分享 欧美音乐爱好者必备手册:音乐流派英文解析

[xiaoqing jin]

什么是R&B？ QUOTE: R&B的全名是 Rhythm & Blues，一般译作"节奏怨曲"。广义上， R&B可视为"黑人的流行音乐"，它源於黑人的Blues音乐，是现今西行流行来和摇滚来的基础，Billboard杂志曾介定 R&B为所有黑人音乐，除了 Jazz和Blues之外，都可列作 R&B，可见 R&B的范围是多么的广泛。近年黑人音乐圈大为盛行的 Hip Hop和 Rap都源於 R&B，并且同时保存着不少 R&B成分。   什么是HOUSE？ QUOTE: HOUSE是於八十年代沿自 DISCO发展出来的跳舞音乐。 这是芝加哥的DJ玩出的音乐,他们将德国电子乐团Kraftwerk的一张唱片和电子鼓(Drum Machine)规律的节奏 及黑人蓝调歌声混音在一起,House就产生啦~一般翻译为"浩室"舞曲,为电子舞曲最基本的型式,4/4拍的节奏, 一拍一个鼓声,配上简单的旋律,常有高亢的女声歌唱. DISCO流行后，一些DJ将它改变，有心将DISCO变得较为不商业化， BASS和鼓变得更深沈，很多时变成了纯音乐作品，即使有歌唱部分也多数是由跳舞女歌手唱的简短句子，往往没有明确歌词。渐渐的，有人加入了LATIN(拉丁)、 REGGAE(瑞格源在西印度群岛)、 RAP(说唱)或 JAZZ(爵士)等元素，至八十年代后期， HOUSE冲出地下范围，成为芝加哥、纽约及伦敦流行榜的宠儿。 为什么会叫"House"呢?就是说只要你有简单的录音设备,在家里都做得出这种音乐~House也是电子乐中 最容易被大家所接受的.Cher唱的Believe 就是个好例子.而M-People可说是House代表团体.House舞曲在1986年开始流行后,可说是取代了Disco音乐.   什么是Britpop？ QUOTE: Britpop虽有个" Pop"字，但其实是 Rock的一种，源於九十年代英伦，中文可译为"英式摇滚"，这是英伦乐坛对美国 Grunge潮的一个回应，主要是以乐队形式出现。不过， Britpop风格其实十分广泛，如 Oasis是吉他摇滚乐队， Blur则Pop很多，而Pulp则接近Glam Rook及跳舞风格，不过他们都被列作 Britpop。   什么是 Trip-Hop？ QUOTE: Trip-Hop是英伦／欧洲跳舞音乐的一种，它的名字来源是" Trip＋ Hip Hop"＝ Trip-Hop"，因为它发源自英国的Bristol,因此最早时称作"Bristol Hip-Hop".。由于把把Hip-Hop（其实很多音乐都是架构在Hip-Hop上的...不知啥是Hip-Hop的去看看跳街舞的人, 他们多半是用Hip-Hop音乐来跳的.）节奏变慢(有时很慢很慢),加入一些迷幻的味道,如很阴沉,肥厚的Bass,轻微但迷幻的 合成音效,或是些唱片的取样,有时可能连唱片的杂音都会被"故意" 取样进去.所谓" Trip"，指迷幻，氤氲的药物「旅程」，所以， Trip-Hop是种慢板的迷幻的、有 Jazz感觉的、迷糊的、带点 Hip Hop节奏的 Break beat音乐。它虽然隶属跳舞音乐类，但其迷幻迷糊特色已令它跳一般跳舞音乐所有的明确节拍特色相去很远。   什么是 Gangsta Rap？ QUOTE: Gangsta Rap是 Rap的一种，以 Rap的内容多与都市罪案有关，充满暴力、色欲感受，这是反映现实的一种音乐路向。 Gangsta Rap於八十年代末期在美国兴起，音乐Rap中的强悍尖锐派，在美国大受欢迎，唱片销路甚高。而不少 Gangsta Rap乐手本身真正"参与"现实中各式罪案，部分更因而入狱甚至死亡，可说是真正反映现实兼令人触目惊心的乐种。   什么是 Synth Pop？ QUOTE: Synth Pop中的 " Synth"，即 Synthesizer，顾名思义， Synth Pop就是"由 Sythesizrs炮制出来的流行乐"，当然除 Synthesizers外还会用上其他电子乐器如电脑及鼓机等等。 Synth Pop於八十年代初期开始流行，至八十年代中开始沉寂，当年在香港也曾掀起过一阵热潮。 Synth Pop的特点是科技感强，有时会颇冰冷，歌曲多是"三分钟流行曲" (3-minutes Pop)，很多时 Synth Pop乐手会作入时打扮。   什么是 ORCHESTRA ？ QUOTE: ORCHESTRA就是管弦乐团，它分成四部分： 1弦乐，包括小提琴、大提琴等， 2铜管乐 3木管乐和 4敲击乐四组。弦乐组每种乐器有多人演奏 (竖琴除外 )，四组演奏者由一人统筹兼领导，他就是乐团的指挥。 ORCHESTRA於17世纪出现，到 18世纪因海顿和莫扎特的作品而清楚地建立模式。 19世纪加入了些新乐器，乐团人数加大。 ORCHESTRA是西方古典 /正统音乐的正宗。西方流行 /摇滚乐也经常运用 ORCHESTRA的部分或全部团员协助演出。   什么是 CHAMBER POP？ QUOTE: CHAMBER POP是指典雅、高贵、精致的一种流行乐，它有一定的古典音乐感觉。 CHAMBER MUSIC一词来自古典音乐，中文叫"室内乐"，是种小组弦乐演奏曲式，气氛高雅。 CHAMBER POP於九十年代兴起，是对当时的 LO-FI及 GRUNGE的一种反应，强调优美的旋律、精致的配乐、乾净的录音，每每多用弦乐、管乐制造巴洛克时代的音乐感觉。外国代表乐队有 THE DIVINE COMEDY， RIALTO， ERIC MATTHEWS及 BALLE & SEBASTIAN等，香港则有黄耀明、部分的彭羚、部分的 MULTIPLEX等等。   什么是民歌 (FOLK)？ QUOTE: 民歌(FOLK)原本是指每个民族的传统歌曲，每个民族的先民都有他们自原始 /古代已有的歌曲，这些歌绝大部分都不知道谁是作者，而以口头传播，一传十十传百，一代传一代的传下去至今。不过今天我们所说的民歌 (FOLK)，大都是指流行曲年代的民歌 (FOLK)，所指的是主要以木吉他为伴奏乐器，以自然坦率方式歌唱，唱出大家纯朴生活感受的那种歌曲。美国民歌手 WOODY GUTHRIE在五十年代的唱片可说是最早的民歌唱片录音，所以普遍被认定是现代民歌 (FOLK)的祖师。之後 PETE SEEGER、 THE WEAVERS继续推动这类音乐，六十年代越战，反战民歌手如 BOB DYLAN,JOAN BAEZ,PETER,PAUL AND MARY等成为时代的呼声。後民歌向 POP,ROCK及都市化发展， BOB DYLAN发明了 FOLKROCK, SIMON & GARFUNKEL发展出中产口味的都市 FOLK POP，风行一时。八十年代 SUZANNE VEGA,TRACYCHAPMAN等 +走出一种更富现在都市感觉的 URBAN FOLK(城市) / CONTEMPORARY(当代) FOLK路线。民歌 (FOLK)在英国、香港等乐坛也发展出不同的面貌。民歌 (FOLK近年较新的发展是与 NEW AGE结合 (如 ENYA)，及与 TRIP HOP结合(如 BETH ORTON)。   什么是 BOSSA NOVA ？ QUOTE: BOSSA NOVA是种带 JAZZ味道的巴西音乐， 1950年代作曲家 ANTONIO CARLOS JOBIM将巴西音乐节奏与美国西岸 COOL JAZZ混合而成，柔和、舒服、轻松、懒洋洋、浪漫乃特色。每两个 BAR的第 1,4,7,11,14拍为重拍。歌手 JOAO GILBERTO的纯厚歌声是 JOBIM音乐的出色拍档， 50年代中期传入美国後大受欢迎，其他着名 BOSSA NOVA乐手有 CHARLIE BYRD,STAN GETZ和 ASTRUD GILBERTO等，最着名的歌曲为 "THE GIRLFROM IPANEMA"。 OSSA NOVA於 60年代最流行，其馀年代亦不断有捧场者。   什么是 CLASSICAL POP ？ QUOTE: CLASSICAL POP是指带古典响乐味道的流行曲，多用弦乐伴奏的歌曲都可列入此类，例如 THE BEATLES的 "ELEANORRIGBY"就是。澳洲乐队 CROWDED HOUSE的一些作品也可列入此类。如果说 CLASSIC POP，则是指经典的流行曲。   什么是ACAPPELLA ？ QUOTE: ACAPPELLA是指没有乐器伴奏的歌曲，但凡纯以人声唱的歌都是 ACAPPELLA，不过今天我们说 ACAPPELLA通常是指有多重和唱的那种唱法，连乐器伴奏都由人声唱出。 ACAPPELLA的相反是 INSTRUMENTAL，即纯音乐乐曲，任何类型的歌曲都可以以 ACAPPELLA形式唱出。香港人最熟悉的 ACAPPELLA歌曲是 "SO MUCH IN LOVE"，香港 ACAPPELLA乐队有姬声雅士等。   什么是 WORLD MUSIC？ QUOTE: WORLD MUSIC是西方角度观点的词汇，意思指非英、美及西方民歌 /流行曲的音乐，通常指发展中地区或落後地区的传统音乐，例如非洲及南亚洲地区的音乐，有些地区如拉丁美洲的音乐，则能普及到自成一种类型。今天大家说的 WORLD MUSIC通常是指与西方音乐混和了风格的、改良了的传统地区音乐。非洲的 KING SUNNY ADE，东欧的DON BYRON，中国的朱哲琴，巴基斯坦的 NUSRAT FATEHALI KAHN等是西方乐迷较熟悉的 WORLD MUSIC乐手。   什么是 DREAM-POP？ QUOTE: DREAM-POP是种"梦"般的流行曲，它有一种迷离的气氛，多靠SYNTHESIZERS（电子合成器）造成，加了ECHO效果的电吉他也是重要的成分，歌唱部分往往很 "BREATHY"即呼吸声重，歌词也往往有梦般的诗意色彩。代表乐队有 COCTEAU WINS， LISA GERMANO， ST.ETIENNE， THIS MORTAL COIL， MY BLOODY VALENTINE， MAZZY STAR和 DEAD CAN DANCE等。中文歌手以王菲为首，代表作有 "迷路 "、 "DI-DA"等。   什么是 NEW AGE？ QUOTE: NEW AGE是种宁静、安逸、闲息的音乐，纯音乐作品占的比重较多，有歌唱的占较少。 NEW AGE可以是纯 ACOUSTIC(即以传统自发声乐器演奏)的，也可以是很电子化的，重点是营造出大自然平静的气氛或宇宙浩瀚的感觉，洗涤听者的心灵，令人心平气和。 NEW AGE很多时与音乐治疗有关，不少NEW AGE音乐说可以治病，也有不少与打坐冥想有关，这与 NEW AGE思潮哲学有莫大关系。 NEW AGE音乐通常被目为颇为中产阶级的音乐， WINDHAM HILL是最具代表性的 NEW AGE唱片公司， NEW AGE代表乐手有 ENYA， GEORGE WINSTON， WILLIAM ACKERMAN， YANNI， KITARO等等。   什么是Electrophonic Music？ QUOTE: 何谓Electrophonic Music(电子音乐)?随着时代的演进,音乐家有了更多制作音乐的方法.所谓电子音乐,就是以电子合成器,音乐软体,电脑等所产生的电子声响来制作音乐.电子音乐范围广泛,生活周遭常常能听到,在电影配乐,广告配乐,甚至某些国语流行歌中都有用到,不过以电子舞曲为最.很多人认为电子乐是一种冷冰冰,没有感情的音乐.其实电子乐也可融入Rock, Jazz甚至Blues等多种元素而充满情感的。   什么是Techno ？ QUOTE: Technology, 即表示"高科技舞曲"啦!利用电脑,合成器合成,做出一些特殊音效,这种音乐常常是许多音效组合起来的. Techno的节拍也是4/4拍,但速度较House快,且听起来具重复性,较强硬,较机械化,所以某些人称Techno为"工业噪音",但某些还是会注重旋律的. Techno起源于美国底特律,有三名DJ: Derrick May,Kevin Saunderson Juan Atkins尝试将电子乐与黑人音乐结合,而产生了Detroit Techno. Detroit Techno通常较平缓, 不像一般的Techno那样强劲,可说是现代Techno的起源.   什么是Ambient ？ QUOTE: 听起来起伏不大,但其实一直在做改变,像是长时间的音效, 或是渐进式的音乐编排等等,常会营造出有层次的空间感,所以被称为"情境音乐", 且常对於生活周遭的声音做取样,如人声,汽车声,甚至是其他音乐的旋律...等等.为70年代的Brian Eno所创,是一种很"高深"的电子音乐.后来Ambient也有分支,如Ambient House, Ambient Techno...等等,相信大家从字面上就能了解,其实在很多种音乐中都会有Ambient的影子,甚至某些古典乐中 也有Ambient的味道.   什么是Trance ? QUOTE: 迷幻舞曲,由Techno演变而来,听了会让你有"出神"的感觉,但还是保有舞曲的律动 ,很注重Bass的表现 ,某些听了会有"催眠"的效果.拍子也是以4/4拍为主.不过我也有听过用Breakbeat的(下面会介绍), 如Sven Vath的专辑Fusion.   什么是Psychedelic Trance ? QUOTE: 又名Goa Trance,发源于印度的一个小岛上.Goa即为这小岛的名字. ,旋律常带有印度风味.这类Trance的特徵,就是很重视旋律,音符之间的细微变化,且常有重叠的旋律,和高亢的TB-303声音出现.有点Ambient的味道.   什么是Break beat ? QUOTE: 不像House的拍子Boom-Boom-Boom-Boom那么规律,而是以破碎的节拍呈现,像是切分拍.如在两拍中加入小碎鼓,等等,Breakbeat只是一 个总称而已,有很多种音乐都属Breakbeat,如以下的Brit-Hop,Big-Beat,和黑人的Hip-Hop便是一种   什么是Brit-Hop ? QUOTE: 把黑人Hip-Hop的节奏加快鼓声加重,配合些许电吉他,Bass,有摇滚乐的味道, 如The Chemical Brothers的曲风即是.   什么是Big-Beat? QUOTE: "大节拍",把Brit-Hop变得更快,节奏更重,更有摇滚的味道,可说是将Brit-Hop改良后, 更成熟的一种曲风,你可以想像一下又重又碎,又有点快的节拍是什么样子.如The Prodigy,The Chemical Brothers, Fat Boy Slim即是Big Beat的"大角什么是Drum"n"Bass?对某些人来说,Drum"n"Bass的音乐可能很烦,因为Drum"n"Bass很注重在节奏上玩花样,还有Bass的表现, 像是很快很快,复杂的碎拍,以及运用各种不同的电子鼓, 或是取样而来的鼓声.因此Drum"n"Bass也是Breakbeat的一种.4Hero为Drum"n"Bass的知名乐团.   什么是Jungle? QUOTE: Jungle就是Drum"n"Bass的前身.Jungle的速度比Drum"n"Bass快很多,而且节拍更为 复杂,比较强悍,有时会搭配一些Rap,不像Drum"n"Bass会融合一些Jazz,Soul等元素,听起来比较柔(当然这是和Jungle比起来~).连"摇滚变色龙" David Bowie现在都搞起Jungle了什么是Electro?早在70年代末,80年代初,那时还没有House,Techno...这类玩意儿,电子音乐也较不盛行,只有Electro这类电子音乐而已. Electro可说是纯粹以电子合成器(Synthesizer,长得有点像Keyboard)来发声的音乐,通常蛮轻柔的,且常使用Roland公司的鼓机(Drum Machine)TR- 808来发鼓声.德国的Kraftwerk乐团可算是代表. 现在的Electro音色比以前明亮,透明许多.后来一些DJ利用Electro变形成了一种Hip-Hop乐,被称作Old School.现在的Fatboy Slim(流线胖小子)也融合了一些Electro和Old School在音乐中.   什么是Dub? QUOTE: Dub可说是将歌声抽离只剩下音乐的Reggae(瑞格，也有称之为雷鬼,一种很有节拍性 ,唱腔特别的南美黑人音乐).而将Dub运用在 电子乐上,则是将部份歌声抽离,将Bass和鼓声加重,并且加入大量的Echo(回音)等效果.这种技术常在现场表演时,将歌曲重新混音(Remix)呈现.像Massive Attack 的专辑Protection便由Mad Professor从Trip-Hop音乐混音成了Dub版本.   什么是Chill Out? QUOTE: 这只是一种统称而已.在舞池旁边,常会有一个区域,或是小房间,里头会放一些较缓和,较平静的音乐,让舞客跳完舞后缓和情绪,休息一下,以放Ambient音乐为主,所以会叫 "Chill Out"(冷却)就是这个缘故.The Orb可说是Chill Out音乐大师.   什么是Minimalism? QUOTE: 这被翻译成"极小派乐风",在Ambient和Techno的音乐中 常听的到.带有Minimalism的曲子有着重复性的旋律,还有一种特别的律动 ,感觉上像一种特别的频率一样 让你听了会有被催眠的感觉.Jeff Mills的作品就属于Minimal Detroit-Techno,带有相当的迷幻色彩.   附： 不完全音乐风格手册（摇滚年音乐网原创资料，TLF收集整理） QUOTE: Acid Jazz 酸性爵士 Acid Rock 酸性摇滚 Acid Techno 酸性数码 Adult Alternative 成人另类 Adult Alternative Pop/Rock 成人另类流行/摇滚 Adult Contemporary 成人时代 Album Rock 专辑摇滚 Alternative Dance 另类舞曲 Alternative Metal 另类金属 Alternative Pop/Rock 另类流行/摇滚 Alternative Rap 另类说唱 Ambient 氛围音乐 Ambient Pop 氛围流行 Ambient Techno 氛围数码 American Punk 美国朋克 American Trad Rock 美国传统摇滚 American Underground 美国地下 Anarchist Punk 无政府主义朋克 Arena Rock 舞台摇滚 Aussie Rock 澳洲摇滚 Baroque Pop 巴洛克流行 Big Beat 重打击乐 Blue-Eyed Soul 灵魂乐 Blues-Rock 蓝调摇滚 British Blues 英国蓝调 British Folk 英国民谣 British Invasion 英国入侵 British Metal 英国金属 British Psychedelia 英国迷幻 British Punk 英国朋克 British Rap 英国说唱 British Trad Rock 英国传统摇滚 Britpop 英伦摇滚 Celtic 凯尔特音乐 Celtic Fusion Celtic Fusion Celtic New Age 凯尔特新浪潮 Christmas 圣诞音乐 Club/Dance 舞曲 College Rock 学院摇滚 Comedy Rock 喜剧摇滚 Computer Music 计算机音乐 Contemporary Celtic 当代凯尔特 Contemporary Instrumental 工业时代 Country 乡村音乐 Country-Rock 乡村摇滚 Dark Ambient 黑暗氛围 Death Metal/Black Metal 死亡/黑色金属 Detroit Rock 底特率摇滚 Disco Disco Doom Metal 厄运金属 Dream Pop 梦幻流行 East Coast Rap 西海岸说唱 Electronica 电子 Ethnic Fusion Ethnic Fusion Euro-Pop 欧洲流行 Experimental 试验音乐 Experimental Jungle 试验舞曲 Folk-Jazz 民谣爵士 Folk-Rock 民谣摇滚 Funk Metal 朋克金属 Funky Breaks 骤停打击乐 Fusion Fusion Garage Punk 车库朋克 Glam Rock 迷惑摇滚 Glitch 电子脉冲 Goth Metal 哥特金属 Goth Rock 哥特摇滚 Grindcore 碾核 Grunge LJ摇滚 Guitar Virtuoso 吉他鉴赏家 Hair Metal 微金属 Hard Rock 硬摇滚 Hardcore Punk 硬核朋克 Hardcore Rap 硬核说唱 Hardcore Techno 硬核数码 Heavy Metal 重金属 House 歌剧 IDM IDM Indie Pop 独立流行 Indie Rock 独立摇滚 Industrial 工业 Instrumental Rock 器乐摇滚 Jungle/Drum 'N Bass 舞曲/鼓与贝斯 Kraut Rock 德国摇滚 L.A. Punk 洛杉朋克 Latin Rock 拉丁摇滚 Lo-Fi 低保真 Madchester 曼切斯特音乐 Merseybeat 默西之声 Neo-Glam Neo-Glam Neo-Prog Neo-Prog Neo-Psychedelia Neo-Psychedelia New Romantic 新浪漫 New Wave 新浪潮 New Wave of British Heavy Metal 英国重金属新浪潮 New York Punk 纽约朋克 Noise Pop 噪音流行 Political Folk 政治民谣 Political Reggae 政治雷吉 Pop Underground 地下流行 Post-Grunge 后车库 Post-Punk 后朋克 Post-Rock/Experimental 后摇滚/试验 Power Metal 能量金属 Progressive House 前卫歌剧 Progressive Metal 前卫金属 Prog-Rock/Art Rock 前卫/艺术摇滚 Proto-Punk 原型朋克 Psychedelic 迷幻音乐 Pub Rock 酒吧摇滚 Punk 朋克 Punk Metal 朋克金属 Punk Revival 复兴朋克 Punk-Pop 流行朋克 Queercore 同性恋核 Rap-Metal 说唱金属 Rap-Rock 说唱摇滚 Rave 锐舞 Riot Grrrl Riot Grrrl Rock & Roll 摇滚 Rockabilly 山区乡村摇滚 Roots Reggae 根源雷吉 Scandinavian Metal 斯堪的纳维亚金属 Shoegazing Shoegazing Slowcore 慢核 Soft Rock 慢摇滚 Space Rock 太空摇滚 Speed Metal 速度金属 Stoner Metal 石人金属 Sunshine Pop 阳光流行 Surf 海浪音乐 Swedish Pop/Rock 瑞典流行/摇滚 Symphonic Black Metal 黑色交响 Synth Pop 合成器流行乐 Techno 数码 Thrash 鞭挞金属 Trance Trance Trip-Hop Trip-Hop Twee Pop 矫饰流行 Vocal Jazz 人声爵士 World 世界音乐 World Fusion World Fusion

ExTrEmE 2006-06-07 20:03 (下文转自后摇滚时代，我从没懂过收集整理) 后摇滚概述 【引言】   摇滚乐从本世纪中叶发展至今，想想也快近半个世纪了。然而摇滚乐到底是什么？或许到目前谁都还无法用任何的描述做一完整的定论；因为有人认为摇滚乐就是从当初的爵士、蓝调、民谣逐渐演化融合而成的混杂乐种；然而也有人认为摇滚乐当初就是禀着一种叛逆精神、生活态度或是一个观念而已。但不论如何，"Rock Music"在经过四十余年各种类型流派的萌芽与茁壮，才使得摇滚乐在今日得以呈现出这么多样的风格与类型出来。   一般而言，摇滚乐在进入九十年代以后，可说是承继了八十年代的面貌而更加茁壮丰饶，许多新衍生的音乐类型或名词接连地出现并具体描绘出属于九十年代的音乐新世代。甚至我们可以说，摇滚乐进入九十年代之后， 到处充满了未知的潜力与无法预期的新势力。 【Post-Rock名词的出现与争议】   大约在95年，美国村声杂志刊载了一篇由英国乐评家西蒙·雷诺兹（Simon Reynolds）所写的文章，而文中，这位西蒙先生主要是企图想描绘出，在九十年代中期，一群以"Drag City"、"Trill Jockey"、"Too Pure"这几个厂牌为主的地下乐队的音乐，而他们不管是在乐风或观念上，主要是以酷派爵士（Cool Jazz）、即兴爵士（Free Jazz）、环境音乐 （Ambient）、雷鬼音乐的混音技术（Dub）再加上七十年代的前卫摇滚（Progressive Rock）和Kraut-Rock等多重风格来做为他们在音乐创作实验的基本要素。而在此一大范畴下，恰好当时的芝加哥市、英美两国及欧洲各地，均有一堆当地的地下乐队符合西蒙先生的描述，而他在文中便首次以"Post- Rock"一词，暂时统称这些勇于突破现有摇滚乐定义的前卫团体。没想到，过没多久，一些音乐杂志便以"Post-Rock"来正式称呼这群致力于摇滚乐新美学的新生代乐队。   不过后摇滚（Post-Rock）虽然已经先有了一个较为正式的称呼，但其实在最初的时候，许多音乐杂志对这一群人所玩的音乐基本上都还是无法做一定论。像是滚石杂志当初在介绍这些团体时，还只是用"Instrument Rock"一词来称呼他们，其原因主要是这些乐队大部分都较偏向纯乐器演奏而且也没有主唱。但有的刊物又因针对其乐风或渊源，于是有人又称之为"DroneRock"、"Space Rock"、"Out Rock"、"Neo-shoegazer- rock"或"Kraut-Rock"等各种名词。然而，"后摇滚"这个名称被正式采用，则还是后来英国《Wire》音乐杂志持续有系统的用"Post-Rock"一词做大幅度的介绍报导后，整个所谓的"后摇滚运动"才慢慢地传开来。只不过到现在为止，仍有许多乐评人或被贴上后摇滚乐队的团体都仍非常讨厌或否认"后摇滚"这一名词。因为他们认为这一名词卷标根本都不足以形容他们自己所玩的音乐风格；甚至被视为现今 "后摇滚"大本营之一的芝加哥，在当初的时候，当地的另类音乐刊物或乐评也几乎不提"后摇滚"这个名词来形容当时刚崛起的代表乐队Tortoise或Sea And Cake。更甚者，许多乐评家还认为所谓"后摇滚"这个观念根本早在七十年代就已出现，只是这些观念还只是蕴含在各种非主流的乐派及几个关键性乐队中，而且那时出现的还都只是零散的创作概念构想，而现在只不过经由西蒙先生的一番论述介绍，才这样由媒体的运作，就俨然成为新一代的音乐种类。 【Post-Rock的基本概念】   那么到底当初西蒙先生的定义到底是怎么一回事？而所谓的"后摇滚"到底又是什么？它和所谓一般的"摇滚乐"又有何区别？如果说"后摇滚"音乐便如同"后现代主义"相对于"现代主义"的反动，那么它主要便是企图颠覆摇滚乐的基本概念与传统架构，或是甚至针对整个所谓音乐工业的运作做一消极的反抗。譬如说，同样是玩电吉他、鼓及贝斯的摇滚团体，但换到玩"后摇滚"的乐手中，却可能完全转变成另一种完全不同的创作观念。简略地说，所谓"后摇滚"其实就是一种由概念或理论去颠覆传统摇滚音乐创作的模式（如主旋律-桥段-主旋律-桥段）。而如果你听过一点"后摇滚"的音乐的话，你或许就会发现，他们所引用的理论则大都是援用所谓"解构主义"或西洋文学理论里头的"后现代主义"或者"后结构主义"的观念。也因此，就像十年前南辕北辙的"解构主义"作品一样，现在你若去找寻所有的"后摇滚"乐队，那你可能会发觉他们听起来没有一个乐队是相近或相类似的风格（或许在他们的脑中，风格早已被 打破或不存在了）。   所以，当初西蒙先生心里所想的定义应该是很广泛的，因为当94年芝加哥乐队Tortoise和Sea And Cake发表同名专辑时，这两张专辑便已呈现出两种颇为不同的风格：Tortoise深受七十年代前卫摇滚乐队Can及电子乐实验乐队Kraftwerk的理念影响，但有的作品又直承现代音乐、极简主义（如Philip Glass）或是Free Jazz大师Miles Davis、Ornette Coleman 及Sun Ra的影响；至于Sea And Cake，则反而专注于营造漂浮低调的情感；甚至在"后摇滚"领域较为知名的Stereolab则是大量运用流行音乐的基调，然后再加以解构重组而成另一种风貌的。 【实验运动失败的例子】   然而就在几年论述交替纷沓的时候，一些情势跟着改变，Grunge或另类音乐逐渐面临衰退期，而Electronica则逐渐兴起。那时候西蒙先生视为新的音乐创作手法的概念，如今却已经变成时下电子音乐的基本技巧与常识；从新世代青年代言人Beck到电子乐新宠Massive Attack、Prodigy或Chemical Brothers 等，或多或少都应该受到这些"后摇滚"团体的启发与影响。结果，后摇滚运动及当初被西蒙先生所指涉的乐队，不得不朝着更艰涩前卫的方向走去，甚至导致有人已将这个运动视为一个实验运动失败的例子。   但尽管在这样严厉的各方误解与争论下，Tortoise、Gastr Del Sol及Tran AM等芝加哥团体 却仍还是陆续发表了他们各自的代表作品以宣告"后摇滚"时代的来临。除了从94年开始从芝加哥独立厂牌发行的专辑外，Tortoise在96年发表的《 Millions Now Living Will Never Die》后 来被Alternative Press视为九十年代跨世纪的经典；而冷峻精准的Gastr Del Sol则在98年的《Camoufleur》被评为"后摇滚"新的里程碑；甚至其它较不知名的欧美团体如Dirty Three、Labradford、Oval、Ui、Shellac、 Flying Saucer Attack、Spiritualized、Mogwai、 U.N.K.L.E、Cul de Sac、Spectrum、Third Eye Foundation等等也都不断有着让人激赏的佳作.如果你稍微注意的话，甚至连在去年推出新专辑，美国最具影响力的R.E.M. 乐队也转而开始向这些后摇滚团体学习。而其它鼻子较为灵敏的主流团体当然也是同样嗅到这样的新趋势，并看看是否能用在下一张专辑里面。当然，于是有的媒体便预测，下一波新的潮流应该就会轮到后摇滚音乐。而这些"后摇滚"乐队也将会慢慢地浮出水面。只是，这样逐渐的被主流拉拢，对于一些坚持理想，追求前卫新观念的人来讲，他们则又再度提出质疑与反对，认为当初这些"后摇滚"团体所实验出的方法，如今已被使用的太频繁了，也失去了当初追求革新的意义。（◆注一） 【最后跨世纪的革命】   不过，撇开那些极端份子不谈，话说回来，诚如当初"后摇滚"的"post-"所揭示的，许多传统摇滚乐或其音乐工业所产生的现象，在"后摇滚"的乐队里却是经常被颠覆的：例如没有令乐迷崇拜的吉他英雄、吉他乐器在作品中所扮演的角色重新被定位或削减、没有歌词或是根本没有主唱、常常缺少完美的三到四分钟歌曲幅度；甚至传统唱片工业或某些创作者最终的实质目的。一首首永恒经典脍炙人口的单曲，对这些"后摇滚"团体来讲都是兴趣缺缺。几乎所有传唱片工业所积极运作操控的模式，或是在这意识型态下的创作者态度与动机，可说是通通被逐一地打破、颠覆及解构。   如果说，所谓"后摇滚运动"真的是相对于旧有传统摇滚乐起了某种程度上的颠覆，那么当初西蒙先生所勾勒的未来音乐世界，其实是针对目前所谓"另类摇滚"时代的窘态而寻找或敞开另外一个新的大门：如同一个回力标沿着它的回转轨迹，在对摇滚乐发展已经到某个极限时所做的一种历史反刍。换句话说，当与乐队逐渐玩光吉他或四至六人编制的花样后，Electronica 和"后摇滚"的先后酝让兴起，似乎便可以看成对摇滚乐发展起源的另一次大规模移转与承起。当然，若是还要寻根的话，91年由美国地下乐队Slint所发行的《Spiderland》是一个很好的起点。若是再往前回推的话，除了前面曾提过的乐种外，八十年代的"后朋克"与1977年的纽约"NoWave Movement"也都脱不了关系。然而，如同这两年的Electronica，早年受到现代音乐与极简主义洗礼的诸多电子与噪音实验乐队，如今又重新借着这些后辈新秀得以翻身，而被视为当今所有新乐种的滥觞。另外，当年被许多乐评讥为四不像"前卫摇滚"或"艺术摇滚"也趁此混入许多欧洲崛起的"后摇滚"团体当中。   新的创作观念与录音技术不断的带入专辑作品中，乐手与乐队之间的互通有无，类型与次类型不断地开发分芽，新的摇滚美学再度重新被定义。如果，再按照西蒙·雷诺兹（SimonReynolds）所说的，"后摇滚"简而言之就是将摇滚乐器做非摇滚目的的使用。那么回首四十年来的发展，摇滚乐不也向来就是一种革命的音乐？不管是对当年的猫王，还是现在最前卫最先进的地下音乐，对于当时的社会及他们每个世代而言，这些勇于突破的人就都是相对于当时最革命的音乐了。甚至我们可以说，即使摇滚乐跨入了后摇滚时代，摇滚乐的实践哲学的本质其实是依然不变的，而只要一天坚持现场表演的真实与物质性，那么摇滚乐依旧是摇滚乐。而革命的种籽也继续在各角落独自发芽。   看看四十年前草莽的火爆浪子，再看看现在的数字化与电子信息时代，当年勇往直前活泼乱跳的小鬼们依稀可辨，他们起创摇滚向前阔步迈进的精神仍未熄灭，只不过手持空心钢弦木吉他早已换成闪亮酷炫的电子设备与乐器，后现代社会早已来临，或许这些刚开始成长的音乐，才恰好可以反映与迎接这跨世纪的时代与精神吧？！ ◆注一：98年一位Paul Dickow先生曾为文提出，现今已没有任何新的后摇滚作品足以让他感到兴奋，也目前没有新的创作者来挑战这些后摇滚团体，这让他感到忧心。于是他接着提出三个值得思考的概念，以供未来的创作者去努力。 1、将主旋律去中心化； 2、开始采用非丰富表情的乐器来表现； 3、以最便宜的数字化机器做为每个人创作的基本。 [下文刊载于小白兔音乐通讯第四期] 后摇滚释意   简单讲，后摇滚意味着，用摇滚的配器做非摇滚的音乐。吉他不刷扣、弹solo，只用来制造一些声响；再运用许多计算机科技，合成技术、取样、电子鼓节奏等等，在以往这些元素如果被用在摇滚乐团上面，马上会被耻笑，记得VAN HALEN当年加入键盘的时候被冷嘲热讽的惨状吧。而在后摇滚阵营里，这些当年不入流的东西，用起来可比吉他solo或是双大鼓多的多。   曾经有美国朋友开玩笑说，后摇滚就是那十几二十人的小圈圈自己玩起来的，现在我们所称的后摇滚名人（团），大多数来自芝加哥，在DRAG CITY、Thrill Jockey、Kranky几个厂牌底下，开始玩大风吹，出了一系列的专辑，成为一股潮流，我们会将这股音乐潮流称为后摇滚。   这样讲当然是不够严谨的。   比较安全的讲法，与其说POST RCOK是音乐类型，还不如说那是一种作音乐的概念、想法、或是意识型态。无疑的POST ROCK并不是外星物种，也是由一群人慢慢的创造出来，他们依借着破除一切形式主义的想法，在原有的摇滚乐、爵士乐、室内乐、民族乐等等范畴里去揉合、突破、实验、与创新，而之所以我们还称他们的作品或是行事风格为后摇滚（还有「摇滚」这个字），也不过是后见之明。   文献回顾一下，最早出现后摇滚这个词的地方在英国的严肃性音乐刊物「The Wire」。1994年，五月号，刊出Simon Reynolds写的一篇长文---「shacking the rock narcotic」，里面提到，由于许多开创性的摇滚团体，用了许多「虚拟」的手法，例如，把传统摇滚里经常用的吉他刷扣乐句，用一些取样自其它唱片的声轨给替换掉，例如一段Disco节奏或是一小段很耸的合成器音色等等。这样的搞（想）法，逐渐形成了一个新的乐种，Simon认为要他们一个新的名词，就是POST ROCK。   到了1994年，后摇滚这个名词才首度出现在媒体上，当然不代表在这之前就没有后摇滚这样的音乐型态，在九零年代之前，就有一大堆实验派的老学究和浪人不断的思考、创作、辩证、解构、再解构音乐本质上的问题，也给后摇滚提供了肥沃的土壤；既然是一个大问题，摇滚乐作为一种音乐形式和意识型态，自然不能不撩下去搅和一番。 是与不是   必须强调的是，许多的音乐名词，都不是规范性的定义，只是归纳的结果，因此这些名词本身的内涵即是模糊不清的，并没有很明显、可以辩明的界线，后摇滚也一样。因此最快了解后摇滚的方法，就是找来听！Simon Reynolds认为，第一张后摇滚专辑是Slint在1991年出版的Spiderland（另外还有Talk Talk的Laughing Stock），接着，到了1996年Tortoise的「Millions Now Living Will Never Die」成了一个可以被辨识的里程碑，而从Tortoise的团员们延伸出去的各种团体，早就以美国芝加哥为基地，像蜘蛛网一样的到处连结、吐丝，交织出一幅「后摇滚」的图像。所以，以下这些名字都或多或少会和后摇滚连结在一起：the Sea and Cake、Labradford、Jim O'Rourke、John McEntire、Sam Prekop、Flying Saucer Attack、Mogwai、Sonic Youth、Gastr del Sol、Main、June of 44、Stereolab、Trans Am、Dirty Three、Terantel、Sonna、Sigur Ros、Windsor for the derby、Bedhead等等。 见山不是山   等你真的找了这些东西来听以后，你一定会发现「怎么差这么多？」没错，这就是后摇滚，听到最后，又会发现，那些团怎么怪，突然做起舞曲，唱起民谣来了，那就对了，既然这些后摇滚家族，他们创作意念和动机本来就是在打破规则，身为听众，又何必去拘泥，限制我们的耳朵与脑袋呢？ 虚拟美学与劳动音乐的对立 -- 再谈后摇滚的美学根基   一切都得从 Simon Reynolds 这位知名的乐评人说起。不管你是想谴责他乱发明「Post-Rock」 名词，还是想了解他对摇滚美学的立论是根基于哪里，反正这一切都是必须回到 1994 年他在英国 Wire 杂志所发表的那篇谈论新旧摇滚美学概念与定义后摇滚的文章「Shaking the rock narcotic」 开始。因为，若不是这篇文章发表后引起极大的震撼，或许往后几年的摇滚乐发展，就不会是我们今日所看到的这般光景了。   因此，这篇文章倒底是谈论了哪些重点与议题？为何能引起这么大的回响？而且若是能从中了解到一些事情，那么对于我们亦是有所帮助的。所以这篇文章从一开始，Simon Reynolds便是提到当今所谓的「另类摇滚」其实只是对过去摇滚元素的再处理而已，说穿了，就是没啥新意，一切都仍是挪用前人的谬思再生产处理罢了。想当然，这样的批判必定引起很多人不服气，但是这样批判并不是无的放矢，事实上，Simon Reynolds是非常小心翼翼地针对了另一位乐评人（亦是早年美国独立厂牌SST的创设元老）Joe Carducci 所着的大作《Rock And The Pop Narcotic》提出另一向度的思考模式。因为在这本书中，Joe Carducci以渊博的摇滚知识重新一路追探，什么样的才是他所谓真正的摇滚美学与意识型态，甚至在这整本书中，他以个人建构的美学标准，一一针对有史以来各重要代表团体提出他的看法与好恶。   结果便是他提出所谓的摇滚美学，不是依靠什么形而上学的「精神」、「态度」或「叛逆」等等精神层面的空泛名词，而是非常确切地以物质主义 （materialism）的观点强调好的摇滚音乐就是要依据在鼓、（电）吉他、贝司等这些乐器所产生出来的音乐，并且还要以自身实践的演奏方式，让音乐真切地成为一种「发生的事件」。也因此，他认为摇滚音乐的「当下现场感」是永远胜过那些以录音间为主的「虚幻」作品。而这种由身体力行，如同经由劳动（现场热力表演）所换得的音乐，才是真正成就了摇滚乐作为一种社会意识与庶民音乐的表征与真正实质的生产过程。而且也唯有经由每一次的演出，那些现场的不确定性与有机性（organic） 才是真正可以对抗那些经由录音间量身打造，经由公式化的畅销作曲模式所得出的「虚幻」作品。因此可想而知，那些充满能量，反建制的庞客乐团是他眼中的好范例，至于那些如Phil Spector或Brian Wilson之流的人物则正是他所唾弃的烂苹果。   可是，这样的摇滚美学观虽然是非常严谨地以社会主义倾向的一套观点为摇滚乐披上一层金色外罩，但这对于Simon Reynolds而言，却只是另一个极端反动的代表例子而已。所以，他立刻提出另一个相对的代表人物，那就是 Brian Eno。因为以传统历史发展的眼光来看，Brian Eno 算不算个摇滚人其实是大有问题的，他不喜欢看到那些现场表演，或是一群人在舞台上以集体行动的方式完成所谓的劳动音乐。他感兴趣的是用音乐作画，将音乐去编织一幅幅他的「soundscape」，亦即所谓的音响风景。换言之，Brian Eno 他只想将音乐如何的创造出可视化的聆听感，而他才不管什么现场演唱会。这点，不论是在他早期的个人实验作品，或是他后来自创的环境音响（Ambient），甚或替 U2打造制作的摇滚音乐都是如此（所以Joe Carducci也很讨厌U2）。事实上，Brian Eno 确实就只是想待在录音室去柔捏他的音乐，所以我们是可以说，他的音乐只存活在录音间及音响器材上，而非实质的乐器演奏。   然而，这样的两种极端所代表的美学观是否就真的相互排斥？如果说，如同Simon Reynolds所比喻的，Joe Carducci和Brian Eno各自所代表的音乐，就好象是非常阳刚的劳工阶级与坐在办公室用脑过渡的白领阶级之间的差别。那么当我们再往更深层的意识型态挖掘时，其实我们便会发觉到，Carducci他所企图维护的传统，无非就是「人」而已；而且相对的，他所厌恶的正是以录音间为代表的「机械装置」。因为他已经预见到，当机器越来越便宜，当科技逐渐取代「人」在音乐中的地位时，依照他的观点，科技毋宁是正以暴力的手段逐渐取代传统音乐「人在其中」的神圣地位。 可是，很显然这样的论调Simon Reynolds并不接受，因为他立即认为Joe Carducci的论点无法用在某些曾经流行过的音乐，诸如Disco、Hip-Hop等，甚至Reynolds依此推论他应该也很瞧不起迷幻音乐，因为这是第一个首次采用24轨录音器材的乐种，而且迷幻音乐也是强调脑中的虚幻感大于实质的现实感。所以这么说来，Joe Carducci 似乎是错的啰？这倒不一定，因为事实上，Joe Carducci并未真的否定所有的录音技术，而且Simon Reynolds在他文章里其实也用了点狡猾的手法来推销他想要引介的新音乐，那就是他自己发明的后摇滚。   而根据Simon Reynolds的说法，所谓后摇滚就是将摇滚乐器如吉他、鼓等作非传统摇滚乐的方式使用，或者取样一段摇滚元素改作譬如将电吉他变成一种音质或音响织理的发声器，而非传统的和弦走位、大量刷弦等的方式。而且，后摇滚的另外一大特色，便是大量结合传统乐器与计算机科技的产品，取样机、MIDI、the sequencer、loop 等等设备。也因此，当一些新兴团体大约在九○年代初期采用这些非常新颖的录音技巧与创作概念时，SimonReynolds便非常兴奋地称当时他所引用的团体，如Disco Inferno、Seefeel、Insides、Bark Psychosis、Main、Papa Sprain、Stereolab、Pram、Moonshake 等等无以名状的乐团自然是都被他统称为后摇滚的团体。而且更进一步的，他认为也因为有了这些新的器材设备，这些乐手才有可能去创造各种在实际空间里无法呈现的「虚拟事件」，并且能随意的撷取历史当中任何一段曾经被纪录录音过的音响作为创作的因子。换言之，它是穿越时间的限制，或者是解构了形而上学中的存有性。甚至你也可以说，现今的摇滚乐发展，已经进入了一个以「虚拟」为主的新世代。   至于若要探寻后摇滚的根源，Simon Reynolds亦指出几个重要的线索，打从六、七○年代几个最富盛名的团体，譬如The Velvet Underground或Pink Floyd，又或者再近期一点的如纽约在七○年代晚期所发起的No Wave Movement，甚至同时期那时候英国的几个后庞客重要大将 Joy Division、The Cocteau Twins、The Jesus And Mary Chain、My Bloody Valentine、AR Kane、 PiL、Cabaret Voltaire以及 The Pop Group等都是这些后摇滚团体所取法的对象；当然，若要更为追根究底，自七○年代早期逐渐发展成型，却一直被英美体系排斥在外的德系摇滚 - 「Krautrock」（如 Can、Faust、Neu、Cluster、Ash Ra Tempel等）或许才更能引起他们的兴趣与引用。然而，依近年来的发展来看，所谓的后摇滚，其实就是对过去的任何音乐元素作恣意的引用与取样，也因此，这些后摇滚团体甚至会跨域到自由爵士、或者如雷鬼音乐般地大量采用 dubbing的多轨混音技巧、现代乐、极简主义、前卫音乐等等，几乎你想得到的音乐派别，全都可以在这些后摇滚作品里找得到踪迹。   不过值得一提的是，后来Simon Reynolds又在美国村声杂志发表了一次类似的文章，只是他这次较针对了美国本土所发展的的团体，尤其以芝加哥为发展重地的几个团体，如Tortoise、Sea and Cake、Gastr del Sol等分析他们的音乐亦是符合他所描述的后摇滚特征。俨然经由他的大力宣导下，后摇滚的时代仿佛已经来临了。至此，许多所谓的后摇滚新团，便在1 994-1998年间从非常边缘的前卫乐界圈里大量的浮现出来。   但略带讽刺的是，几年过后，当后摇滚以蔚然成气候时，一些反对的声音便又从不同的角落里出现，首先，芝加哥当地颇为重要的独立音乐刊物「Chicago Readers」的乐评人 Peter Margasak（此君亦是Trouser Press的重要主笔之一）率先为文批评Simon Reynolds 所界定的概念其实早在七○年代就有，只不过那只存在于很小团体的作品中，甚至于他所摒弃的另类摇滚亦是也有部分含括了后摇滚的创作概念。此外，在网络上，一位Paul Dickow先生更是宣称，任何后摇滚的专辑已经无法再引起他的兴趣，因为他认为若是从解构主义的观点来看，未来他们应该都要将主旋律去中心化，并且使用更便宜且容易获得的器材来使用。不过，这些都是后话了。 十张美国 post rock 经典专辑 1.Bardo Pond "Amanita" (美.英Matador) 来自费城五人组,典型neo-psychedelic乐风,以吉他为中心,融合了药物迷幻及ambient色彩,颇有 Spacemen 3 在"Play with Fire"及后期Loop的颠峰表现,曲式非常强悍! 2.Cul de Sac "I Don't Want to Go to Bed" (美Thirsty Ear/英.纽Flying Nun) 来自San Francisco的四人组,于'90-'93年练习的空档中使用了四组卡座录音设备,录下了此张专辑 ,乐风走向是70年代早期实验主义,尤其深受Can, Hawkwind,Neu!等团的影响,吉他手Glenn Jones表 示:大家都说我们copy了Michael Karoli (Can), 凭良心讲,我还真希望我们能copy他. 3.Earth "Phase 3:Thrones and Dominions" (美Sub Pop) 以Dylan Corlson为主之一人团体(以guitar, percussion为主),乐风为ambient grunge,有早期 Guru Guru的影子,在Sub Pop旗下grunge团中,算是异数. 4.Gastr del Sol "Upgrade & After Life" (美Drag City/德Normal) 由David Grubbs及Jim O'Rourke所领军的post rock band,乐风相当多元,有ambient,folk,free jazz,industrial,noise,sample等曲风,参与乐手也相当强:Tony Conrod(前卫提琴家,La Monte Young,Faust),John McEntire(Tortoise),Mayo Thompson(Red Crayola)...等. 5.Jessamine "Jessamine" (美Kranky) 来自西雅图的四人组,他们的创作不同于西雅图流派的作品,该团受到Cluster,早期Cabaret Voltaire ,中期Genesis的影响,呈现出特有的space rock曲风. 6.Jon Spencer Blues Explosion "Experimental Remixes" ( 美.英Matador) 由Pussy Galore分支出来的Jon Spencer所领军的团体,乐风为早期70年代 Rolling Stone跟灵魂乐教父James Brown之综合体, 但本作却颠覆了该团既有的乐风以 hip-pop曲式来remix他们的Live作 品,非常精彩的dub演出. 7.Labradford "A Stable Reference" (美Kranky/英Blast First) Chicgo三人组,此张专辑是吉他手Mark Nelson受到当年航天员Armstrong在休斯敦太空中心受训,并登陆月球成功的启示而来,主要是展现人类宇宙幻想, 及登月欲念的体现,乐风为ambient及space rock的 融合. 8.Space Needle "Voyager" (美Zero House) 双人组乐团,乐风受到50年代美国科幻电影,与70年代德国krautrock及英国prog-rock(Genesis,King Crimson) 的影响,每首曲子都像是在听者心目中描绘B级科幻电影中的一些黑白影像,非常具象化. 9.Six Finger Satellite "Severe Exposure" (美Sub Pop) 团员装扮非常前卫而怪异,主唱J.Ryan曾用造型特殊的synth围绕在颈项上当作吉他在使用,该团作品充满未来主义氛围;他们善于使用60年代末Hendrix式的fuzz及wah wah效果,并融入80年代初英伦的post punk曲式形成强烈而独特的乐风. 10.Tortoise "Tortoise"(美Thrill Jockey/德City Slang) 此团可说是post rock界"大卡"团,团员各自参与了许多不同的乐队(如:Gastr del Sol,The Sea and The Cake,Seefeel,Slint等),乐风相当多元 ,因此合在一起所创作出的音乐,可说是包罗万象 ,如ambient sound,avant jazz,fusion,hip-pop ,jungle,krautrock,lo-fi,soukous,英国Wire杂志推许该团为dub art of remixology.

ExTrEmE 2006-06-07 20:05 (出处不详，我从没懂过收集整理) 雷鬼乐(又被译作雷吉乐)是一种特殊的牙买加风格的音乐，它从ska(一种uptempo风格的音乐)直接发展而来，然而，在它的风格中却有着明显的新奥尔良节奏与布鲁斯音乐的影子。其实，在一种类型音乐的发展过程中，往往会不断吸收其它不同风格音乐的精髓，不断丰富和完善自己，而这丰富和完善的过程却没有什么规律可循。 起先许多牙买加艺人只是通过收听美国的音乐广播节目来获取最新的音乐资讯。而这一习惯就为那时的ska音乐人带来了新的灵感。他们从自己的晶体管收音机中，听到了动人的新奥尔良节与布鲁斯的乐音，于是就灵机一动，这样激情的牙买加ska音乐加上极富穿透力的新奥尔良节奏与布鲁斯音乐便"联姻"了。 其实，事情发生的本没有那么简简单单。在一种好的，广为听者接受的乐风产生之前，执著的音乐人们就已经将多种音乐风格和不同表现形式嫁接在一起，作不同的尝试了。其实，对于更多的"音乐玩家"来说，形成自己独特的风格，以一种固定的音乐形式突现自我固然是最终的理想目标，但在向着这美好理想大步前进的过程中，不免要将各种不同的曲风涉猎个遍，从而增进对音乐作为一个整体，作为一门艺术的理解。同时，在这个艰苦卓绝的历程中找寻自己对于音乐的理解，和自己在风格上的定位。 牙买加的艺人们当然也要在这样的考验中成熟，同时也使自己的音乐日臻成熟起来。 就是在一个人们听ska有些不耐烦的燥热的夏天，雷鬼乐的蛋显露出了雏形。那还是在六十年代的早期，ska吃力的用跳跃式的吉他弹法和时而间歇的节奏诠释着节奏与布鲁斯音乐，而在那时这种风格还勉强为人接受也颇为流行，但人们的耳朵需要更新鲜的填充物来得到满足。这样玩雷鬼乐的大玩家们如:TheMelodians、Prince Buster、以及Jimmy Cliff等，就得以大展拳脚了。 那时的雷鬼乐节奏较R & B舒缓，其特有的变换尺度也如布鲁斯般自由和随意。于是它得到了万般宠爱。旋律摇滚乐手AltonEllis、民谣摇滚乐歌者Bob Marley、以及dub乐艺人Lee"Scratch"Perry都先后受到雷鬼乐的启迪和影响。通过"Reggae Sunsplashing"音乐节，和诸多艺人及组合的推广和发展，雷鬼乐迅速挤身主流音乐。与此同时，一些富于冒险精神的雷鬼乐者，如：Marley和Perry则以他们在雷鬼音乐上的大胆尝试影响了很多后来的雷鬼乐，民谣乐，摇滚乐，以及舞曲音乐的艺人。他们对于音乐的贡献也得到了许多流行音乐人的承认和同时他们大胆的方式也为这些流行音乐人所仿效。

ExTrEmE 2006-06-07 20:08 (出处未知，我从没懂过收集整理) Boogie Woogie 有时侯也可以直接称作"Boogie"。这原本是蓝调钢琴演奏的一种特殊风格，后来许多爵士乐手也深谙这种演奏方式而大为风行。每当这种乐曲演奏时，厚重的音色很容易被听出来。 Bossa Nova 这原本是五十年代末巴西新崛起的流行音乐风格。当时安东尼.卡洛.裘宾和乔安.吉巴托等人以轻快自若的节奏与演唱获得巴西人喜爱而窜起，这股风气大为盛行后，裘宾和吉巴托等人与美国萨克斯风手斯坦. 盖兹合作，并于六十年代中期在美国以一曲"The Girl From Ipanema"打进美国畅销排行榜，如今Bossa Nova已被视为一种很悦耳的国际性音乐。 Blindfold Test 爵士乐界流行这种在不事先预知播放哪一张唱片的情形下，去猜谁是演奏者或对演出加以评价的测试已有很久的历史。发行六十年的美国《D own Best》杂志几乎每一期都有一位乐手接受测试，这不但可以了解受测者的耳力，也可以侧面得知更多乐手的演奏个性。同样的测试报导在美国《J AZZ TIME》中称为"Before&After. Jump 三十年代末期部分名气较小的乐团所演奏的一种节奏感十足，且感染力强烈的舞曲，皆以"JUMP"来称呼。这些乐团如Harlem Hanfats Onyx Club Boys等都以演奏JUMP舞曲闻名，因而当时他们也被称做"JUMP BAND"。但有人认为JUMPNG只是同义复杂词，意思和一般大乐团演奏的摇摆乐没有什么两样。 Piano Professor或Professor 在乐界没有人因为是钢琴教授或博士而被如此尊称，因为它指的是早期在新奥尔良红灯区弹琴奏乐的乐师。例如Professor Longhair这位蓝调钢琴手，正是最好的例子。 Scat 以乐器演奏风格当作创意发展的演唱方式。演唱时通常以母音与子音的交错运用，加上别无意思的词句，但重心强调歌手对音乐调性的处理。首先以这种方式灌录唱片者首推路易斯. 阿姆斯特朗。 摇摆乐（名词），或摇摆（动词）。当名词时，它指的是大乐团形态所演奏的爵士乐，如艾林顿公爵， 贝西伯爵和班尼.古德曼等人所领导的大乐团都是典型的摇摆乐演奏。但当动词时，则是指爵士乐手真的把音乐演奏提升至美妙境界，在节奏或旋律上乐手表现出独一无二的个性，只要不是抄袭或模仿得来的，都可以如此形容。 Bebop或Bop 着个很难以中文描述的爵士乐风格早期也称作Rebop。三十年代末期因大乐团里的乐手感到演出时自我表现的机会太少，因而在收工后每每三五好友邀集至小酒馆表演，以满足个人的表演欲望。后来这个风气在小号手迪吉. 格拉斯彼和萨克斯风手查理.帕克等人大力提倡下，为爵士乐继摇摆乐多无不变的格调找出新出路。Bebop的演奏风格着重在不协调的和弦运用与繁复节奏乐段，即兴独奏通常都是一连串的长篇大作。演唱里的B ebop风格，有时侯会加入一些与歌词不相关的声音作装饰句，听起来俨然是模仿乐器的一种形式。 Cool 一般以"酷"或"清凉"来形容这个爵士乐风格。一般说法是吉尔.艾文斯与迈尔斯.戴维斯两人于四十年代末和五十年代初期， 以九重奏形态灌录了多首冷静风格的乐曲。这些零星的单曲也就是当时辑录并成为畅销专辑的《T he Birth of the Cool》，从此"Cool"这个字眼也因其曲风不热络而定名。"Cool"的特色是演奏时没有颤音，而且尽量不用高音域的尖锐演奏音色。 Down Beat 重拍。传统音乐节拍的重拍都落在第一和第三音节，但爵士乐手则把它运用在第二或第四音节。 Hard Bop 五十年代中，末期所形成的乐风。该乐风与Bebop较接近，但演奏质感较深沉，调性趋于黑人灵魂乐风或蓝调旋律，有时侯和弦进行隐含着精纯的宗教音味。然而并非每一位H ard Bop乐手的演奏全部涵盖以上的特质，比如鼓手亚特. 布雷基所领导的爵士先驱乐团就以重质量的演奏闻名，而钢琴手霍瑞斯.歇尔佛则强调在三十二小节为主题以延伸老式传统。 JATP 这是1944年7月2日由名制作人诺曼.格兰兹所发起的一次爵士乐义演活动， 全名为Jazz At The Ohilharmonic。该活动以弥消洛杉矶墨西哥裔美国人高犯罪率与吸引年轻人参与欣赏爵士乐为号召，不仅许多年轻乐手因活动广受欢迎而窜起乐坛，同时J ATP的名号也成为乐界一大盛事。往后纽约，芝加哥都举办过JATP音乐会，甚至该活动也引介至欧洲，造成另一波热潮。 Free Jazz 自由派爵士乐。这个名称因1960年萨克斯风手欧柰.柯尔曼的"Free Jazz"专辑而定名。在五十年代末期就有许多乐手以无调性的音乐陈述，来表达比当时更进步的音乐思维。乐风形成之初，有人以前卫爵士"A vant-Garde Jazz"或新乐体"The New Thing"来定义，但都不太切合本意，而直到柯尔曼的专辑出版才尘埃落定。Free Jazz以完全自由即兴的概念于集体即兴的作风，打破一切旧有的爵士乐格局，以寻求每位参与演出者的自由与解放音色。 Take 5 这是家喻户晓的经典名曲，由萨克斯风手保罗.戴斯蒙创作于五十年代末期。原意指的是休息五分钟，但是在爵士乐大乐团盛行之时，乐手个人表现机会不多，当乐团领班下达"T ake 5"时，则表示乐手们有五分钟可做自由发挥。 Hot 热情，投入的即兴演奏。比如摇摆乐和Bebop都算是Hot的代表；其相对字眼是Cool，意指音乐表现完全不热烈，听起来极为温和，冷静。 Ad-Lib 即兴演奏。 Riff 重复的乐句，或称叠句。通常这是运用在二拍子或四拍子的演奏当中，它除了可以突显独奏者在乐团的特色之外，大乐团也经常用来制造许多特别的演奏效果。除此以外，典型的新奥尔良乐风也着重于这种特殊的节奏。 Cat 爵士乐手的特别称呼。若乐手被别人以"Cat"来相称，在某种程度上代表着尊敬之意。另外一方面也可以说，好的爵士乐手就是"Cat"。 Fusion 融合爵士乐。1969年因小号手迈尔斯.戴维斯与几位年轻乐手灌录的"In A Silent Way"和"Bitches Brew"专辑大为畅销，这时侯电子乐器正式引介至爵士乐演奏当中，而且具有摇滚色彩的形式也融入乐曲当中。结果众人皆以迈尔斯的开放作风为引导，陆续在演奏中加入民谣，流行，F UNK,灵魂，或者是古典乐的素材，因此融合这个名词便成为进入七十年代之后爵士乐的主流。早期著名的融合爵士乐团包括有奇克.柯瑞亚所领导的" 回到永恒"乐团（R eturn To Forever）和吉他手约翰.麦克劳夫伦的Mahavishnu乐团。 Modern Jazz 摩登或现代爵士乐。现在多半以这个字眼形容1940年初期至六十年代中期左右的爵士乐风格，但是自由派爵士乐不包括在内。五十年代许多B ebop的支持者认为Bebop的谐音太幼稚，听来听去总觉得不对劲，于是便以Morden Jazz比喻Bebop与其后期发展的风格。 Sweet 忠于原味的演奏。Bebop兴起之后乐手明显分成新旧两派，新人刻意恭维前辈紧守传统而以"老怪物"（Moldy Figs）来回报他们以Bebop（噪音之音）指责新的乐风。这些老怪物对于按谱演奏，去除花奏的原味诠释特别在行，因此后来凡是以这种不加即兴延伸的演奏都称之为"S weet"。 Standard 爵士乐经典作品。最早这个字眼是用来形容流行歌曲在经过多年之后的受欢迎程度，远比刚发行时来得高。比如三，四十年代许多百老汇舞台剧作的插曲，后来被爵士歌手一唱再唱，结果部分歌曲流传久远，但原来的剧作者早被人遗忘了，这些歌曲都可算是S tandard。

ExTrEmE 2006-06-07 20:13 (出处不详，我从没懂过收集整理) 就如爵士乐一样，很晚时候蓝调音乐才录制成唱片，应是在1920年，故此有关它早期的故事，我们所知无多。它大约起源於种植园里的的歌曲----最初没人伴唱，而后有了类似吉他或者班卓琴之类的单一乐曲伴奏，器乐旋律与歌曲者交替表演。本世纪初，这种音乐形式发展为三行十二小节的格式。蓝调的模式成为爵士乐以即兴发挥的工具，于是，1920年代以前，蓝调已经被公认为爵士乐的分支流派。与爵士乐相比，蓝调的音乐形式较为初级，但是早期演奏者手中，它也可以非常精彩。1923年， 贝西.史密斯（1895~1937）录制了《灰心的蓝调》，这张专集很快买掉了七十五万张，还为她赢得了与哥伦比亚唱片公司为期九年的和约。这位"蓝调女王"的表演极具戏剧性，她的声调可以跨越情感所至的所有音域，歌唱时谦心投入，为歌曲渲染上自己的风格，无疑，她的确值得尊敬。在她事业的颠峰时期，她每周的收入高达2000美金，并与所有爵士乐大派巨星合作。贝西.史密斯是显得格外别致的地方，玛.雷尼总是显得那麽世俗。贝西.史密斯经常循着TOBA路线在南部诸洲巡回旅行---- 许多黑人城镇中，这是唯一娱乐，录制成唱片的歌曲约计一百首。 她那幽雅的姿态，简洁而戏剧性的音色，沉郁忧伤的音调，令人不可思议的呼应听众之能事，使得得她在许多人心目中成为蓝调的化身。 "蓝调"----是某种心态，是简释这种心态的音乐，是用以演绎这种音乐的数不胜数的了简化它上午概念，爵士乐手们谈及蓝调时，他们通常指的是十二个小节每四小节一组、共分三组，并伴以和弦，即在音阶的第一、第四和第五音符上配上和音。采用了这种和弦过程的简单蓝调歌曲中，有一句长达四小节，而后再重复四小节，最后四小节押韵与前两组相呼应。这种模式还有无数边体。独特的蓝调音乐通过降低音阶上的第三、第七，有时候第五音符的音高，以此创造"蓝色音符"----也界定何谓爵士乐。写在纸上的乐谱如此让人生厌，然而一旦你亲耳聆听过蓝调乐曲，你就会立即从嘈杂的乐曲中辨别出蓝调的音符和歌曲。 1912 年，W.C. Handy 发表了第一篇蓝调作品"Memphis Blues"。但即使在那之 前，蓝调已经作为美国少数原创艺术形式之一慢慢形成。蓝调实际上是非洲西部旋 律和乐感加上欧洲北部的乐器和乐风的结合。然后再加入民谣和福音音乐，早期的 蓝调如此形成——不管天份多少，谁都可以用随便什么乐器搞出音乐来——当然其 中吉它和钢琴是最普遍的乐器。蓝调的先锋们——传奇乐手有 Robert Johnson, Muddy Waters 甚至 B.B. King ——精湛的演奏包括技术上的娴熟和创意上的神秘 。经典的蓝调是 12 小节形式的，把重复的曲调通过人声和乐器的即兴而作演奏出 来。这是一个有巨大影响的音乐流派，它对摇滚乐的形成起重大的作用。蓝调也被 无数的非黑人乐手采用，如吉它之神 Eric Clapton，连连上榜的 Bonnie Raitt， 还有后来居上的 Jonny Lang。 德克萨斯蓝调 (Texas Blues) 德克萨斯蓝调发展于 20 世纪 20 年代，很大程度地从乡村音乐过度，只是滤去了 鼻音。它节奏松散，也称"德克萨斯拖拍"，在拍子后面拖摆一点。歌词方面，摆 脱了"强作愁"的主题。德克萨斯蓝调常用传统的旋律，一把吉他而不是吉他合奏 。然而，德克萨斯蓝调在二战后趋向电子化，主要受 Clarence "Gotamonth" Brown 的影响，他们在管乐部分用电吉他独奏表演。其后，T-Bone Walker 和 Stevie Ray Vanghan 继续保持了拖拍的节奏和轻松的德州传统。 城市蓝调 (Urban Blues) 城市蓝调的歌词充分反映了都市生活。"城市蓝调"一词最初是为了与乡村蓝调区 别，到四十年代逐渐形成自己的风格。城市蓝调包含了 Louis Jordan 的跳跃蓝调 到爵士的最新花样，包括了 Percy Mayfield 和 Ray Charles 的带有城市化的感 觉的低吟。 早期美国蓝调 （Early American Blues） 这一范畴包括蓝调的最早录音。从 W.C. Handy 到 Robert Johnson。这种唱片质 量通常并不那么理想，但充满着深切感情，绕梁三日。 原声蓝调(Acoustic Blues) 不插电即是原声。原声不一定专指原声吉他。此类蓝调指所有非电子乐器演奏的蓝 调——从吉他、班究（五弦琴）到口琴、发声铁罐。各地有各地的曲风——芝加哥 、三角洲（Delta）、新奥尔良、德克萨斯、等等；也有各种音乐风格——滑音型 、爵士型、指拨型、等等。二十世纪前叶的大师 Big Bill Broonzy, Lead Belly 和 Blind Lemon Jefferson 被认为是原声的，还有更现代型的 Keb' Mo', Taj Mahal 和 John Lee Hooker。 民谣蓝调 (Folk Blues) 民谣蓝调可追溯至 19 与 20 世纪交界的小酒吧音乐和晚间小庆典的原声风格 。它产生于南方从德克萨斯到三角洲的影响，被许多人认为是美国最原创的音乐。 尽管早期美国蓝调也同样的深入大众，但真正把人们带入小酒吧间跳舞的是民谣蓝 调。是 Lead Belly 和其后的 Sony Terry 和 Brownie McGhee 将民谣蓝调的风格 延传下来，而 90 年代的吉它手 Ben Harper 成功地再现了这一风格而又没被认作 为复古分子。 孟菲斯蓝调 (Memphis Blues) 当 W.C. Handy 写"Memphis Blues（孟菲斯蓝调）"时，他根本没有想到这 个词的深远影响。孟菲斯蓝调的两大派系中的前一种是在 20 世纪 20 年代的 Beale Street 初生，从众多"陶瓶乐队（jug band）"和综艺表演衍生而出， Memphis Jug Band 的弦乐风格和 Memphis Minnie 和 Frank Stokes 的粗旷而又 时常滑稽的风格而备受欢迎。这种孟菲斯蓝调的早期形式发明了一种演奏方法：主 音吉他在一曲中有一"段"特殊演奏——这种方法至今已成为标准方法了。后一种 孟菲斯蓝调是在 50 年代前期开始的一种电子风格，是更响亮而又激进的蓝调。乐 手们采用了扩大的、失真的吉他和较重的鼓声，对今天的大多数蓝调艺人有更直接 的影响。 爵士蓝调 (Jazz Blues) 爵士蓝调有着坚实的蓝调根基，但又吸收了富变化而又稍快的爵士音乐。这类 音乐家们通常把爵士乐的即兴演奏特点掺进了经典的蓝调音乐三和弦结构。爵士蓝 调包括从钢琴师 Mose Allison 以爵士为主的作品，到吉它手 Lonnie Johnson 的 扎实的蓝调，还有 Ray Charles 的激情荡漾而又博采百风的钢琴蓝调。 纽约蓝调 (NY Blues) 成熟的纽约蓝调吸收了跳跃蓝调、摇摆、Bebop 和早期的节奏蓝调中的精髓。它在 40 年代摇摆时期绽开，当时 Lionel Hampton 的大型乐队用上了蓝调歌手和强烈 的节奏。 正当呐喊的 Big Joe Turner 影响了摇滚乐，Erskine Hawkins 和 Eddie "Cleanhead"Vinson 把大众的蓝调和受高度尊敬的摇摆爵士联系到一起。 新奥尔良蓝调（New Orlean Blues） 顾名思义即知，蓝调决不是笑嘻嘻地找一番乐子（英语"蓝调"blues有忧伤 的含义）。但于此——并非绝无仅有——新奥尔良蓝调稍稍有别。它带有加勒比韵 律（尤其是伦巴）和一些美国南方音乐色彩，只在派对聚会上才有用武之地。此类 别可轻松休闲，也可捶胸跺脚地豪放，有Fats Domino 和 Professor Longhair 等 出色艺人，用了号和即兴发挥的钢琴伴奏。 灵魂蓝调 (Soul Blues) 一种传统蓝调和 60 年代灵魂音乐的快速旋律的熔合物，灵魂蓝调是涵盖两种传统 的艺人。以标准的蓝调乐队为基础——钢琴、吉它、贝斯、口琴和打击乐——有时 加入节奏蓝调曲调的管乐，灵魂蓝调的音乐家们延伸了传统的界线，又保持了灵魂 乐的根基。Etta James, Bobby "Blues" Bland 和 Jonnie Taylor 都曾是灵魂蓝 调的佼佼者。 钢琴蓝调 (Piano Blues) 各种时期的爵士型、蓝调型音乐、即兴的演奏，只要是用钢琴演奏的蓝调，那 就是钢琴蓝调。钢琴蓝调的范畴包括从 Count Basie 和 Rossevelt Sykes 到 Ray Charles, Dr. John 甚至是福音音乐的祖师 Thomas A. Dorsey。 沼泽蓝调 (Swamp Blues) 因路易丝安那州的沼泽而得名。沼泽蓝调慢悠悠地，用口琴、吉他演奏，出现过伟 大的 Slim Harpo。经掺入新奥尔良的节奏与蓝调的韵律、加上回声和延迟的电吉 他效果，沼泽蓝调可悠扬如 Lonesome Sundown 和 Lightnin' Slim，活泼如 Lazy Lester 的口琴。 综艺蓝调 (Vandeville) 在综艺表演的最初年代，众多剧院因偏好白人戏而忽略了黑人演出（颇具讽刺意义 的是，他们实际上却常上演一些模仿黑人老套形象的滑稽戏）。因为主流的排斥， 黑人艺术家们组成了自己的圈子，在美国为数不多的场所上演专给黑人观众看的剧 目。这些综艺表演通常包括滑稽戏、魔术、舞蹈等，但最引人注目的当数蓝调歌唱 表演——出现了一批如 Ma Rainey 和 Bessie Smith 的歌手。综艺表演要求表演 者超越唱歌地取悦观众，于是加入了戏剧和舞蹈的成分，使黑人综艺表演更深地吸 引了观众。综艺表演中的佼佼者 Butterbeans and Susie 因他们的特别的喜剧表 演和精湛的蓝调二重唱久负盛名。综艺蓝调在 20 世纪 20 年代处于颠峰状态。 经典女性蓝调 (Classic Female Blues) 女性在 1920 年开始接触蓝调。有歌手如 Ma Rainey 和 Bessie Smith，她们创作 了许多尖锐而又自信的作品。以后的音乐家如 Billie Holiday 则降低了尖锐性， 但同样真实地反映了她们的生活与关系。 三角洲蓝调 (Delta Blues) 三角洲蓝调大多用一原声吉他演奏，是蓝调的一种原形。其代表人物包括富有传奇 色彩的Robert Johnson, 芝加哥蓝调的缔造者 Muddy Waters，口琴师 Sonny Boy Willianson II 和蓝调之王 John Lee Hooker。得尔他蓝调用充满热情的歌词 和人声，通常独奏，也有一些小的组合，如 Willianson 的各种组合，也曾有过灌 录。 电子蓝调 (Electric Blues) 只要插了电，就是电子的了。虽然电子蓝调以电吉他的使用为标志，它也同样以电 贝司为标志——拾音器（用来放大原声乐器的一种装置）被装到倍大提琴和原声吉 他中。从战后的悲曲大师 Little Walter 到电吉他人 Smokey Wilson 和 Eddie Kirkland 都是电子蓝调传统的代言人。 口琴蓝调 (Harmonica Blues) 由 Sonny Boy Williamson II, Lazy Lester 和 Jimmy Reed 倡导——然后由 Little Walter 和 Junior Wells 带入 20 世纪后期——口琴蓝调以蓝调口琴为核 心。Little Walter 在芝加哥发展了该风格的电子版，而 Slim Harpo 在路易斯安 那演奏连颈口琴。在以后的几年中，Paul Butterfield 和 Bob Dylan 把口琴融入 到民谣、摇滚和蓝调复古。 跳跃蓝调 (Jump Blues) 在摇摆年代，大型乐队爵士、蓝调、福音音乐和"布吉沃吉（Boogie-Woogie）钢 琴"全部结合起来，成为"跳跃蓝调"。Cab Calloway 唱新鲜有趣的歌曲时，更 强调了旋律。Slim Gaillard 则"说"唱出另人捧腹的超现实主义歌曲（通常是关 于食品），而他的乐队应和着喊叫着。Louis Jordan 也掌握了这种高能量的跳跃 蓝调，同时 Louis Prima 又结合了 Louis Armstrong 的人声变化和小号技巧。跳 跃蓝调的西海岸版很大程度地受比较轻松的 Nat Cole 的爵士三人组影响，用老练 的音乐和歌词代替了强劲的能量。受正规古典音乐培训过的歌手、钢琴家 Charles Brown 就是西海岸的最佳代表。跳跃蓝调影响了节奏蓝调（R&B）和摇滚使成为美 国派对的主流音乐，后来又成为 90 年代摇摆复兴的主要元素。 现代蓝调 (Modern Blues) 现代蓝调是一个广泛的概念，包含所有现代的蓝调艺术家们，他们虽然未能见到传 奇的老派蓝调艺术大师，但遵循了他们的步履。现代蓝调既用原声吉他，又用电吉 他，结合从摇滚到流行到民谣的多种元素。有些蓝调纯粹主义者或闭门造车的音评 人会说现代蓝调只是些简单的模仿者；但他们实际上在尊重过去艺人的基础上融会 了创意、天赋和更现代化的感官。Stevie Ray Vaugan 在生前一直被认为是独特的 蓝调复兴主义者（1990 年他直升飞机遇难而亡），其后又有 Robert Cray 和 Keb' Mo'。

ExTrEmE 2006-06-07 20:16 新世纪音乐入门 作者：WAVOW 不知道您是否已经听腻了无病呻吟的流行音乐，是否已经对这种矫揉造作的表演感到厌倦。如果是这样的，那是否想过要换换口味呢。对您来说，新世纪音乐将是个不错的选择。 在这里将要介绍的是所谓的New Age Music，通常被译作新世纪音乐，也有译作新纪元音乐的，不知道对大家来说这算不算是个比较陌生的概念。其实New Age 音乐时常在我们的周围响起，现在越来越多的广告开始用New Age 作为背景音乐；很多电视片也倾向于用新世纪作为自己的结尾曲；各大商场也发现，用新世纪代替原先的流行音效果更好。如果再仔细寻找的话，就会发现原来这种音乐一直伴随着我们的成长，小时候喜欢看赵忠祥解说的《动物世界》，而对这片子的开始曲总是念念不忘，直到长大了才发现原来这就是正宗的新世纪，曲子名叫《Westay》，可以在《The Future Sound Of World》这张专辑中找到。顾名思义，新世纪音乐是个非常新的类别，关于她的起源众说纷纭，不过有一点是肯定的，这种音乐形式的出现不会早于70年代。那时候出版的牛津音乐词典也没有New Age这个条目。在1973年的旧金山，一群素昧平生的音乐家在某个音乐节上相会，这些人忽然发现虽然他们以前没交流过，可是互相之间的音乐却有很多共通之处。他们的音乐都是从冥思和心灵作为出发点而创作的，这种类型不同于以前的任何一种音乐，因此命名为New Age 。在这里还有个小典故，New Age 又指The Aquarian Age （宝瓶座时代），西方神秘学家认为人类正进入宝瓶座时代，象征了人类将从物质的追求过渡到自己内心的探索，虽然在物质方面人类有人种、肤色、语言、宗教信仰等等的不同，但人类的心灵深处都有一个共通点。正因为这一点，所有人都是同宗同源的，平等的。正如Secret Garden的主创罗夫兰（Loveland）所说：每个人的心中都有一座神秘园。你可以在这里寻求慰籍。当你一个人静下心来聆听《Song From A Secret Garden》，就会知道此言不虚了。 粗听上去，新世纪音乐介于古典乐和轻音乐之间，但新世纪更富于变幻，因为她并不是单指一个类别而是指一个范畴，她包括了几乎所有不同以往，象征着时代更替，诠释精神内涵之改良的音乐。因此，你会发现能被称为新世纪的音乐是如此丰富，一切自然界的声音都可能出现在音乐中，所有种类的乐器在此一视同仁，其中的人声更是丰富，从歌唱家到土著乐手，一切都是那么自然。 就一般而言，新世纪还是有其特点的： 其一，新世纪音乐很少有强烈的节奏（但ENIGMA的音乐却有很明显的节奏），这点同饶舌和摇滚形成了鲜明的对比，后两者几乎通篇就是各种打击乐，除了节奏还是节奏。对于新世纪而言，有了节奏就可能受限制。 　　其二，新世纪的旋律感常常很少。这点不同于流行乐，流行乐需要优美易记的旋律，以便于让每个人都能唱。有时候听了好几遍某首新世纪乐曲，还是记不住她的旋律，这便是新世纪赋予大家极大想像空间的原因了。 其三，新世纪音乐总是避免使用刺耳与急促的声音，因为这会增加音乐的压力，从而破坏聆听者的感觉。 其四，新世纪音乐的基础是是合音与和谐音，她摒弃了爵士和摇滚的发声方式，因为这会带来不和谐与不悦耳的感觉。 在80年代中期新世纪已经逐渐成熟，杂志开始设立新世纪榜单。1986年举办的第29届葛莱美奖的奖项中，也增设了[年度最佳新世纪唱片]的奖项，第一个获得这个奖项的是演奏竖琴的奥地利籍音乐家：佛伦怀德。这算是New Age首度明确地成为音乐类别之一的标志。下面就介绍一下对于中国乐迷来说比较熟悉的几个新世纪大师。 Enya 首先介绍恩雅，是因为她是所有New Age人中最影响力最大的，毕竟喜欢新世纪的人不算很多，而恩雅的知名度却一点都不亚于那些流行歌手。恩雅的真名是Eithne Ni Bhraonain，后来改叫Enya。用这个发音近似的字代替，既可以让人很容易就记住她，又避免了发音问题。1986年BBC电视台开始制作一部关于凯尔特人历史和文化的记录片，Enya签约创作并演奏该纪录片的音乐。1987年凯尔特人（The_Celts）首 次播出，它的音乐集以名为恩雅的专辑发行，但她的这首张专辑并未引起注意。在1988年发行的水印（WaterMark）一炮走红,其中的单曲《Orinoco Flow》蝉联了多个国家排行榜的首位。接下来的《Shepherd Moons》惊人地缔造了全球11000000张的销售量，并获得了格莱梅最佳新世纪专辑奖，她的另一张专辑《The Memory Of Trees》也获得此殊荣。需要注意的是，在恩雅背后还有制作兼编曲Nicky Ryan、填词者Roma Ryan的合作，这三人缺一不可。另一点值得一提的是，恩雅从来不开个人演唱会，由此可见要是没有一个专门的小组负责处理恩雅的声音，她想获得今天的成绩也是不可能的。对于想了解恩雅的朋友，可以关注这三张专辑：1997年的《Paint the Sky with Stars》 ，这是一张精选集收录了在此以前的所有好歌；2000年的《A day without rain》，这是她最近的一张专辑，风格同以前完全一样；2001年的《The Lord of The Rings》电影原声，主题曲《May It Be》便是恩雅所唱，虽说只有一首而已，但她在歌坛的地位可见一斑。 Secret Garden 对中国乐迷来说，神秘园是另一个耳熟能详的名字。在神秘园的官方主页，可以看到如下这段话：Once upon a time .. a Rolf met a Fionnuala... and they made magical music together。这句话便是对他们两人最精辟的介绍了。但我在这里还要再废话几句，男的罗夫兰是挪威音乐家，女的雪丽是爱尔兰小提琴家，他们凭一首《夜曲》（《Nocturne》）获得1995年的欧洲电视歌曲创作比赛大奖，从此成名。夜曲的歌词才24个字，可以说是纯粹的器乐乐曲，而欧洲电视歌曲比赛从来没有这种音乐获奖的先例，因此有人说神秘园重新定义了这个比赛。到目前为止，神秘园一共出了四张专辑：《Songs From A Secret Garden》、《White Stones》、《Dawn Of A New Century》、和最新的《Once In A Red Moon》。因为数量不多，如果感兴趣很容易就能收齐。 Bandari 这差不多是国内喜欢新世纪的人中皆知的乐队，译为班德瑞。按照一般的介绍，班德瑞乐队来自瑞士，乐队成员不喜欢抛头露面，一旦开始音乐制作便隐居于阿尔卑斯山中直至完成。在国内任何一个新世纪音乐站点都能看到关于她的简介，但在国外网站不管是Google Directory还是MSN音乐频道，从来没有一篇对她的介绍。难道说这个乐队专为中国人服务吗？个人认为，班德瑞其实就是一些优秀却不为人所知的新世纪音乐家的合集。在中国能买到的班德瑞的专辑有：《仙境》、《寂静山林》、《春野》、《蓝色天际》、《迷雾森林》和《日光海岸》。 ENIGMA enigma源于希腊文，意指"谜一般神秘难解之事"。因此名字除了翻译成英格玛之外还译作"谜"。1990年德国音乐制作人MichaelCretu以Enigma之名发行了第一首单曲《Sadness Part One》。这首乐曲在23个国家登上了排行榜首位，并在美国Billboard专辑榜上停留了长达五年之久。发行的专辑有：1994年《Cross of Changes》；1996年《Le Roi Est Mort, Vive Le Roi》；1998年《The Energy of Sound》；2000年《The Screen Behind the Mirror》。     KITARO喜多郎 KITARO喜多郎最好的日本新世纪音乐家，原名高桥正则，生于爱知县丰桥市，获得了第43届格莱梅最优秀新世纪音乐专集奖（此前他获提名达五次之多）。喜多郎曾移居到科罗拉多州海拔3000米的洛基山中，正是严寒与寂静的环境孕育了喜多郎的音乐。据说他还在中国敦煌隐居了10个月。有意思的是喜多郎从未接受过音乐方面的教育，甚至看不懂五线谱。可见在音乐方面有才华的人并不为五线谱所累。在此推荐他的专辑《天地》、《宋家皇朝》和《丝绸之路》。 还有很多新世纪音乐家诸如：Yanni、Deep Forest、Kevin Kern、Nichols Gunn、Bella Sonus等等，限于篇幅就不一一介绍了。最后提一点，在音乐的分类上，以NEWAGE来代表新世纪。 附：新世纪音乐最重要厂牌 1.Universal Records http://www.umusic.com 环球音乐集团是世界上最大的音乐出版商之一，旗下的A&M、Decca、MCA、Mercury、Motown、Polydor等十数个厂牌都是各类音乐范畴中响当当的名字。其中，Universal Records以出版New Age及各类民族音乐而著称。旗下歌手（乐队）包括Secret Garden、Peter Gabriel等重量级的名字。 2.Real Music http://www.realmusic.com 总部设在美国加利福尼亚，由生于伦敦的Terence Yallop在1985年创办。拥有Karunesh、Kevin Kern等二十多位签约艺人，发行七十多种专题系列唱片，在美国等四十多个国家的主流和另类乐坛均占有重要地位，它的出品是Billboard杂志的New Age排行榜上的常客，因此在过去的四年中被该杂志评为第二大New Age厂牌。 不能不听的《National Park Series》就是它的出品，其中的《Grand Canyon》更是最难于忘怀的大碟。 3.Hearts of Space http://www.hos.com Hearts of Space唱片公司作为同名电台节目的相关产业，始于1984年，不久这里就诞生了New Age经典专辑：Constance Demby的Novus Magnificat，它不仅被誉为"电声在New Age音乐中的运用的标准"，还被《Pulse!》杂志评为86年最佳New Age专辑、80年代第三位New Age专辑。进入90年代，更有大量的出品屡被Billboard的Adult Alternative和World Music榜垂青。 旗下包括Hearts of Space、Hearts O'Space、World Class、Fathom和RGB五个子公司，乐手包括：Bill Douglas、John Doan、John Boswell、 MOX、D'Cuckoo's Constance Pacheco等。 4.New Earth Records http://www.newearthrecords.com 1990年创立于慕尼黑，现迁至美国新墨西哥州圣达菲，是欧洲最畅销的New Age和World Music音乐品牌，风格从佛教音乐到非洲土著音乐无所不及，注重音乐对人的冥想治疗和精神升华作用。 旗下艺术家包括：Jame Asher、Deuter、Al Gromer等。 5.Pacific Moon http://www.pacificmoon.com 基于亚洲的Pacific Moon，是1986年成立的"第一章"公司（Chapter One Co., Ltd.）新近增设的一个New Age品牌，它致力于东方原始音乐与西方现代音乐的结合，专门出版亚洲地区的传统器乐演奏，旗下乐手有古筝演奏家Mizuyo Komiya、二胡演奏家贾彭方、尺八（一种日本的五孔竹笛）乐团Tone等。 6.Gourd http://www.gourd.com 创始人Neal Hellman在80年代初热衷于美国民间音乐的洋琴演奏，他常常用货车带上自己乐队巡回演出。1987年从加州大学学习美国历史毕业后，结识了在Santa Cruz和San Jose附近拥有一间录音室的Joe Weed，成立了自己的品牌Gourd。出品一贯坚持美国乡摇或凯尔特风格，拥有Kim Robertson、Jerry Garcia、Barry等乐手。 7.Silver Wave http://www.silverwave.com 15年前，New Age吉他手Danny Heines专辑的问世，标志着科罗拉多州专营美国本土音乐和原声世界音乐的公司Silver Wave的诞生。随后，钢琴家Peter Kater和横笛演奏家R.Carlos Nakai的几张专辑和为"Discovery"频道所作的电视原声大碟，使公司声望迅速提升。近来新墨西哥州的MTI（Music Transformations Inc.）也加入旗下。此外，它还和绿色和平组织、拯救儿童基金、国家野生动物基金会等有密切的联系。 8.Planet Earth http://www.planetearthrec.com 1992年亚特兰大监制Tim McCabe集合了当地一些音乐家出版了一张名为Palomino Duck的专辑，通过旧金山著名的爵士电台KKSF窜红后，公司也一举成名。这一厂牌融合了Smooth Jazz和New Age的地方音乐风格。