識形態開始發生深刻的變化。一些先進的、具有推動意義的新思想醞釀並逐漸傳播開來。其中最有代表性的即人文主義思想。人文主義主張以人為本，人是社會的主宰而並非是神。頌揚人類對生活的熱愛以及人類的智慧，相信人的力量能戰勝一切。提倡人性，反對中世紀的禁欲主義。在人文主義思潮的影響和推動下，歐洲發生了一場涉及政治、文化等多方面的深刻的變革——“文藝復興”運動。繼文學、美術等文藝形式之後，音樂也進入了“復興”時期。這一時期的音樂，世俗音樂越來越佔有更加重要的地位。音樂作品中對於人的內心世界以及自然美的描寫變得十分突出，以此形成了全新的音樂風格，並產生了眾多的器樂體裁和歌劇形式。一些富有個性的作曲家如帕勒斯蒂裏那、拉索、蘭迪諾、杜法伊和蒙特威爾第等人進行著卓越的音樂活動。他們的創作充滿著新音樂的傾向，具有重要的開拓意義。在這個時期裏，音樂藝術是全面發展的，當時的複調音樂在十六世紀已發展到黃金時代。音樂理論在這時期也趨向成熟：大小調的調性體系已基本確立；和聲的功能體系也正在萌芽和發展中；記譜法已由字母法和符號法轉為二線譜、四線譜直至五線譜；對位法的應用也已到了十分豐富的程度。這一時期中，器樂的獨立性越來越強烈；樂器的發展也逐步加快了步伐。當時的古提琴、短號、小號、長號、管風琴和琉特琴等樂器都已活躍在音樂舞臺上，而文藝復興後期小提琴和古鋼琴的出現，更使音樂藝術增添了耀眼的光彩。
巴羅克
一、巴羅克風格
音樂的巴羅克時期通常認為大致是從1600年至1750年，即從蒙特威爾地開始，到巴赫和亨德爾為止。1750年，對位法大師約翰•塞巴斯蒂安•巴赫的與世長辭，標誌著巴羅克巔峰的對位元法音樂的終結，也標誌著巴羅克時代的終結。之所以稱這一時期為巴羅克，是由於一時期音樂表達的技術及方式基本上有它一定程度的共同點，所以用此名詞來標誌，並無特殊的意義。巴羅克一詞來自法語，追本溯源是葡萄牙語barroco，意謂形態不圓的珍珠。是巴羅克末期評論家們在評論此一時期的音樂時所首先使用的，而且一般含有貶意，指粗陋曲、奇異的、誇張的音樂。巴羅克之後古典主義時期的音樂家們趨於將音樂語言簡化和規範化，在他們看來，巴羅克音樂過於誇飾而不夠規範。因此巴羅克一詞被評論家用來指十七世紀及十八世紀前期的藝術及音樂作品。現在，隨著時間的推移，我們可以用更為深入和細緻的歷史眼光來看待這一時期的音樂，巴羅克不復有粗陋和毛糙的含意，但是比之巴羅克前後的音樂作品，它確實存在著誇飾和有些不太規律化的特徵。文藝復興時期的藝術講究清晰、統一和協調。但至十六世紀末期，藝術中感情的因素日益增加，明淨清澈和完美的形式被表達感情的需要所壓倒。在美術中可以從卡拉瓦喬（1573-1610）的色彩濃烈的、戲劇性的繪畫中看到。在音樂上我們也早已從馬倫齊奧、傑蘇阿爾多的牧歌以及道倫德的古歌曲中看出端倪，而他們的下一代則更往前發展了。要製造出這些強烈的效果，必須發展一種新的音樂風格。一般地說，文藝復興時期平穩的複調音樂已不適合新時期所需要的特色。巴羅克時期最重要的創造就是“對比”的概念。文藝復興時期的音樂進行流暢，各個聲部（通常為四至五個聲部）相互交織，同步進行。1600年以後這種織體日漸少用，只有在教會音樂中才能見到，這是因為教會音樂受傳統及固定的禮拜禮式所束縛，因此是最為保守的。“對比”可以表現為各個不同的方面：音的高與低；速度的快與慢（快與慢的段落對比或快慢聲部間的對比）；力度的強與弱；音色的不同；獨奏（唱）與全奏（合唱）等等。所有這些都在巴羅克時期的音樂結構中存在，各有它們的地位。許多巴羅克時期的音樂家使用協奏曲或複協奏曲形式（此詞本身意味著明顯的對比因素），這種形式的基本特點是織體的變換，有時用一個聲部（獨奏）或幾個聲部，有時用較大的群體合奏。最明顯而強烈的對比是當時出現的一個新的體裁叫做“單聲部歌曲”（monody），它是一種獨唱歌曲，大致是在上面有一個流暢的人聲聲部，配以琉特琴或羽管鍵琴的伴奏，伴奏的進行較為緩慢，這一體裁的代表人物（在某種程度上可以說是創造者）是作曲家兼歌手卡奇尼（Caccini，約1545-1618）在他劃時代的作品《新音樂》歌集中，人聲的旋律依循歌詞的意義，變化極大，在節奏和織體上可以從很簡樸到非常富有裝飾性；而且又與幾乎固定不變音型的伴奏聲部形成對照。卡奇尼屬於佛羅倫斯的“卡梅拉塔會社”（一個由音樂家、詩人、貴族組成的團體）成員，他在十六世紀七十至八十年代接觸到將古希臘音樂中表現感情的觀點加以再創造的概念，這個團體遵循這個概念採用了“單聲部歌曲”的形式。上述“伴奏”這個詞，在文藝復興時期音樂中幾乎不用考慮，作為一個觀念，它屬於巴羅克時期，它意味著樂器聲部之間的地位不同。事實上巴羅克音樂最重要的特徵是它的伴奏部分即通奏低音。通奏低音演奏者在羽管建琴或管風琴（或撥絃樂器琉特琴或吉它）上奏出低音聲部，上面標出數字指示他應演奏的填充和絃。通奏低音經常由兩個人演奏，一人用大提琴（或維奧爾琴或大管）一類可延長音響的樂器演奏低音聲部，另一人演奏填充和絃。這種使用通奏低音的織體是：上面一個人聲或樂器的旋律聲部，底部是一個低音樂器，中間填以和聲，這是典型的巴羅克音樂的風貌。上面的聲部也常有用兩個的，有時是為兩個歌手寫的，有時是兩把小提琴（此時即稱三重奏鳴曲），此種結構在巴羅克音樂中也很典型，特別是通奏低音不能或缺，說明由低音產生和聲的概念對於巴羅克音樂是如何重要，是它的中心。這個概念的出現並不突然，在十六世紀中已有將低音聲部區別於複調音樂中上面其他幾個聲部線條的，但只是到了巴羅克時期這種風格才清楚地確定下來。與上述的變化一起，而且是有關的，是放棄複調（更精確地說，複調音樂成為一種老式的方法，幾乎只用於教會的某一類音樂中）。重視和聲必然導致在一首樂曲中出現和聲進行的若干終止點，這些終止點稱終止或收束，是由於某一種標準的一系列和聲進行而形成的。與此相關的是節奏的進行，在聲樂中，旋律要表達歌詞的情感，必須按照（甚至誇張）語言的自然節奏；在器樂中（包括一些聲樂，特別是合唱曲）有用舞蹈節奏的。由於低音用了舞蹈音樂的節奏型，加速了調性感覺的發展以及向某一個特定的音進行的趨向性。與此同時，新樂器種類的出現加速了這個進程，其中最重要的樂器為小提琴族系。當時維奧爾琴的發音適合複調音樂的清晰但卻缺乏節奏的動力感，而小提琴潔淨明快的運弓以及其演奏輝煌技巧樂曲的能力適合演奏舞蹈節奏的音樂，與單聲部歌曲相比更有發揮技巧的能力。聲樂風格與器樂風格的交替進行是典型的巴羅克的手法，巴羅克音樂中有這樣兩種不同風格的交替進行是為了新奇和效果。巴羅克早期重要的音樂形式是單聲部歌曲（相對於前一個時期複調音樂而言）以及與此相聯繫的體載歌劇與清唱劇，強調語音與音樂的緊密結合，在歌劇中還有佈景的效果。單旋律音樂中不使用對位元，其形式是由旋律與低音相結合發展起來的，如分段歌形式，回族曲結構，在反復出現的低音聲部上的變奏。在樂器方面也有相應的發展，如適合於演奏通奏低音組合的樂器，以及替代維奧爾琴族系的小提琴等，小提琴族系樂器更靈活而且能演奏較高的類似人聲的音域。
二、巴羅克時期歐洲各國的音樂
巴羅克時期，音樂藝術得到了前所未有的迅猛發展。並且促成了後來的洛可哥藝術的興起。這一時期的音樂以德、意、法等幾個國家最具代表性。1.
巴羅克時代的德國音樂巴羅克時代的德意志音樂，以許茨、巴赫和亨德爾為代表。如果把中世紀以來的複調音樂比做金字塔，他們的音樂就好比是塔頂，因為他們不但吸收了文藝復興以來義大利的新音樂，而且開拓了一條全新的道路。許茨（HeinrichSchutz，1585-1672年）二十四歲時赴義大利留學，師從于威尼斯樂派的大手筆加布裏埃利（GiovanniGabrieli，1557-1612）。回國後，他發表了第一部德文歌劇《達夫內》，後來還創作了許多的受難曲。許茨與巴赫和亨德爾恰恰相差了一百年，他的風格對於這兩位元巴羅克音樂大師的創作有著重要的影響。亨德爾和巴赫的音樂作品，無論在傳統音樂的集大成方面，還是在追隨新思潮方面，都在音樂史上放射著異彩。亨德爾的作品多為歌劇和清唱劇音樂，在他的器樂作品中也含有強烈的聲樂因素，這顯然是受了義大利的影
；巴赫音樂則在聲樂作品中含有強烈的器樂因素，這為古典主義時代的到來奠定了堅實的基礎。2.
巴羅克時代的義大利音樂歌劇這一偉大的藝術形式，誕生在“音樂的搖籃”——歐洲文明古國義大利。
在當時的佛羅倫斯，有許多偉大的藝術家和一批對古希臘藝術很感興趣的貴族。這些貴族決心賦予希臘戲劇以新的生命，於是他們開始給古老的希臘故
事譜曲，並由合唱隊穿上戲裝把整個故事演唱出來，這就是歌劇的雛形。發展到後來，故事裏的角色分別由歌唱者擔任；在合唱節目之間，則由男女歌唱家分別擔任獨唱。當角色的話語輕柔時，臺詞被處理成半唱半說，這種歌唱很象一首讚美詩，被稱為宣敘調；而強烈的感情則是真旋律來表現的，稱為詠歎調。而後，詠歎調被專門用來炫耀歌手的美好音色。當時，一部歌劇無論在義大利、英國還是在德國上演，其詠歎調總是用義大利語演唱，而宣敘調部分的演唱則是用本國語言。在義大利的巴羅克音樂中，可與早期歌劇相媲美的還有弦樂，當時歌劇的古序曲和協奏曲都是以弦樂為主的。這一時期的義大利盛產小提琴家，如托萊利（Giuseppe
Torelli，1650-1708）、科萊裏（Arcagello
Corelli，1653-1713）、維塔利（T.Antonio
Vitali，1665-1735）、維瓦爾第（Antonio
Vivaldi，1675-1743）、塔蒂尼 （Giuseppe
Tartini，1692-1770）等，他們都早于巴赫。這些音樂家不但都是小提琴名手，而且全是小提琴音樂的作曲家。義大利北部阿爾卑斯地區的克雷莫納（Cremona）人中，小提琴製作家可謂層出不窮，如阿瑪蒂、瓜內利和斯特拉第瓦利等，他們精心製作的小提琴，至今還活躍在舞臺上，展現出無窮的藝術魅力。歌劇的序曲必須分為三部分：快速開始，中間部緩慢，快速終結，這種形式後來成為協奏曲和交響樂的基本形式。小提琴、中提琴、大提琴、低音提琴等絃樂器，至今仍是管弦樂隊中不可缺少的樂器，也是極為重要的室內樂及獨奏樂器。可見，巴羅克時代的義大利音樂影響極為深遠。
三.巴羅克時代的法國音樂在當時的法國巴黎，歌劇和古鋼琴音樂在各王侯貴族的府邸內極為盛行。這一時期的法國歌劇，脫離了義大利歌劇的傳統而獨立城長，已經接近於舞劇的形式。在巴羅克時代，法國最具代表性的歌劇作曲家是呂利（Jean
BaptisteLully，1632－1687），他創作的歌劇簡潔明晰、旋律優美，同時又具有很強的舞蹈性；其內容辛辣、幽默，入木三分。與歌劇同時盛行的是古鋼琴音樂。古鋼琴常常附以代表巴羅克文化的裝飾，它與羽管鍵琴等同為現代鋼琴的前身。當時的古鋼琴大師有庫普蘭（Francois
Couperin，1668－1733年）和拉摩（J.P.Jean Philippe
Rameau，1683－1764年），他們為古鋼琴譜寫了許多組曲，其中的很多曲目至今仍廣為流傳。1722年出版的《和聲學概論》（拉摩著），是音樂史上最早的和聲學理論著作。
古典主義
音樂中的古典主義時期是以四位維也納樂派的大師——海頓、莫札特和貝多芬和舒柏特——及其同時代音樂家的成就為中心的。他們的藝術是在進行偉大的音樂實驗和發現的時代中成熟的。當時，音樂家面臨三個挑戰性的問題：第一，探索大－小調體系所具有的全部可能性；第二，完善一種純器樂的大型曲式，這種曲式能最大限度地發揮那些可能性；第三，區分已應用了這種理想曲式的奏鳴組曲的不同變體——獨奏奏鳴曲、二重奏鳴曲、三重奏、四重奏及其它室內樂形式、協奏曲以及交響曲。如果我們說“古典主義”一詞，是指堅持傳統的形式，那我們肯定不能把這個詞安在維也納樂派的作曲家頭上。他們在處理素材時，不斷進行大膽的實驗。甚至從時間上說，古典主義這個詞也並不很適合於音樂。“古典主義”一詞用於四位維也納樂派大師的藝術時，只有一個含義，但它卻是最重要的一點：“從屬於最完美的秩序。”他們發展了一種器樂的動力性語言，對主題產生和發展的過程來說是完美的手段。他們完善了由理性和邏輯產生出來的龐大構思，它的整體結構十分靈活，足以讓最多樣化的情感得以自由地表現。這樣做使他們創造出了一個音樂思想和音響的新世界。
浪漫主義
浪漫主義產生於法國大革命以後的社會的和政治的動亂之中，它支配著十九世紀的藝術。早期浪漫派的代表人物有威柏和舒柏特。舒柏特的藝術歌曲廣為流傳，而蕭邦、舒曼和李斯特則把鋼琴音樂推向了新的高峰。柏遼茲、李斯特開創了標題音樂，俄國、東歐和北歐作曲家的作品則帶來了不同民族的風情。法國的比才、義大利的威爾第和普契尼、德國的瓦格納推動了歌劇的繁榮。歷史學家注意到藝術風格是在古典派和浪漫派這兩個極端之間變換的。這兩派的藝術家都力求表達特定的感情，並尋求在完美的形式中表現這種感情。但他們的觀點不同。古典主義追求條理、平衡和寧靜，浪漫主義則要標新立異、渴求如醉如癡的狂喜。古典派的藝術家在對待藝術和生活時有比較客觀的傾向，他們力圖理智地觀察生活，並要“完整地看到它”。而浪漫派的藝術家則有強烈的主觀色彩，從個人情感的角度去觀察世界。德國哲學家尼采在他的論藝術的文章中，戲劇性地將這大不相同的兩派比作阿波羅和狄俄尼索斯：阿波羅是光明和詩歌韻律之神，與之相對的狄俄尼索斯則是酒神和熱情之神。古典主義和浪漫主義交替出現，甚至在開始就同時並存，是因為它們符合了人的自然本性的兩種基本動力：一方面，人需要節制，要求那種經過淨化和受控制的感情；另一方面，人又要求無拘束地表現感情，渴求未知的和不可得的事物。十九世紀的音樂是和夢想與激情、生與死的深刻思想、人類的命運、神與大自然、對自己祖國的驕傲、對自由的期望、當時的政治鬥爭以及善對惡的最後勝利聯繫在一起的。由浪漫主義運動引起的這些理智上和感情上的聯繫，使音樂作為一種道德力量，作為人類的偉大遠見和人的內心生活與周圍世界之間的直接聯繫而取得了十九世紀的支配地位。
印象主義
印象主義音樂——產生於十九世紀末，是受向征主義文學和印象主義繪畫的影響而出現的音樂流派。它力求擺脫浪漫主義的主觀情感表現，追求和聲化學的新發現。大量採用全音階、教會調式及平行和絃，不和諧的七九各弦、疊置和絃，造成調性的迷離撲朔，旋律也趨向片斷零散。在配器上力圖精緻纖細，調節著音樂豐富的明暗層次和濃淡色彩，在朦朧的光色中表現物體的氣氛和情調。1892年，法國作曲家德彪西創作了管弦樂序曲《牧神午後》，最初確立了印象主義音樂的地位。這部根據象徵主義詩人馬拉美的詩歌寫成的作品，以細膩的筆觸渲染出朦朧的氣氛：描寫一個牧神在炎熱的陽光下，昏昏欲睡時產生的種種幻覺。在他的歌
劇《佩里阿斯與梅麗桑德》以及許多鋼琴曲（如《意象集》、《前奏曲》）和管弦樂曲（如《夜曲》、《大海》）中都實踐著印象主義的創作手法：瀉染神秘朦朧，若隱若現的氣氛和色調。對二十世紀音樂的發展有著重要的影響。印象主義的音樂也把情緒和氣氛看得比結構重要，也歌頌大自然帶給人們的喜悅。印象主義的音樂不久就以它的脆弱、裝飾性的美，它的刺激感官的音色，它對弱音響的
喜愛，它的典雅、精緻和聲音之美而獨樹一幟。它拋棄了華麗、莊重和嚴肅的德國傳統。這一樂派最重要的作曲家——德彪西和拉威爾也是在法國產生。
二十世紀
在歷史上，從來也沒有一個時期象二十世紀那樣風雲變幻。兩次大戰改變了各國的邊界和人們的思想方法，科學正在以令人目眩的速度把我們推向一種
尚未為人所知的未來。在反時代精神的策動下，各種藝術，如繪畫、雕刻、文學、戲劇和音樂，正在衝破著各種舊的形式，試圖表現新的生活方式。
二十世紀五十年代後的先鋒派作曲家們完全拋棄了傳統的音樂價值，追求藝術表現的絕對自由，因而他們的音樂的那種深奧玄秘的特點使絕大多數音樂
愛好者為之瞠目。這是音樂史上的新現象。從來沒出現過像現代作曲家與公眾之間這樣寬的鴻溝。在某種意義上，繪畫和雕塑領域裏在某種程度上有與
此相平行發展起來的現象，但文學和戲劇領域卻沒有受到多大影響。不僅形式體系與和聲體系被摒棄，連整個旋律的概念都完全改變了，雖然旋律只是音樂的要素之一，但卻是直接影響聽眾的最重要的因素。因為旋律概念的改變，新的音樂作品使聽眾困惑不解，與聽眾疏遠了。更麻煩的情況是，現在沒有一種統一的風格，也沒有幾種占統治地位的風格，現在的狀況是有多少作曲家就有多少種風格。
勳伯格的十二音體系被許多作曲家所採用，他們以不同的方式運用和發展了這種體系，即使反對這個體系的人也贊同體系中包含有的觀念即音樂的調性概念已經完成了使命，再也沒有效用了。抱著這種現念，作曲家們試驗一些胡亂堆砌而成的音樂，在他們的創作和獨奏中發揮作用的是一些偶然因素；他們還試驗所謂“具體音樂”，也就是模仿各種各樣的聲響。從音樂聲響到交通噪音，把這些聲音錄製下來再巧妙地加以處理。還有其他許多作曲方式。現在還不可能預言這些試驗會有什麼結果，因為第一，我們距離它們太近，不能作出正確的評價；其次，這些作品的作曲家隨時都在改變他們的方向以追求新的東西。而且任何新作曲系統的成型都需要時間。很多作曲家現在所做的不過是提出了一種新的音樂語言，創造了一些新的聲響，打一個粗略的比喻，就像作家發明了新的辭彙，但還沒能把它們組合成能向讀者表達清楚意思的句子。
當然，也有部分作曲家成功地寫出了易於為大眾接受的先鋒音樂，他們是欣德米特（P•Hindemith，1895-1963）、梅西昂（O•Messiaen，1908-1992）、
卡特（E•Carter，1908-
）、盧托斯瓦夫斯基（W•Lutoslawski，1913-
）、亨策（W•Henze，1926-
）以及彭德雷茨基（K•Penderecki，1933-
），他們的音樂日見頻繁地在音樂廳裏演出。其他一些作曲家，像施托克豪森（K•
Stockhausen，1928-
），有極強的個性，雖然他們的音樂一直面向專門的聽眾，他們的創作和音樂活動還是給了音樂界以猛烈的衝擊。只有讓時間來評判這些作曲家是為後人披荊斬棘開拓新道路的先鋒呢，還是在傳統崩析、缺乏方向的歷史時期裏出現的過眼雲煙。一、現代音樂的特點在每個國家，本世紀的作曲家們都在對音樂的諸要素，如節奏、旋律、和聲、曲式等進行著實驗。本世紀傑出的前蘇聯作曲家肖斯塔科維奇曾經說過，他贊成這樣一種音樂，在其中所有的主題都絕對不出現重複，而且每個小節都應當同前面所有的小節完全不同。許多作曲家都對節奏進行著實驗。有的作曲家寫出了既沒有小節線，也根本沒有節奏型的樂曲。其他現代作曲家們正在製造另一種音樂，在這種音樂中，一個管弦樂隊或合唱隊的兩個部分有完全獨立的節奏。這些現代派也許沒有認識到：這種不同節奏的同時使用早在美國印第安人的音樂裏就已經出現了。作曲家們還在旋律上，即各音的橫向安排上做出了同樣令人驚訝的改變。有些作曲家回到了古希臘人和早年教堂神父們的調式上去；有的作曲家從東方人的滑行音階取得靈感，將“四分之一音”和比“四分之一音”更小的音程差別運用到了樂曲之中；有些人甚至發明了一架能彈出四分音而不是半音的鋼琴。雖然這種音樂並沒有得到發展，但它的確有助於使音樂家們更注意半音階音樂，即利用所有半音的音樂。這種對半音的運用最著名的例子是奧地利音樂家勳伯格的十二音音階。在形成一個旋律時，十二音音階（由鋼琴上一個八度範圍內所有的白鍵和黑鍵組成）的每個音都必須逐個用過一次以後才能再用。當然，這種音樂沒有特定的調子，因此被稱為“無調性的音樂”。在和聲（即不同的音同時發音）方面，也有一些驚人的新發展。那些恢復古代調式的作曲家們往往也重新運用了古代的和聲，例如多少世紀以來，曾經被傳統和聲學認為“用起來太僵硬”和“聽起來太彆扭”的平行四度和五度進行都得到了利用。在現代音樂中，我們還可以發現叫做“多調性音樂”的東西，即同時用兩個調子寫的音樂。例如，一個旋律或主要的主題可能是C調的，而它的伴奏或助奏聲部卻可能是升F調的。二、紛繁複雜的現代音樂流派正如二十世紀的其他藝術形式那樣，音樂藝術也趨向於多樣化，眾多的流派各成一體，都完全脫離了古典的美學傳統。比較典型的幾個音樂流派為：
以巴托克、斯特拉文斯基為代表的“原始主義”；以欣德密特為代表的“新古典主義”；以勳伯格、韋伯恩為代表的“十二音主義”；以普羅科菲耶夫、
肖斯塔科維奇為代表的“社會主義現實主義”等。本世紀中葉以後，還所謂出現了“序列音樂”、“偶然音樂”、“具體音樂”等略顯“怪異”的全新流派。無論文學、美術還是電影、音樂等各個藝術分支，許多二十世紀的現代藝術作品問世之初，總難免遭到非議，其原因或者是與傳統美學相悖，或者是難以理解。但是其中又有相當一部分作品經過時間的推移，逐漸得到人們的認可，而成為現代藝術中的名作。樂器方面的變革隨著本世紀電子技術的迅猛發展，音樂藝術也受到很大衝擊，電聲樂器從它的誕生之日起就對傳統樂器提出了挑戰。不過，那些至今已經得到廣泛使用的電子樂器，如電風琴、電鋼琴和電吉它，在音色上並不是新的樂器。前兩種樂器只是模仿原有樂器的音色，而第三種樂器則只是擴大了原來樂器的音量。後來由於電子合成器的出現，人類終於可以演奏出人聲、風雨聲等傳統樂器所不能實現的音色。對新效果的最富戲劇性的追求是在打擊樂器上進行的。從前，打擊樂器幾乎只是由定音鼓組成的，偶然由鼓和鈸加以加強。現在，打擊樂器組已經變成一個任何地方似乎都可以接受的東西：例如一個打字機、一個發電碼的鍵、一個錘子、一張鐵片、或一條沉重的鐵鏈。從唱片、磁帶到CD
自古以來，人類藝術伴隨著人類的文明，在歷史長河中留下了許多不朽的印記。文學、雕刻與繪畫等藝術形式早在遠古就通過色彩、形狀與線條流傳給後世，唯獨音樂這種特殊的藝術，卻一直無法將聲音留給後人。後人只能通過“樂譜”來瞭解前人的音樂，這就難免在一定程度上對原曲有“曲解”現象。十九世紀末，舊式唱片的出現終於使名家的音樂得以完美地保存，音樂會再也不是人們欣賞音樂的唯一途徑。但老式唱片的缺點很快就暴露無疑——容量小，壽命短，音質迅速“劣變”。雖然老式唱片幾經改革，出現了密紋唱片和身歷聲唱片，但其缺點並未得到明顯改善。因此,磁帶便逐步取代了老式唱片的地位。磁帶的優點是極其明顯的，造價低廉、攜帶方便、容量較大、壽命長，而且可以很好地保持音質。但是，磁帶取代老式唱片並不能算作一次“飛躍”，因為普通磁帶的音質實在無法與舊式唱片相媲美。雷射唱片（CD）在音質、容量和壽命等各個方面都達到了十分完美的統一，這種“音樂光碟”的出現，使樂曲的保存技術達到了一個新的高度。目前，這項技術還在不斷發展。二十世紀，錄音技術的革命對於音樂的普及和教育起到了空前的推動作用。但是，唱片、CD的氾濫，在無形之中阻礙了新一代演奏家、指揮家的創造性發揮，使得現代演奏家、指揮家的風格日益趨向相同。美國爵士音樂可以這樣說，在本世紀所有基於民族和社會習俗的音樂中，沒有哪一種比美國爵士音樂具有更廣泛的影響力了。由於它那狂熱的節奏和古怪的不協和音，從某方面講，它似乎是新時代的一種表現。爵士音樂有許多對職業音樂家們產生吸引力的特色，例如其中帶有小三度和小七度的音階，以及基於小三度和小七度音階的七和絃等等。可是，最具強烈感染力的爵士音樂特色，是它那獨具魅力的節奏。在爵士音樂裏，有一種新的切分音——“多節奏性”，即同時有兩種很強烈的節奏型相互對立，例如一個三拍子節奏加在一個四拍子節奏上。這種錯綜複雜的多重節奏顯然是原始民族的音樂特點，因此爵士音樂的興起，無疑是人類對於自然的一種理性回歸，這是本世紀各種藝術形式的共同趨向之一。職業音樂家們也被那些不常使用樂譜的、甚至事上常常不會讀譜的原始爵士音樂演員們所迷住。在一時衝動下，這些自發的爵士音樂演員有可能在一個旋律上即興演奏出最複雜的變奏曲。我們在本世紀初美國傑出的作曲家喬治•格什溫的代表作《藍色狂想曲》中，可以找到爵士音樂在節奏上、旋律上和和聲上最好的擴展運用。還有另一位美國當代作曲家格羅菲，也成功地借鑒了爵士音樂的特色，結合他那超凡的配器才能，描繪出一系列美國自然風景的音畫。格羅菲創作的《大峽谷組曲》，表現了大自然的色彩和情調感，簡直是一個令人目眩的樂器調色展覽會。
柒月
吹奏樂器
我國吹奏樂器的發音體大多為竹制或木制。根據其起振方法不同，可分為三類：第一類，以氣流吹入吹口激起管柱振動的有簫、笛(曲笛和梆笛)、口笛等。
第二類，氣流通過哨片吹入使管柱振動的有嗩呐、海笛、管子、雙管和喉管等。
第三類，氣流通過簧片引起管柱振動的有笙、抱笙、排笙、巴烏等。
由於發音原理不同，所以樂器的種類和音色極為豐富多采，個性極強。並且由於各種樂器的演奏技巧不同以及地區、民族、時代和演奏者的不同，使民族器樂中的吹奏樂器在長期發展過程中形成極其豐富的演奏技巧，具有獨特的演奏風格與流派。
典型樂器：笙、蘆笙、排笙、葫蘆絲、笛、管子、巴烏、塤、嗩呐、簫。
彈撥樂器
我國的彈撥樂器分橫式與豎式兩類。橫式，如：箏(古箏和轉調箏)、古琴、揚琴和獨弦琴等；豎式，如：琵琶、阮、月琴、三弦、柳琴、冬不拉和紮木聶等。
彈奏樂器音色明亮、清脆。右手有戴假指甲與撥子兩種彈奏方法。右手技巧得到較充分發揮，如彈、挑、滾、輪、勾、抹、扣、劃、拂、分、摭、拍、提、摘等。右手技巧的豐富，又促進了左手的按、吟、擻、煞、絞、推、挽、伏、縱、起等技巧的發展。
彈奏樂器除獨弦琴外，大都節奏性強，但餘音短促，須以滾奏或輪奏長音。彈撥樂器一般力度變化不大。在樂隊中除古琴音量較弱，其他樂器聲音穿透力均較強。
彈撥樂器除獨弦琴外，多以碼(或稱柱)劃分音高，豎式用相、品劃分音高，分為無相、無品兩種。除按五聲音階排列的普通箏等外，一般都便於轉調。
各類彈奏樂器演奏泛音有很好的效果。除獨弦琴外，皆可演奏雙音、和絃、琵音和音程跳躍。
我國彈奏樂器的演奏流派風格繁多，演奏技巧的名稱和符號也不盡一致。
典型樂器：琵琶、箏、揚琴、七弦琴(古琴)、熱瓦普、冬不拉、阮、柳琴、三弦、月琴、彈布林。
打擊樂器
我國民族打擊樂器品種多，技巧豐富，具有鮮明的民族風格。
根據其發音不同可分為：1、響銅，如：大鑼、小鑼、雲鑼、大、小鈸，碰鈴等；2、響木，如：板、梆子、木魚等；3、皮革，如：大小鼓、板鼓、排鼓、象腳鼓等。
我國打擊樂器不僅是節奏性樂器，而且每組打擊樂群都能獨立演奏，對襯托音樂內容、戲劇情節和加重音樂的表現力具有重要的作用。民族打擊樂器在我國西洋管弦樂隊中也常使用。
民族打擊樂可分為有固定音高和無固定音高的兩種。無固定音高的如：大、小鼓，大、小鑼，大、小鈸，板、梆、鈴等有固定音高的如：定音缸鼓、排鼓、雲鑼等。
典型樂器：堂鼓(大鼓)、碰鈴、缸鼓、定音缸鼓、銅鼓、朝鮮族長鼓、大鑼小鑼、小鼓、排鼓、達蔔(手鼓)、大鈸。
京胡
拉絃樂器
拉絃樂器主要指胡琴類樂器。其歷史雖然比其他民族樂器較短，但由於發音優美，有極豐富的表現力，有很高的演奏技巧和藝術水準，拉絃樂器被廣泛使用於獨奏、重奏、合奏與伴奏。
拉絃樂器大多為兩弦少數用四弦如：四胡、革胡、艾捷克等。大多數琴筒蒙的蛇皮、蟒皮、羊皮等；少數用木板如：椰胡、板胡等。少數是扁形或扁圓形如：馬頭琴、墜胡、板胡等，其音色有的優雅、柔和有的清晰、明亮；有的剛勁、歡快、富於歌唱性。
典型樂器：二胡、板胡、革胡、馬頭琴、艾捷克、京胡、中胡、高胡。
柒月
1、什麼是音樂？
這是一個見仁見智的問題，說法很多。筆者認為音樂是一種聲音藝術而非視覺或其他什麼感覺的藝術。把樂音（有時也適當使用噪音）按一定的規律組織起來，使人聽之產生美感，這種藝術就叫音樂。
2、 什麼叫噪音？什麼叫樂音？
聲帶、琴弦、木頭板、馬達等物體振動時會發出聲波，聲波通過空氣傳播進入我們的耳朵，就使我們聽到了聲音。聲音有噪音和樂音之分：振動無規律的聲音，如木頭板聲、馬達聲等，叫噪音；振動有規律，如人聲帶發出的歌聲，由琴弦發出的琴音等，叫樂音。音樂中所用的音主要是樂音。
3、什麼叫音高？
樂音聽起來有的高，有的低，這就叫音高。音高是由發音物體振動頻率的高低決定的，頻率高聲音就高，頻率低聲音就低。比如女人唱歌時聲帶振動頻率高，男人唱歌時聲帶振動頻率低，所以男聲比女聲低。
4、音樂中所用的樂音範圍有多大？
音樂中所用樂音的範圍從每秒種振動16次的最低音到每秒鐘振動4186次的最高音，大約97個。現代最大的鋼琴可以奏出其中的88個音，是樂音範圍最大的樂器。人唱歌時因受生理限制，所能唱出的樂音僅是樂音範圍中的一小部份。
5、什麼叫音名？什麼叫唱名？
不同音高的樂音，是用C D E F G A G
來表示的，這七個拉丁字母就是樂音的音名，它們一般依次唱成DO
RE MI FA SOL LA SI，即唱成簡譜的1 2 3 4 5 6 7
，相當於漢字“多來米發梭拉西”的讀音。DO、RE、MI
.......是唱曲時樂音的發音，所以叫唱名。
6、什麼叫音列？音列是如何分組的？
把上面所說的90幾個高低不同的樂音按順序排列起來，構成一個序列，這個序列就叫音列。音名只有七個，而音列中的音卻大大超過這個數量，如何把音名相同而音高不同的音區別開來呢？方法就是分組。人們把音列中的音劃分成幾個組。把音列中處在中央位置的一組（即鋼琴、電子琴等鍵盤樂器中由中央C開始，向上的七個音）叫小字一組，把比小字一組高一倍、高兩倍、高三倍的音分別叫小字二組、小字三組、小字四組。樂音中當然有比小字一組低的音，它們的分組是：比小字一組低一倍的叫小字組，低兩倍的叫大字組，低三倍的叫大字一組，低四倍的叫大字二組。這樣一來，音列中的分組由低到高的順序是：
大字二組 大字一組 大字組 小字組 小字一組 小字二組
小字三組 小字四組
樂音的範圍音樂術語叫做音域。人聲的音域大約是：女聲由小字組的f到小字二組的a，男聲由大字組的F到小組一組的a。那麼，你的音域有多寬呢？有機會時無妨在鋼琴上試一試。從你能唱出來的最低的那個音起，到最高的那個音止，這個範圍就是你的音域。
7、 哪一個音是標準音？
國際上規定小字一組的a音每秒振動440次，這個音就是標準音。由於音列的各音之間都存在著一定的數量關係，例如比某一音高一倍的音（又叫高一個八度），其頻率一定比某音高一倍，比它低一倍的音（又叫低一個八度），其頻率一定比某音低一倍，所以規定了標準音的音高，也就等於規定了其他各音的音高。有了這個標準，人們在製造樂器時，在奏樂、唱歌時，定音就有了根據。
8、什麼叫全音？什麼叫半音？
把C D E F G A B
這一組音的距離分成十二個等分，每一個等分叫一個“半音”。兩個音之間的距離有兩個“半音”的
，就叫“全音”
。在鋼琴、電子琴等鍵盤樂器上，C-D,D-E,F-G,G-A,A-B,兩音之間隔著一個黑鍵，它們之間的距離就是全音；E－F，B－C，兩音之間沒有黑鍵相隔，它們之間的距離就是半音。
9、什麼叫自然音？什麼叫變化音？
通俗地說，我們唱歌的時候，那些唱成1 2 3 4 5 6 7
的音，叫自然音；那些在它們的左上角加上#號（如#4、#1）或者b號（如b7、b3）的，叫變化音。#叫升記號，表示把音在原來的基礎上升高半音；b叫降記號，表示把音在原來的基礎上降低半音。
10、什麼叫音階？
把C、D、E、F、G、A、B
等各音中的某一個音作為中心，由它開始由低至高（或由高到低）按順序排列起來，這個音的序列由於象梯子一樣，逐級向上或向下，所以叫音階。下面的兩個序列都是音階，前者是大音階，後者是自然小音階：
c d e f g a b c a b c d e f g a
11、什麼叫記譜法？
一首曲子一般都包含高低、長短、強弱等要素。把這些要素用各種記號、符號記錄在紙面上的方法叫記譜法。古今中外使用過和正在使用中的記譜法是有很多的。拿我國來說，古今使用過的記譜法就有多種。據說早在戰國時代，衛靈公手下的音樂師叫師涓的，就能用某種記譜方法記譜了。據文字記載，我國隋唐時期就產生了工尺譜、減字譜（古琴用），宋代又又產生了俗字譜。工尺譜幾經沿變，至今仍有民間藝人使用。不過近、現代在我國使用比較普遍的是簡譜和五線譜，尤其以使用簡譜的人最多。從世界範圍來看，使用最普遍的是五線譜。
12、什麼是簡譜？
簡譜是用阿拉伯數字1、2、3、4、5、6、7來記錄音高的一種記譜法，讀過書的中國人幾乎都認識它。這種記譜法的是法國的修道士蘇埃蒂1665年提出來的。後來，將它加以改進和積極推廣的竟然是法國著名的哲學家、文學家盧梭。由於這種記譜法不方便於記錄多聲部的、複雜的音樂，在歐洲幾乎從未普及過。1882年前後，美國人梅森到日本講學時把它傳入日本，19世紀曾有一度在日本學校通用過，不過後來他們也不用了。清朝末年，簡譜通過留日學生傳入我國。1904年，沈心工先生編寫的“學校唱歌法”一書出版，曾風行一時，從此簡譜便在我國普及開來。筆者認為，簡譜作為一種大眾化的記錄方法，在我國普及和推廣音樂方面曾經而且仍在發揮很大的作用。不過由於它記譜有不少局限，而且現在世界上絕大多數國家又都不用它，我們應當創造條件推廣、普及五線譜，以利於提高音樂水準及與世界各國進行音樂文化交流。
13、什麼是五線譜？
五線譜是世界上使用最廣泛的記譜法，在目前的記譜法中，五線譜相比較而言最為嚴密、準確、科學。它用五條平行橫線記錄聲音的高低，用空心（或實心）橢圓或在它一側加豎線（有的還在豎線的一端加“尾巴”）的圖形作音符，表示音的長短（實例請見本站登載的曲譜）具有立體感，便於記錄多聲部音樂。它17世紀末正式傳入我國，在清朝康熙年間宮廷編撰的“律呂正義續編”中，對它有詳細介紹，可見傳入我國之久。1930年，音樂家劉天華先生將梅蘭芳唱的戲曲用五線譜記錄下來，出版了“梅蘭芳歌曲譜”，該書是我國第一部記錄戲曲音樂的專集。
有些人認為五線譜比簡譜難學。有這種觀念是容易理解的。其實主要原因並非五線譜難，而是改變從小養成的讀譜習慣難。你從小接觸的樂譜都是簡譜，已經習慣於簡譜那一套，現在要改當然難了。如果從幼稚園開始就用五線譜，小學、中學音樂教科書也一律如此，平常所見的譜都是五線的，曠日持久，就習慣成自然了。現在有不少孩子三、四歲就開始學鋼琴（學鋼琴就非用五線譜不可了），由淺到深，由簡到繁，讀譜練琴齊頭並進，所以不少孩子年紀雖小，視讀線譜的能力卻比許多成年人強得多。什麼道理？熟能生巧嘛！
14、什麼是小夜曲？
文章有各種體裁，如記敍文、議論文、詩歌、散文等，都是文章的體裁。音樂也有各種體裁，如小夜曲、搖籃曲、奏鳴曲、圓舞曲、小步舞曲、波爾卡、瑪祖卡......都是音樂的體裁。
小夜曲是音樂體裁的一種，是用於向心愛的人表達情意的歌曲。起源于歐洲中世紀騎士文學，流傳於西班牙、義大利等歐洲國家。最初，小夜曲由青年男子夜晚對著情人的窗口歌唱，傾訴愛情，旋律優美、委婉、纏綿，常用吉他或曼陀林伴奏。隨著時代的發展，其形式也有所發展。“中外著名歌曲”中登載的舒柏特、托西尼作曲的小夜曲，都在世界上流傳甚廣。
15、什麼叫波爾卡？
“波爾卡”這個標題不是起概括和提示音樂內容的作用，而是表明它的體裁屬於一種男女對舞用的舞曲。起源於捷克民間，曾經風行全歐，西洋不少著名作曲家都用過這種體裁寫過音樂作品。它一般為二拍子，節奏活潑、歡快。
16、什麼叫瑪祖卡？
也是屬於男女對舞用的舞曲。起源于波蘭，也曾在歐洲風行一時。它與波爾卡最大的區別是前者為二拍子，而它卻是三拍子。一般三拍子的曲子重音是落在小節的第一拍，而瑪祖卡卻常落在第二或第三拍。比如“淺易琴譜”中所登的湯姆生《瑪祖卡》，多數小節的重音就是如此。瑪祖卡所表達的情緒一般都活潑熱烈，演奏時需掌握這個特點。
17、什麼叫小步舞曲？
“淺易琴譜”裏已登了兩首由巴赫作曲的小步舞曲，其實巴赫寫這種體裁的作品並不止兩首，而且許多古典音樂大師如貝多芬、莫札特等也都寫過以“小步舞曲”命名的作品。
小步舞曲起源于歐洲的宮庭，曾在法國宮庭流行一時。它是一種三拍子的舞曲，速度緩慢，從容曲雅，頗具貴族的風格。
18、什麼叫圓舞曲？
圓舞曲又名華爾滋，也是一種三拍子的舞曲。起源於奧地利的一種民間舞蹈。起初流行於維也納的舞會上，十九世紀風行歐洲。以斯特勞斯的佳作《藍色多瑙河》最為著名。它有快步和慢步兩種。與同樣也是三拍子的瑪祖卡不同，它的重音一般都落在小節的第一拍上。也與同樣是三拍子的小步舞曲不同。圓舞曲的特點是節奏鮮明，旋律流暢，不象小步舞曲那麼溫文爾雅。不過必須明確，音樂不是數理，不是邏輯，這種區別只是就一般情況而言，並非是絕對的。
柒月
只換得一頓晚餐的無價寶
舒伯特(1707-1828)是音樂史上的大音樂家之一,奧地利人。他的一生貧窮潦倒，只活到三十一歲便夭折了。然而留給後人的音樂財富，其價值卻難以估量，光是藝術歌曲就有600多首。逝世將近二百年了，今天世界的人們仍然在唱著他的《魔王》、《鱒魚》、《菩提樹》、《小夜曲》、《野玫瑰》、《搖籃曲》等歌曲。他的歌曲形象鮮明，優美抒情，情真意切，把歌曲的表現力發展到新的高度。在歐洲音樂史上，被尊為歌曲之王。
然而這位天才的音樂家卻常常餓著肚子過日子。一天，他徘徊在維也納的街頭，天晚了，饑腸轆轆，荷包裏卻一分錢也沒有，晚餐如何解決？他也想不出頭緒來。他本能地走進一家飯店坐了下來，可是一個分文也拿不出來，怎能點菜吃飯？也許會碰上朋友熟人進來，順便幫一點忙吧？但左顧右盼，始終沒有見到一張熟悉的面孔。正在失望之際，餐臺上一張報紙中的小詩躍入他的眼瞼。作曲家的本能立即把他的思緒轉到詩歌的意境中去。他浮想聯翩，樂思綿綿，立即便把它譜成歌曲並寫了出來。
他把這首歌拿給老闆看。老闆從他的衣著、臉色中悟出了舒伯特的意思，便用一份土豆燒牛肉，換了他的這首歌。多年之後，這首歌的手稿被送到巴黎拍賣，竟以四萬法郎起價！
這首歌就是登載在本站“外國著名歌曲”欄目中的《搖籃曲》。自從問世以來，世界上該有多少母親坐在搖籃邊哼著它？它舒緩、親切、深情的旋律，輕輕地催著嬰兒入睡，讓孩子擁抱著母愛的溫暖進入夢鄉，做著天使般的夢。從幼兒心理學的角度看，嬰兒在這種氛圍中成長，必將長得更健康聰明可愛。所以這首歌所產生的價值，應該是無價的，何止四萬法郎？
“這只鴿子大家都有份！”
“外國著名歌曲”欄目中提供的《鴿子》，雖然誕生於十九世紀，至今仍然被當成民歌，在世界各地廣為傳唱。它是西班牙民間作曲家依拉蒂爾在古巴譜寫的。由於寫得很好，有幾個國家的人都爭著把它說成是自己本國的民歌，並以擁有它而感到光彩。
古巴有人說：這首歌誕生在我國，運用哈瓦那民間舞曲的節奏為基調寫成，當然是我們的民歌了。你聽,歌中的第一句明明唱著：“當我離開可愛的故鄉哈瓦那......”。
由於作者是西班牙人，依拉蒂爾的同胞們把它說成是自己國家的民歌，當然是順理成章的事。
可是墨西哥許多人卻不服氣，他們說，這首歌寫成後，是在我們的皇室為皇帝皇后祝壽時，由我國的歌唱家首演的，是我們使它流行起來的，難道沒有我們的功勞？
阿根廷有人也不認輸，其理由是這首歌的曲調許多地方用了附點音符和切分音，與他們首都郊外的探戈音樂非常相象。既然歌曲的音樂素材來自阿根廷，阿根廷當然就是它的故鄉了。
這幾個國家的人的說法都有一定的理由。其動機也值得肯定，因為大家不是爭錢爭地，而是爭著以擁有美好的歌曲為光榮；有了這“爭”，美麗的音樂作品就更容易傳播開去。不過筆者認為還是以不再爭下去為好（爭多了會傷感情嘛！）。既然這首歌已在世界各國流行，大家都為傳播它立下了功勞，倒不如說：“這只鴿子大家都有份！”
一舞劍器動四方
翻開《唐詩三百首》卷三開端，一首杜甫的七言古詩赫然入目，題目叫《觀公孫大娘弟子舞劍器行》。詩中寫道：
“昔有佳人公孫氏，一舞劍器動四方。觀者如山色沮喪，天地為之久低昂。熠如羿射九日落，矯如群帝can
龍翔。來如雷霆收震怒，罷如江海凝清光。......”(注：can代替一個在本站電腦無法輸入的字,是左旁為“馬”右旁為“參”的合體字。意指古代駕在車兩旁的馬。)。
這是詩人回憶當年觀看卓越舞蹈家公孫大娘跳劍器舞時那種驚天地、泣鬼神的場面。大意是：從前有位複姓公孫的美女，在廣場跳起了劍器舞，便驚動了四面八方。觀眾人山人海，圍得水泄不通，天地也隨著她劍舞的起伏緩急而變色。她舞動著劍器，突然間銀光熠熠，劍影閃閃；她箭步躍起，劍尖剌天，就像後羿射落了九個太陽；她飛腿翻騰，恰似帝王神仙駕著蟠龍飛馬在雲端翱翔；迅猛時雷霆萬鈞，
收攏時天地寂然無聲。舞罷收劍，那劍刃猶如平靜的江河湖海，凝聚著一道清光。
唐代的公孫大娘和漢朝的趙飛燕，都是我國古代聲名顯赫的女舞蹈家。前者在民間，後者在宮庭，一個如龍飛虎躍，一個象輕燕飛翔，堪稱舞壇雙璧。公孫大娘的戎裝威武，也與同代宮庭那種霓裳翩翩的舞蹈風格形成鮮明的對比。據說歷史上著名的草書家張旭在當時觀看了公孫大娘的舞蹈之後，從中悟出了書法的道理，從此所寫的狂草進入了更高的境界。此事在當時成為美談，廣為傳播。
《夢幻曲》催下鱷魚淚
德國是音樂史上最偉大音樂家貝多芬的故鄉，誕生了不少音樂大師，給人類留下了許多很珍貴的文化財富。可惜在第二次世界大戰期間卻出現了以希特勒為首的一小撮殺人不眨眼的劊子手，他們累累罪行，人們至今記憶猶新，一旦提起，德國人民和世界人民無不咬牙切齒。
在這一小撮劊子手中，有一個叫麥拉克的，是當時奧維辛集中營的司令官。此人生性兇殘，無惡不作，曾殘酷殺害過無數無辜囚犯。據說他在納粹中擔負的主要任務是研究、實驗用毒氣殺害囚犯。比如有一種殺法是：強令眾多女囚脫光衣服，把她們關入毒氣室，然後通過導管把鹽輸入室內。也許是鹽與室內某種化學物品發生化學作用之故，產生了毒氣。女囚在毒氣中痛苦掙扎之後，全部斃命。
然而，就是這條鱷魚，在毒殺婦女的同時，卻允許奧維辛集中營女子交響樂隊的存在，而且經常聽她們的演奏。當樂隊演奏德國音樂家舒曼的《夢幻曲》時，他竟然流下了眼淚。
為什麼這條鱷魚聽《夢幻曲》而落淚？這恐怕要由諳熟當時史實的心理學家才能得出科學的結論。筆者認為：最大的可能是麥拉克故意以流淚向囚徒表示他也是個有修養有感情的人，企圖以此掩蓋他的冷酷和野蠻。這是玩弄虛偽詭詐的伎倆。也有可能是《夢幻曲》的力量使他在聽樂的瞬間暫恢復了人性（人性是複雜的，不是非此即彼那麼簡單），的確因真情而落淚。但不管是出於何種原因，都反襯出這是一首感情內涵極為豐富的佳作。舒曼的《夢幻曲》原以鋼琴曲的形式問世，後被編配成大提琴獨奏曲、無伴奏合唱和管弦樂等等等。人們百奏不煩，百聽不厭，確是舉世聞名之音樂珍品。
音樂醫生與音樂殺手
音樂治療的專科醫生對病下“樂”，根據病人的病情選擇某類音樂作品給其欣賞，對某些身心性的疾病可以起輔助治療作用，這是時不時可以從報刊上看到的消息。這說明，優秀的音樂作品在特定的情況下也可以充當救人扶危的醫生。據說哲學家尼采有次患病，偶然中聽了比才的歌劇“卡門”，疾病竟然不治而愈。他在給友人的信中說：“近來患病，昨夜聽了比才的卡門，病意全消了，我感謝這音樂。”（“外國著名歌曲”中有“卡門”的片斷）不少事例證明：音樂不僅有怡情悅性的作用，還有一定治療效果，音樂有時是醫生。
那麼，音樂會不會危害健康，甚至成為殺手？如果某種音樂超過一定的強度，尤其發出的是噪音，肯定是要損害健康的。聲音的強度用分貝表示。科學結論指出：強度達到130分貝時，耳朵產生疼痛；達到150分貝，人無法忍受；達到190分貝，連機器上的鉚釘也會被震落，何況是人？某國曾作過一次研究人對超音速噴氣機噪音忍受能力的試驗，當飛機從人頭上10——12米的空中飛過時，參加試驗者無一倖存。幾年前，報上介紹過歷史上曾有一首樂曲成為殺手的特例，更令人毛骨悚然。
1932年，法國作曲家魯蘭斯.查理斯創作了一首叫《黑色的星期天》的樂曲，據說聽過這首曲而先後死亡的人數超過了一百，它是個無形的殺手，被稱為“魔鬼邀請書”。首先被這個魔鬼邀去的，是一位在布達佩斯一家灑巴喝酒的匈牙利青年。他聽了樂隊演奏這首樂曲後，再也無法控制自己極其悲傷的感情，於是往自己的太陽穴開了一槍，來解脫自己的痛苦。有一位美國姑娘出於好奇，特意借來這首樂曲的唱片，結果也以在自己的家中自殺而告終，原因也是無法忍受它所帶來的痛苦。1945年，西方國家遂下了不許演奏這首曲的禁令，並銷毀了它的唱片、樂譜，趕走了這個惡魔。
母雞也懂音樂？
大千世界無奇不有。韓國幾年前曾有報紙報導當地有村民讓雞聽音樂而多下蛋的事例。
在洪城郡洪城邑月山裏的村子裏，有個叫張東元的養雞專業戶，和村裏很多人家一樣，靠養雞為生。有一天，張的兒子從報紙上讀到一條國外讓奶牛聽音樂而增加產量的報導，告訴了張。張由此受到啟發，便在雞場安裝了喇叭，成天向雞播放古典音樂。他最初是抱著試試看的心理來做這件事的，沒想到三個月後竟取得了良好的效果，母雞的下蛋率由過去最高的73%提高到了80%，而且所下的蛋比以前大了。消息一傳開，村裏的其他人家也紛紛效仿他，家家戶戶的雞舍都響起了音樂，而蛋產量也遂之增加了。
母雞增加下蛋，是音樂直接帶來的效果呢，還是由於播放音樂這一舉措而派生的其他未知因素帶來的？母雞真的也懂得音樂麼？本人不敢下斷語。不過讓雞舍周圍樂韻飄飄，讓養雞人在繁忙、頊碎的勞作中放鬆緊張的神經，只要開支不大，又何樂而不為？
一曲悲歌救了自己一命
我國古詩詞中有許多流傳千古的名句。其中有兩句常用來形容那些感情極為悲痛悽楚的詩詞、歌曲或言語：“一聲何滿子，望君淚雙流”。它出自於我國古代的一個音樂故事。
唐朝開元年間，有一個叫何滿子的滄州籍歌女，色藝出眾，不知因何原因，被官府判處了死刑。死刑在京城長安執行。臨刑，監斬官問她有無最後要求。歌女說，她別無他求，只想在告別人世之前唱一首歌。監斬官想，囚犯是個弱不禁風的女子，讓她唱一首歌，也不致於發生什麼意外的，便答應了她。臨死的何滿子，此時湧起的感情不是對死亡的恐懼，而是極度的悲憤。歌聲像泉水從岩隙中噴湧出來一樣，控訴著人世的不平，傾訴著自己所受的冤屈，斷人肝腸，直令天地昏暗，聽眾動容，有的眼淚不禁漱漱而下。歌罷，正當劊子手舉起屠刀，頃刻間將人頭落地之際，突然傳來了急促的聲音：“且慢！聖旨到！”。原來，當歌女那敍事性的悲歌初起的時候，宮中有一個人見何滿子色藝超群，認為殺了可惜，便策馬揚鞭去奏告當時的皇帝李隆基。李是我國歷史上最酷愛歌舞的皇帝，很有音樂才能，作曲、演奏、編舞，樣樣在行，親自創建了一個規模龐大的宮庭樂舞機構——“梨園”，當然捨不得殺何滿子這樣的人才，於是立即降旨赦免她死罪。何滿子料不到一曲悲歌，竟救了自己一命。
不久，有人將何滿子刑場上的歌加以整理，命名為《何滿子》，此後《何滿子》便成為悲歌的代稱。詩人白居易賦詩曰：“世傳滿子是人名，臨就刑時曲始成。一曲四詞歌八疊，從頭便是斷腸聲。”同代詩人張祜也寫一首叫《何滿子》的詩：“故國三千里，深宮二十年，一聲何滿子，
望君淚雙流。”傳說青樓的歌女們讀到這首詩後，悲歎自己與何滿子“同是天涯淪落人”，哭得驚天動地，並立即把它譜成了一首後來很流行的歌曲。
身輕若燕趙飛燕
唐詩絕句《漢宮曲》唱道：“水色簾前流玉霜，趙家飛燕侍昭陽，掌中舞罷簫聲絕，三十六宮秋夜長。”詩中描寫在月兒皎潔的秋夜，洞簫吹著優美的旋律，在昭陽宮侍奉皇帝的趙飛燕，隨著音樂的起伏跳起了掌上之舞。後代的人們由此詩得知，在我國的歷史上，有個叫趙飛燕的女子，竟然能站在他人的掌上跳舞。真可謂奇跡中的奇跡。
趙飛燕是漢朝人，出身音樂之家。與妹妹為一胎雙生，兩人都聰明美麗。妹妹歌聲動人，她則舞蹈出眾。父親死後，經濟來源斷絕，姐妹二人被迫流落長安街頭，靠打草鞋為生。在一次偶然的機會中，漢成帝發現了她，遂先後召她姐妹兩人入宮。不久，原來的皇后被廢，趙飛燕被立，於是成了皇上的掌中明珠，專寵于昭陽宮。
趙飛燕身材窈窕，體態極其輕盈，舉步翩然若飛。也許是因為有著罕見的身材，而且具有苦下功夫得來的超凡“內工”，傳說她竟能站在掌上起舞。太監兩手併攏前伸，掌心朝上，趙飛燕就站在其掌上，在極小的面積上作出各種舞蹈動作，揚袖飄舞，宛若飛燕。漢成帝專為她造了一個水晶盤，叫兩個宮女將盤上托。趙飛燕在盤上起伏進退，下腰輕提，旋轉飄飛，就象仙女在萬里長空中迎風而舞一樣優美自如。
“一朝天主一朝臣”。漢成帝死後，當帝位傳至漢平帝時，朝中群臣竟痛斥她不為皇室生個後代，把她貶為平民。一個超凡的舞蹈家，最後被迫自殺，悲慘地離開了人間。（頁首）
在音樂的餘音中告別
本站“外國著名歌曲”欄目中登載的“友誼地久天長”，是舉世聞名、流傳甚久甚廣的歌曲。它原是蘇格蘭的一首古老民歌，常在離別時詠唱。當地人有一個傳統：分別之前手拉著手，繞圈唱著這首歌，歌頌珍貴友誼，表達惜別之情。我國舊時代的某些學校，在學生畢業的告別儀式中也模仿這種傳統。學子們在儀式結束時同聲歌唱，在餘音繚繞中頻頻揮手與母校告別。由於它常與離別相關，所以其歌名有人翻譯為《驪歌》，有人翻譯為《你能忘記舊日的朋友嗎？》。更由於它被美國著名影片《魂斷南橋》用作主題曲，也有人以這部影片的名稱作它的歌名。
《魂斷南橋》描寫了英國軍官克羅毅與芭蕾舞女演員馬拉的愛情悲劇故事。其中有一個情節很有詩意：那是在戰火紛飛的年代，青年軍官即將告別心愛的人奔赴前線了。晚上，兩人到一家酒店互訴衷腸，千言萬語也訴不盡情意。但夜深了，酒店樂隊不得不奏起最後的一支樂曲《友誼地久天長》。緩緩的、深情的旋律，更催動著戀人的離愁別緒。樂手們每奏完自己演奏的樂句，就吹熄譜架上的臘燭，輕輕離座。最後只留下小提琴孤獨的聲音，接著譜架上最後的一隻燭光也消逝了，兩人不得不在優美淒冷的餘音中戀戀告別。
[頁首]
情歌變成了“第二國歌”
《我的太陽》原是義大利一位作曲家創作的一首情歌，由於優美動聽，在義大利家喻戶曉，甚為流行，所以人們都認為它是民歌。第一次世界大戰之後，法西斯頭子墨索里尼登上統治寶座，實行鐵血統治，義大利老百姓苦不堪言，其他各國人民也對他深惡痛絕。
有一年，在芬蘭舉行世界奧林匹克運動會。按照規矩，各國運動代表隊進場時須奏該國國歌。樂隊出自對墨索里尼政府的厭惡，便以使館事先沒有送來該國國歌樂譜為藉口，當義大利運動員入場時，故意不奏該國國歌而奏《我的太陽》。當高亢的樂音在廣場響起，在場的人先是驚訝，接著竟情不自禁地跟著音樂縱情高歌起來：“啊，我的太陽，那就是你！那就是你！”，表達了對墨索里尼的憎惡和對義大利人民的同情和支持。自此以後，這首愛情歌曲流傳更廣了。當人們提起義大利歌曲時，就很自然地會想到這首歌曲；而當它的聲音迴響在人們耳際時，就會很自然地想到義大利。《我的太陽》實際上變成了義大利的象徵和“第二國歌”。（此歌登於本站“外國著名歌曲”欄目）[頁首]
老鼠聽琴
最近，搜狐>音樂>西方古典音樂的鋼琴版上登載了一則老鼠聽琴的故事。經版主同意，現將原文轉載於下：
“江西省南昌市一單位地下室中，有兩位女孩練鋼琴。不知道什麼時候，一隻小老鼠爬到琴凳邊一動不動地‘聽琴’。
在這間地下室改裝的琴房，舒緩悠揚的音樂在偌大的室內徐徐起伏，小老鼠臥在琴旁一動也不動，只把兩隻小耳朵豎起，把眼睛睜得很大，好像著了迷似的。王小姐說她們大約早晨10點的時候來這裏練琴，當時，她倆一個在彈琴，一個在一旁看書。看書的小姐說：‘一開始小老鼠站在指揮台旁邊，後來它聽著聽著，就大搖大擺旁若無人地踱到鋼琴旁邊繼續聽，一個多小時過去了，它仍沒有離開的意思。’在筆者給小老鼠拍照的時候，王師傅伸出手去摸它，手剛觸及到，它就向前蹦了一下，但並不走遠。”
這是現實的故事。音樂上還有一個相類似的古老傳說比這更神奇：
1284年，德國一個叫哈默爾恩的小鎮鼠患成災，攪得當地居民不得安寧。正當大家為此發愁的時候，鎮裏來了一個穿花衣、拿竹笛的青年人，自稱有辦法消除鼠害。於是居民們請他滅鼠。
只見那青年人拿起笛子，吹起一種奇怪的調子。不一會，老鼠便紛紛向著笛聲湧來。青年人見老鼠被他的笛聲迷住了，就一邊吹，一邊走入鎮邊的一條小河，涉水走向對岸。老鼠敵不過笛聲的引誘，一群群地緊跟著跳下河去，結果都被淹死了。青年人只用他的笛聲，就輕而易舉地消滅了一次嚴重的鼠患。
楊貴妃與“山在虛無縹緲間”
楊貴妃是唐朝皇帝李隆基最寵愛的妃子，李的“萬千寵愛”都集中在她一人身上。開元年間，詩人李白供職于宮中。一天，宮中牡丹盛開。皇帝雅興大作，竟深夜秉燭賞牡丹，召來楊貴妃陪酒，又令李白呤詩。李白“鬥酒詩百篇”，在喝得醉薰薰之際，詩興大發，即席就高歌了三首，所用的曲調就是當時的唐代大麯“清平調”。安史之亂初期，官兵大敗，將士們把禍害的起因都歸罪於楊貴妃，楊貴妃被逼自縊身亡。李隆基因此而悲痛欲絕。傳說楊貴妃死後居住于蓬萊仙島，在虛無縹緲的仙洞中度過淒清的日子。後來，白居易將楊、李的愛情故事寫成了著名的敍事詩“長恨歌”。讀過此首詩的人，幾乎都記得結尾的兩句：“天長地久有時盡，此恨綿綿無絕期”。
1932年，我國近代著名音樂家黃自先生以“長恨歌”為題材，譜寫了中國的第一部清唱劇“長恨歌”（韋翰章作詞）。其中的第八樂章題為“山在虛無縹緲間”，特別動人，所用的音樂主題就是古曲“清平調”。古雅而發人幽思的旋律，表達了楊、李一個在紅塵，一個在碧海，生死相戀卻無法相聚的悽愴。
餘音繞梁，三日不絕
傳說春秋戰國時代，韓國有個名叫韓娥的歌唱能手，聞名全國。有一年，韓國突然發起狂風暴雨，洪水決堤，巨浪沖天，把田園、房屋都沖毀了，百姓紛紛跑命。韓娥在鄉親幫助下倖免於難，投奔齊國。途中盤纏用盡，唯有賣唱為生。她一路走一路唱，歌聲的美妙動人，可謂登峰造極。她人走了，大家還是覺得她仍在自己身旁，歌聲仍舊迴旋在屋樑之間，久久不散。“餘音繞梁，三日不絕”的成語，就原於此。
韓娥來到齊國雍門的地方，天已黑了，饑餓和疲勞折磨著她，遂向客店走去，準備投宿。誰知一踏進店門就被掌櫃連罵帶推趕出門外。這時候，韓娥深切地感受到父老鄉親的苦難和眼前所受的屈辱，把心中的激情化作了一曲人間最哀怨悽楚的歌聲。歌聲向雍門四面八方飄去，一時間山風停嘯，河水停流，行者止步，泣天動地。以致韓娥走後，雍門男女老少仍然沉入愁海之中，晝不能吃，夜不能眠，天天如此。於是百姓選派一青年作代表，催馬揚鞭追上韓娥，懇請她返回雍門。途中，百姓夾道相迎，盛情款待。韓娥感受到百姓親如家人的深情，化悲為喜，唱起了歡樂的歌，歌聲又立即傳遍千家萬戶。於是大家愁雲消散，高歌歡舞，把雍門變成了歡樂的海洋。
童女懷孕與“天使報信”
“外國著名歌曲”中登載了一首叫“天使報信”的歌曲，寫的是下面一則美麗的故事。
加利利的拿撒勒城裏住著一位善良美麗的姑娘，她的名字叫馬利亞，是當地木匠約瑟的未婚妻。有一天，上帝派使者對馬利亞說“你蒙受上帝的恩典，不久將懷孕生子了。”馬利亞果然懷了孕。約瑟心地好，知道未婚妻不曾與他同房而懷孕的消息後，並沒有羞辱她，但暗地裏卻準備把她休掉。上帝知道了，派天使托夢對他說：“你快快把妻子討過門來吧，她懷的可是天上的聖靈呀。你要給孩子取名耶穌。他將來會把老百姓從罪惡裏救出來的。”約瑟遵照旨意立即娶回馬利亞。約瑟原是猶太人，娶妻不久後就帶她離開拿撒勒城，準備到猶太人的伯利恒城去居住。到達那裏時，客店全都住滿了人，夫妻只好暫時棲身在馬棚裏。恰好就在此時，馬利亞產期已到，一個嬰兒就在馬棚裏呱呱墜地了－－－－他就是後來人們稱之為救世主的、家喻戶曉的耶穌。
老鼠咬破風箱促生了“平安夜”
“平安夜”是在世界流傳甚廣、甚久的另一首聖歌。它的誕生是由老鼠咬破管風琴的風箱引起的。
1818年12月24日奧地利的早晨，格魯伯走進小鎮奧伯恩托夫的教堂，坐上琴凳，準備練習當晚－－聖誕之夜要伴奏的聖歌。可是一踩動踏板，管風琴卻沒有一絲琴音，只有一陣陣吱吱的漏氣聲吹出來。他與牧師仔細檢查後，發現風箱被可惡的老鼠咬出了許多洞。格魯伯急得象熱鍋上的螞蟻：過不了多少鐘頭，神聖的聖誕之夜就到了，彌撒時沒有音樂伴奏，該是一件何等遭殃的事！牧師莫爾卻比較鎮定，從衣袋裏拿出一張發黃的紙片說：“這是我寫的一首小詩，你馬上把它譜上曲，然後教會孩子們，今晚不就有音樂了。”格魯伯接過詩後，反復朗讀起來，越讀越感到有味道，靈感頓時產生，很快就譜成了歌曲，又立即教會了聖歌班的孩子們
聖誕之來臨了，鐘聲在小鎮的空中回蕩。在燭光映照下，孩子們唱起了“平安夜”，格魯伯撥動吉他伴奏。孩子們高吭、明亮、清純的歌聲，與莫爾的高音和格魯伯的男低音融成一體，顯得格外好聽。
第二年春天，一位來修風箱的修理師發現這首歌很好，就把它帶回山谷裏自己的村子。村子裏那些擅長音樂的人，又把它傳到其他地方去。愈傳愈開，越傳越遠。奧地利國王、俄國沙皇、英國維多利亞女皇、法國拿破崙三世、德國詩人哥德等著名人物都先後聽過這首歌的演唱。這首歌終於傳遍了全世界。
知音
我國著名典籍之一“列子”中記載了一個音樂故事。原文如下：
伯牙善鼓琴，鐘子期善聽。伯牙鼓琴，志在高山，鐘子期曰:“善哉，峨峨兮若泰山！”志在流水，鐘子期曰：“善哉，洋洋若江河！”伯牙所念，鐘子期必得之。
伯牙游于泰山之陰，卒逢暴雨，止於岩下，心悲，乃援琴而鼓之。初為“霖雨”之操，更造“崩山”之音。曲每奏，鐘子期輒窮其趣。伯牙乃舍琴而歎曰：“善哉，善哉，子之聽夫！志想像猶吾心也。吾于何逃哉？”
故事的大意是：伯牙善於彈琴，鐘子琴善於理解鑒賞音樂。伯牙彈奏表現高山的樂曲，鐘子琴說：“多麼好啊，你的心志就象那巍峨的泰山！”伯牙彈奏表現流水的樂曲，鐘子期說：“多麼好啊，你的心志就象那奔騰的江河！”無論伯牙彈奏什麼，鐘子期都聽得出他的音樂所寄託的思想感情。
有一天，伯牙和鐘子期到泰山的南邊遊覽，突然碰上暴風驟雨，便到岩石下面避雨休息。這時，伯牙心感悲涼，拿過琴彈了起來。起初彈一首叫“霖雨”的樂曲，後來感情更加投入，又奏了叫“崩山”的曲子。只要音樂一響，鐘子期立即就說出了樂曲的深意。伯牙於是放開下琴說：“你聽音樂真是高明呀，把我心中想說的話都說盡了。”